Ya no creo que se trate de cual te dejas y cual no, simplemente de ir recopilando eso que es lo que te llama a la hora de comprar un disco antes incluso de su escucha, haciendo valida esa estrategia de marketing que dice que la gente compra primeramente por los ojos, otra cosa es que nuestra vista posteriormente lleve razón o no...
Lo más bonito es que muchas de esas portadas tienen su historia detrás, y un conjunto de cosas que por alguna razón la hicieron especial y estos post sirven para recordar aquellos discos y conocer todo aquello que tiene que ver con esa imagen que tenemos de ellos.
Seguramente os pase lo que a mí que hay algunos de estos discos de los cuales no conocemos ni una sola canción, pero por alguna extraña razón su portada nos resulta familiar o nada más verla, se muestre el nombre de la banda o no, ya lo relacionamos con el grupo en cuestión. No os voy a mentir, en otros casos igual no habéis visto nunca el protector del mismo, pero estoy seguro que la historia que hay detrás de él os resultará apasionante y comprenderéis el porqué se hizo famoso el año de su publicación...
1. CAPTAIN BEEFHEART AND HIS MAGIC BAND - TROUT MASK REPLICA (1969)
En estos post una portada interesante a veces tiene que ver también con la calidad del trabajo, si el disco es muy bueno y pasa a la historia de ipso facto su portada tiende a convertirse en icónica. A veces es eso, otras es que el trabajo del artista con la carátula termina llamando mucho la atención y otras, como es el caso, es que ambas cosas se mezclan.
El tercer trabajo de Captain Beefheart, publicado el 16 de junio de 1969, está considerado en el puesto 58 de los 500 mejores álbumes de la historia según la revista Rolling Stone, no será el único en este artículo que se encuentre dentro de tan preciada lista, pero seguro que no es el disco favorito de Matt Groening, el creador de Los Simpson, como es este caso: "Era un disco doble y por tanto costaba siete dólares, muy caro para mí, pero como tenía el nombre de Frank Zappa terminé por comprarlo. Lo llevé a mi casa y la primera vez que lo escuché me pareció lo peor que había oído en mi vida. ¡Ni siquiera pretendían sonar bien!, pero seguía estando producido por Fran Zappa y le di una segunda oportunidad: Suena horrible pero seguramente es porque deba sonar así. En la tercera y cuarta escucha empezó a crecer dentro de mí y en la quinta y sexta me encantó y la séptima y octava me pareció el mejor disco de la historia, cosa que sigo creyendo a día de hoy".
Los críticos del disco lo definieron con los siguientes adjetivos: "es sorprendente, desconcertante, inescrutable, único, denso, regocijante, imposible, atemporal, extrañamente hermoso, incierto, inquietante y gratificante para quien quiera entrar en su mundo, no habrá nunca jamás nada remotamente en la historia parecido a este disco".
Pero si ese disco en si produce ese tipo de sensaciones, la portada también se llevaba la palma. Obra de Calvin Schenkel creador de las portadas de Frank Zappa desde que le aconsejaran a este artista tras la idea de hacer una portada del rollo del "Sgt. Peppers" de los Beatles. Frank también considerado diseñador pronto se enamoró de las obras de Schenkel, al que le gusta aparecer en las portadas en modo cameo en algunos de sus discos, viendo reflejadas en ellas su estilo de música.
Para este trabajo se quiso inspirar en una poesía don el cantante Van Vliet repetía dos veces "cabeza de pez" (Old Fart at Play, séptimo corte del cuarto lado), así que decidieron hacer una portada de un humano con cabeza de pescado: "Bajó corriendo detrás de la loma, y resbaló en su cabeza de pez de madera. La boca se movía y mordía a todas las abejas. De vuelta al bungaló, mamá estaba preparada y adornada, con su broche ondulado de esmalte rojo, cuando la cabeza de pez rompió la ventana".
Para la caratula se pensó en preparar una máscara de pez, pero al no haber tiempo ni materiales disponibles, Schenkel se fue al mercado de pescado de Los Ángeles para comprar una cabeza de carpa grande. Le quitaron toda la parte blanda del interior para que pudiese usarse como máscara e incluso la pusieron un cordel de lado a lado para que se sujetara. Van Vliet no dudó en ponérsela junto a un peculiar sombrero de copa que tapase el resto de su cabeza y así estuvo durante las dos horas que duró la sesión fotográfica en la que todos los presentes tenían ciertas nauseas al estar tanto tiempo oliendo fuertemente a pescado, pero el cantante ahí seguía tan feliz e incluso hizo la broma de tocar el saxofón con ella puesta durante un buen rato.
2. SANTANA - ABRAXAS (1970)
Muchos creen que la carátula del segundo disco del grupo Santana es una foto en blanco y negro de los miembros de la banda, ya que en su día la portada original fue censurada y se sustituyó por algo mucho más clásico con el fin de poder salvar las ventas del disco.
Así que les salió rentable huir de la polémica y una portada más sencilla porque tardarían la friolera de diecisiete discos y veinticinco años en sacar "Supernatural" (2005), un disco mejor en ventas y repercusión.
Dicen que Carlos Santana ya era un reputado guitarrista pero este álbum publicado por Columbia records en 1970 le encumbró y le guió hacia su camino de leyenda debido a esos ritmos que se asemejaban al rock pero en algún momento viraban a melodías de las seis cuerdas de jazz y salsa encandilando a los oyentes.
Pero, ¿qué pasó para que se censurase la portada?, pues una curiosa historia que comienza con un cuadro del pintor alemán Abdul Matías Klairwen cuya residencia se encontraba a caballo entre Nueva York y Mallorca. Carlos en algún momento se topó con la obra "Anunciación" (1962) parte de la particular Capilla Sixtina del artista en una revista y quiso pedirle algo similar para la portada del nuevo álbum de la banda, viajando hasta las Islas Baleares para tener una reunión en persona: "Cuando vi el cuadro por primera vez descubrí que la música y el color eran alimento para el alma. Cuando me fijé en la pintura, me dije: Esto es un festín, ¿quién ha hecho esto?, se ajustaba como un guante a la mano y la música" . Pero Mati Klairwen se encontraba en esos momentos en Tanger junto al escritor y psicólogo Timothy O'Leary (conocido como el gurú del LSD) y no le pudo atender. Pese a ello, el viaje no fue en balde y el guitarrista consiguió cerrar un trato para explotar los derechos de ese cuadro con el consentimiento del pintor y contrató a la fotógrafa Marian Schmidt para que sacase una instantánea centrándose en la mitad derecha del cuadro.
La "Anunciación" pretendía representar a la Inmaculada Concepción en el momento en el que el arcángel Gabriel anuncia a la Virgen María que va a tener un hijo, desde una idea donde todas las religiones provienen de la misma e influenciado por el estilo del primer renacimiento y el Kitsch oriental usando una combinación de colores vivos y detalles minuciosos, una técnica heredada de su mentor Ernst Fuchs.
Para representar a la Virgen María, tuvo como musa a Jill, una mujer caribeña de formas voluptuosas que aparece en el cuadro con un seno descubierto resaltado por su piel de ébano. Klairwen estaba obsesionado con ella y que mejor que mostrar a una mujer dispuesta a concebir un niño que alguien así: "El monte Pelée de su isla no suele entrar en erupción, pero cuando lo hace unas 40.000 personas son arrastradas por su lava hasta el Mar Caribe, todos aquellos desgraciados eran sus amantes". Para tapar su sexo optó por la paloma blanca, haciendo las veces de espíritu santo colocada estratégicamente mientras observa otro cuerpo de mujer de piel carmesí tatuada con una conga entre las piernas para anunciar algo y con alas salidas de la espalda que representa al arcángel Gabriel y que en realidad debía ser el cuerpo de una joven mallorquina de Deià. El propio Matías aparece en la parte del cuadro que no se fotografió con un sombrero de paja en la cabeza y unas gafas de sol representando a José, a los pies de tres bailarinas de la tribu Wodaabe de Nigeria que hacían las veces de Reyes Magos, aunque todos sabemos que ellos no estaban allí en ese momento.
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| LAS DOS PORTADAS: LA DE LA BANDA SALIÓ EN LOS PAÍSES CENSURADO |
3. MILES DAVIS - BITCHES BREW (1970)
Y saltamos de una portada de Mati Klairwen a otra realizada por el mismo artista, aunque en este caso no sé si es más icónica por su carátula en sí, que es preciosa, o por el disco que está considerado por la revista Rolling Stone en el 87º lugar entre los 500 mejores discos de la historia en la lista del 2020.
Y es que a lo largo de su historia musical el trompetista de jazz supo reinventarse varias veces ( el cool en la década de los 50, su fusión con la música de Jimi Hendrix en los 60), una de las más sobresalientes precisamente fue en éste su trigésimo quinto trabajo fusionando la música de blancos con la de los negros gracias a la inspiración que le surgió de la propia portada de su álbum: "había advertido a Teo Macero, productor del disco, que se limitara a dejar correr las cintas para captar todo lo que tocáramos; insistí en que lo grabase todo sin interrumpirnos ni preguntar nada. «Quédate en la cabina y preocúpate únicamente de grabar el sonido», fue lo que le dije. Y lo cumplió. No vino a jodernos ni una sola vez. Lo registró todo, lo grabó magníficamente bien".
Davis contempló esta obra de Klairwen que quería representar que pese a ser germano se sentía con genes de raíces africanas y quería yuxtaponer en el cuadro lo que la gente piensa que eres por tu apariencia y lo que realmente eres por tu idiosincrasia.
Matías y Miles nada más conocerse se hicieron amigos y que era fácil verlos recorrer las calles de Harlem, llamando mucho la atención que una persona de raza blanca recorriera sus calles a plena noche..., fue en esos días cuando el pintor creó dicha obra y se la presentó a su amigo trompetista y entre los dos decidieron ponerle un nombre al cuadro que en un principio iba a ser "Witches Brew" (Caldo de brujas) pero Betty la mujer de Davis decidió cambiar una letra una w por una b "Bitches Brew", dejando la traducción castellano como caldo de señoritas de compañía por decirlo refinadamente.
Viendo el concepto artístico de la obra y su título, Miles comprendió que debía hacer un trabajo que representaran esas sensaciones de nulo racismo y una humanidad homogénea independientemente del color de su piel. De aquello nació su idea de mezclar la música blanca y negra en un sólo álbum que completaría el trabajo de Mati y el titulo que su mujer le puso.
La obra pictórica estaba llena de las cosas que le gustaban a Klairwen, surrealismo, simbolismo y cultura pop siendo la segunda de sus 50 portadas de discos, casi todas ellas en esa década, siendo el hombre de moda para este tipo de trabajos, sobre todo para aquellos artistas que por color de piel o raíces estaban relacionados con la música negra (jazz, hip hop, blues...) porque sus obras reflejaban lo que el resto de personas podían escuchar. Hubo un momento en que sus obras se podían ver en una tienda de discos más que en un museo convirtiéndose en esa clase de tipo encasillado en un trabajo, quizás por eso pasada la década de los 70 huyera de esos trabajos.
4. LED ZEPPELIN - HOUSES OF THE HOLY (1973)
El quinto álbum de uno de los grupos creadores del heavy metal, rompía con la tradición de poner el nombre de la banda seguido de un número además de probar con otro tipo de sonidos que no fueran raíces del blues como el reggae o el soul, se buscaba un cambio en todos los sentidos, incluida la portada recurriendo al colectivo Hipgnosis, famosos por sus icónicas caratulas en los álbumes de Pink Floyd entre otros grupos. La colaboración a cargo de Storm Thogerson, creador de esa empresa de diseño gráfico, no salió como esperaban según decía Jimmy Page:
"Les habíamos encargado el diseño de Houses of the Holy y este tío, Storm, vino con una foto de una pista de tenis verde eléctrico y una raqueta. Yo dije '¿Qué demonios tiene esto que ver?' y él dijo: Raqueta, ¿no lo captas? . Le respondí: ¿Me estás diciendo que nuestra música es una raqueta? ¡Lárgate!. No le volvimos a ver. Acabamos haciendo el trabajo con otro de los artistas. ¡Ese tipo tenía cojones! Imagínate, en la primera cita con un cliente". Para los que no entiendan el contexto de estos comentarios he de apuntar que "Racket" en inglés además de raqueta, tiene varios significados como "Fraude, ruido o barullo" algo que no parece adecuado para un trabajo que se encuentra en el puesto 149 de los mejores 500 discos de todos los tiempos.
Aunque el guitarrista no lo quiera reconocer, les dieron incluso dos oportunidades más la primera intentando recuperar los símbolos que aparecían en Led Zeppelin IV que representan a cada integrante del grupo, pero no quisieron repetir el concepto y la siguiente propuesta fue de Aubrey Powell basándose en el libro de Arthur C. Clarke "El fin de la infancia" (también conocido como "Los hijos de Ícaro"), pintando a una familia de oro y plata mientras se mueven hacia una fuente de poder mágica en pleno amanecer...
Esta idea les gustó y Peter Grant y Jimmy propusieron un lugar para llevarla a cabo: las formaciones rocosas de la Isla de Staffa en Escocia, pero al ser casi inaccesible fueron a la Calzada Gigante, una formación parecida situada en Irlanda del Norte, le pidieron a Powell que fuera el encargado de todo porque no querían ver a Thogerson ni en pintura. Hipgnosis pensó que hacer una portada así costaría mucho dinero, cosa que dio igual a la banda, pero se encontraron con un doble problema, los conflictos bélicos de Belfast que hicieron que dos de los miembros de la familia ficticia de cinco no viajasen por miedo y que todos los días eran levantados el resto a las cuatro de la mañana para captar la luz del alba mientras les pintaban previamente de oro y plata para nada, porque las nubes nunca dejaban mostrar la luz del sol, y al acabarse la pintura especial tras varios días, tiraron de pintura para coche ocultándoselo a la madre de los niños que veía que el color no salía de su piel ni con aguarrás.
Al final no renovaron el contrato de los adultos y se quedaron sólo con los niños Stefan y Samantha Gates, dos jóvenes actores, obligados a pasar por el calvario día tras día, incluso cuando se tomaron las fotos, fue una mañana lluviosa y con mucho frio y ellos iban desnudos, usaron varias de las instantáneas para que pareciese en la portada que había once niños, pero son sólo ellos en diferentes tomas. Pese a la mala experiencia Samantha repetiría en la contraportada de "Presence" tres años después..., pero no acaban ahí las anécdotas, debido a un fallo de impresión fotográfico los colores salieron alterados tal como se ven en la portada, así que en vez de aparecer el dorado del pelo y la plata del cuerpo, se ven a niños albinos, dando una sensación inicial entre perturbadora y aterradora.
5. JANE'S ADDICTION - NOTHING'S SHOCKING (1988)
El grupo cuyo nombre proviene de la compañera de piso adicta a las drogas de su cantante y fundador Perry Farrell revolucionó la música con su aparición a finales de los noventa. Curiosamente estamos ante su primer álbum de estudio publicado el 23 de agosto de 1988, con un fuerte impacto con el paso de los años y que terminó ocupando el puesto 309 de la lista de los mejores 500 álbumes de la revista Rolling Stones. Y si, este álbum recién sacado fue un fracaso, pero no por culpa de su música sino porque el marketing del mismo fue nulo, no publicitándose por las radios ni la televisión al ser una banda underground que muchas veces vagabundeaba por las calles de Nueva York y simplemente ser conocidos de boca en boca, aun así sólo vendió entre 200 y 250 mil copias el primer año, que no está nada mal para ser un disco debut, pero se queda en una minucia sabiendo el impacto que tuvo posteriormente cuando ya se hicieron famosos. Como curiosidad hubo tres músicos adicionales de viento a la hora de la grabación, siendo una trompeta Flea, el icónico bajista de Red Hot Chilli Peppers que posteriormente coincidiría en esa banda con el guitarrista de Jane's, Dave Navarro.
Un trabajo que estuvo a punto de no salir al mercado pues Farrell quería el 62,5% de los derechos de las canciones frente al 12,5% que cobrarían el resto de integrantes, que se declararon en rebeldía hasta llegar a un acuerdo que llegó pero dejando por medio una fractura tan grave en el grupo que a los tres años de haberse dado a conocer y tener fama tras la publicación de sus tres primeros proyectos, se disolvieron por primera vez y aunque posteriormente se volvieran a juntar, no sería la primera vez que estallarían por esa lucha de egos interna.
Tampoco ayudó mucho el diseño polémico de la portada, el cual si analizamos fríamente no dejan de ser dos maniquís femeninos desnudos usados en una escultura creada por el propio Perry y que representan dos gemelas siamesas unidas por diferentes partes del cuerpo, sentadas en una mecedora ingrávida cuyos pelos se puede entender que son representados por el fuego de sus cabezas ardiendo.
La instantánea de su obra no fue bien recibida por la censura y, aunque no la cambiaron y el disco se pudo vender así, tuvieron que hacerlo como si de un producto de extraperlo se tratase porque en muchas de las tiendas de discos estaba vetada, incluso así, una vez más el tiempo les dio la razón y ha aparecido en varias listas de las 100 mejores portadas de discos de la historia, puesto que al contrario del nombre que eligieron para este trabajo que se traduce como "Nada es impactante", curiosamente tanto su música como la estética del mismo demostraron que más lejos de la realidad, todo lo fue.
6. METALLICA - "BLACK ALBUM" (1991)
¿Os imagináis que uno de los mejores discos de la historia de la música con temas icónicos que conocen distintas generaciones, tenga una portada calificada como una de las peores de la historia?. Pues esto ocurrió con el quinto álbum de Metallica...
El 12 de agosto de 1991, el grupo publicaba su nuevo disco no poner nombre y algunos lo conocen como "Metallica" y la mayoría con el apelativo de "Black Album" porque la mayor parte de su portada es de color negro.
Disco ha vendido más de 31 millones de copias alrededor del mundo y entre sus temas están nada más y nada menos que "Nothing else matters", "Enter Sandman", "The Unforgiven", "Sad but true", "Wherever I may roam" o "Don´t tread on me", grandes éxitos de la banda e incluso copando los primeros puestos de sus mejores canciones poniendo en el top la primera que he nombrado. Como tal fue considerado como una obra maestra y un punto de partida para multitud de bandas que se hicieron famosas porque estaban muy influenciados por el grupo: un nuevo género musical, el trash metal, había nacido y todo el mundo demandaba escucharlo proclamando a sus creadores como auténticos genios hasta la fecha por muy malos, que los hay, fueran sus siguientes discos.
La verdad es que no se qué narices pensaron a la hora de crear la carátula del mismo, tienes oro puro y lo quieres vender con el envoltorio menos atrayente que puedas imaginar a un público que no tiene ni idea la cantidad de grandes temas que contiene. Una portada negra en la que aparece en la esquina superior izquierda el nombre de la banda en diagonal ascendente y abajo a la izquierda el dibujo, que bien podría hacerlo un niño de 10 años, de una serpiente o mejor dicho su contorno en gris, como si estuviera estampado al fondo.
Los miembros de la banda al ser preguntados por la idea de semejante portada, hablan de un homenaje a los Beatles y su "White Album", pero a día de hoy me sigue pareciendo más una troleada o una escusa sabiendo que por ese nombre lo conoce su público, que una historia real. Si de verdad querían homenajear al grupo británico, el nombre de la banda no hubiera destacado visualmente y por supuesto no hubieran incluido al reptil, seguramente así si se hubiera entendido dicha analogía.
Lo que si es cierto es que el dibujo si está inspirado e incluso copiado de otro lugar, de la bandera de Gadsen. El general Christopher Gadsen diseñó una bandera amarilla con el dibujo de una serpiente de cascabel enroscada en modo ataque y la leyenda "Don´t tread on me" ("No me pises", mismo nombre que el sexto corte del álbum) para la marina independentista en la Revolución estadounidense que terminó desencadenando la Guerra de la Independencia. Fue Benjamin Franklin en un periódico el primero que utilizo a este animal con fines políticos, burlándose de la costumbre británica de deportar a sus convictos a tierras americanas, sugiriendo que los nativos deberían enviarles a cambio serpientes de cascabel.
7. MICHAEL JACKSON - DANGEROUS (1991)
Cuatro años después de su último disco de estudio "Bad" (1987) y tras desligarse musicalmente de su productor Quincy Jones apostando mucho más por el ritmo creado por Teddy Riley (inventor del género "New Jack Swing") que por las melodías. Michael Jackson volvía con su octavo álbum en solitario el 26 de noviembre de 1991, su primer trabajo con Sony Music tras firmar con ellos un contrato de 50 millones de dólares en lo que fue en ese momento el contrato más lucrativo de la historia de la música.
El disco estuvo a la altura siendo el segundo más vendido en la carrera del rey del pop con 32 millones en ventas, lejos eso sí, del inalcanzable "Thriller" (1982) que llegó hasta 65 millones de unidades vendidas.
La portada se la dejaron a un joven de 28 años considerado el padrino del Lowbrow o "Pop surrealista", un movimiento alternativo, fuera de los cánones establecidos, de arte visual que nació en Los Ángeles, California, a finales de la década de los 70 con influencias del mundo del cómic underground, la música punk, el hot-rod y otras subculturas californianas del que también existen esculturas y arte digital que siguen este estilo.
Mark Ryden graduado en el Art Center College of Design en Pasadena (California), pronto empezó a llamar la atención de artistas del pop reconocidos que querían tener parte de sus trabajos en las carátulas y portadas de sus discos, así que Michael Jackson le dio una oportunidad para poner cara a su nuevo trabajo. Al preguntarle Ryden cuál era la idea principal para el diseño, Jackson le propuso un reto muy difícil: "representar todos los momentos más importantes de su vida en la misma (ya que el disco mostraba su lado más personal en cada tema) y que él, de alguna manera los estuviese admirando a través de una máscara", también le comentó que era un enamorado de los posters de los circos y quería un concepto que recordase a ello con un aire misterioso.
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| TODOS LOS DETALLES DE LA PORTADA |
Así los ojos del cantante aparecen en una marquesina de cine que hace las veces de máscara y corona que culmina un chimpancé (su mascota Bubbles) sobre un hada y dos ángeles que le escoltan. Debajo de su mirada se concentra un gran número de animales que representan su amor por los mismos, así como la parte salvaje y libre del mundo donde no está el ser humano. A los pies de estos animales se encuentra la estrella de la buena suerte con dos ángeles con instrumentos musicales que son como un amuleto para que el disco vaya bien en ventas.
Los payasos que hay a los lados de su nombre representan al mundo del circo y al del teatro, viendo a uno reír y al otro triste. Los ángeles que se encuentran jugando encima de los peces representarían la infancia idílica que siempre quiso tener y a su vez le faltó. La atracción del tren fantasma muestra de nuevo a unos animales sentados yendo a lo oscuro de la atracción que hace alusión a la pérdida de sus mascotas, por otro lado se puede ver salir el tren con Jackson de niño (un niño controlado en un tren unidireccional), el esqueleto de un elefante y a Macaulay Culkin, el niño de "Solo en casa" y amigo de Michael. En la entrada a la atracción podemos ver la calavera de un pirata con garfio, al artista le encantaban la figura de piratas y Peter Pan y a la salida el ojo que todo lo ve del logo de los Illuminati que significa protección.
La mano de Jackson sosteniendo a un niño negro con el cráneo de un elefante tiene doble sentido, uno que es la ayuda que siempre Michael quiso tener sobre los niños más desfavorecidos y otro a un rumor falso que decía que quiso comprar los huesos del conocido "hombre elefante", con un mapamundi en su mano haciendo entrever que su fama es mundial y el número siete en la muñeca que era su número favorito.
El centro del dibujo lo ocupa una cinta transportadora que nos lleva a todo lo malo que tiene este mundo, representado por oscuridad, dibujos en la misma de cosas peligrosas y malas y el globo terráqueo vuelto del revés en alusión a que estamos destruyéndolo en vez de construyendo algo mejor. El señor de smoking es P. T. Barumon, creador de los circos más importantes en Estados Unidos con un pequeño mago sobre su cabeza con el número siete de nuevo. Hay dos obras pictóricas escondidas, una representada dentro de una bola de cristal con Adán y Eva (que bien podría ser los de Durero u otro pintor), representando el lugar donde él quisiera vivir a veces, aislado del mundo y la otra el perro afgano convertido rey (inspirado en Napoleón en el trono de Jean Auguste-Dominique Ingres) . Al otro lado del rey perro está la reina pájaro, que hace referencia a su propia madre Catherine Jackson vestida de color morado, su preferido, a la que se le ven los engranajes, algo así como que para él fue el sustento de su familia. A sus pies un busto de un niño con la cara de dos colores, debido al tema "Black or white" y sus propios problemas de vitíligo.
8. GREEN DAY - DOOKIE (1994)
El tercer trabajo de la banda de punk rock consiguió más de 30 millones de copias vendidas, no haciendo honor a su nombre que traducido vendría a ser diarrea en su estado más líquido. Y es que el grupo sufrió de una intoxicación alimenticia durante la gira de su anterior disco Kerplunk y el mayor efecto que produjo esa cena en mal estado fue precisamente ese..., no entendiendo muy bien cuando decides que ese hecho debe ser inmortalizado en el título de tu siguiente álbum. Ocupando el puesto 193 de esa reiterada lista que casi aparece en cada apartado del post, de los 500 mejores discos de la historia de la revista Rolling Stone, consiguió entre otras cosas el premio Grammy al mejor álbum de música alternativa y el primer disco diamante de los tres que la banda posee.
Sin embargo, también fue un éxito contraproducente contra la banda , pues habían dejado atrás el sello independiente Lookout! Records para marcharse a una discográfica mucho más potente como Reprise Records, cosa que entendieron perfectamente sus antiguos productores marchándose de forma amistosa. No ocurrió lo mismo en su pub favorito, donde habían tocado cientos de veces antes de ser reconocidos, el 924 Gilman Street, que cuando se enteraron de la noticia pasaron de ser un grupo alternativo que representaba a su barrio a unos vendidos que solo buscaban hacer dinero, no importando con ello a rehusar de sus orígenes... y vamos que si les sentó mal, expulsaron a la banda del garito y no dudaron en hacer pintadas en las paredes adyacentes al local donde ponía "Destruir a Green Day Ahora".
Al líder y cantante Billie Joe Armstrong este hecho le hizo reflexionar antes de empezar con el trabajo de este disco: Nunca volverían a la escena del punk, independientemente si esa decisión representaba un éxito un rotundo fracaso y la portada de ese nuevo álbum haría honor a esos orígenes para demostrar a su gente que siguen siendo los chicos que se criaron allí: "Quise que la ilustración pareciese realmente diferente. Quise que representase a la Bahía Este y de dónde venimos, porque hay muchos artistas en la escena de la bahía este que son tan importantes como la música. Así que hablamos con Richie Bucher. Él ya hizo una portada de 7 pulgadas para una banda llamada Raooul que me gustó realmente. También ha tocado en bandas de la Bahía Este durante años. Hay piezas de nosotros esparcidas por la carátula del álbum. Hay un tipo de barba con su cámara en el aire haciendo una foto. Él (Bucher) tomaba fotos de bandas cada fin de semana en el Gilman. El personaje de sotana que se parece a Ozzy Osbourne es la mujer de la portada del primer álbum de Ozzy. Angus Young está por ahí también. El grafito que dice "Twisted Dog Sisters" se refiere a aquellas dos chicas de Berkeley. Creo que el tipo que dice "The fritter, fat boy" es una referencia a un policía local"
Otra curiosidad es que en la contraportada del disco entre la gente que aparentemente están disfrutando de un concierto se puede ver a Epi, el personaje de Barrio Sésamo y en un principio querían regalar con el disco una figurita del personaje, pero decidieron no hacerlo por una posible demanda de los dueños de sus derechos de imagen y porque podría equivocar a los padres al comprar un disco para sus hijos porque va acompañado de un juguete, cuando sus letras y temas están muy alejados de lo que puedan escuchar los niños durante su más tierna infancia.
Dookie también le sirvió a la banda para conocer al productor Rob Cavallo con el que hicieron muy buenas migas y se sintieron indentificados, desde entonces ha sido el productor del grupo hasta la actualidad.
9. BJÖRK - HOMOGENIC (1997)
Una de las artistas más extravagantes del planeta y por ello una influencer más allá de lo que es la música. Sus portadas están expuestas en el MOMA (Museo de Arte Moderno) de Nueva York, pues siempre en su forma de expresarse a cuidado a detalle todo lo que expone en sus trabajos, desde las canciones, la puesta en escena, la música atípica, los videoclips y por supuesto la imagen de sus obras.
El 22 de septiembre de 1997 presentaba en sociedad su tercer álbum de estudio "Homogenic" y para entonces ya había captado la atención, no siempre para bien, de mucha gente en el mundo. El disco se centró en un estilo electrónico experimental tan alternativo que supongo que no podríamos asemejar su forma de ver la música con cualquier otro artista de la época y, si los hay posteriormente, es que la han querido imitar o están influenciados por ella.
Tan complicada de entender como de pronunciar su nombre completo, Björk Guðmundsdóttir, el título del álbum está relacionado con esa idea en contra incluso de su idiosincrasia de intentar seguir un estilo más o menos coherente que sea un nexo de unión entre todos los temas, ciñéndose a unas reglas que se alejan de las propias, donde prima la espontaneidad, la libertad e incluso la anarquía. Para que nos hagamos una idea el disco presenta temas como "Jóga", dedicada a su mejor amiga pues lleva su nombre; "Bachelorette", un poema que mandó escribir a Sjon un artista intelectual islandés, porque le habían pedido un tema para una película de Bertolucci y buscaba una letra épica para ello; o el tema extra "So broken" que grabó tras estar en España y llegarle la inspiración de crear algo junto a un guitarrista flamenco, consiguiendo la producción a Raimundo Amador que se encontraba cerca grabando un disco.
Para rematar las idas y venidas que pasan por su cabeza, llegaría el tema de la portada, donde huiría de presentarse ella al natural con un jersey de lana en una foto en blanco y negro, o el estilo colorido donde sigue luciendo su singular belleza en su segundo álbum, en este caso buscaba algo que impactara realmente al espectador lejos de una simple foto elegida entre las tantas que te puedan hacer en una sesión.
La intrahistoria de cómo surge esta impactante instantánea, según la propia cantante tiene que ver con un hecho que la dejó muy impactada. Uno de sus más apasionados seguidores a nivel mundial era Ricardo López un joven uruguayo cuyo cadáver fue encontrado en Miami en septiembre de 1996. En ese momento la cantante estaba comprometida con Goldie, un disc jockey y músico electrónico con descendencia jamaicana y escocesa y Ricardo no estaba de acuerdo con que su amada estrella se casar con el susodicho. El día antes de su muerte, los servicios de seguridad interceptaron un paquete bomba dirigido a Björk por López que contenía ácido sulfúrico el mismo día que por la noche se suicido en su hogar, un templo dedicado a la cantante islandesa, con las paredes plagadas de posters de ella. Un episodio trágico que marcó a la cantantes hasta tal punto de mudarse de ciudad y llamar al suceso como "crash"
Björk habla con el artista Alexander McQueen y le dice lo que desea: “El personaje que aparece en la portada representa a alguien que no quiere tener una vida fácil, y por eso fue lanzada a lo más profundo del océano”.
En realidad a mí la portada me recuerda a una geisha o alguna mujer de alta alcurnia venida de otro planeta, perfectamente sacada de alguno de los largometrajes de la segunda trilogía de Star Wars, siendo una de las personas de la corte de Padme Amidala. Para mostrarse de ese modo a la artista le tuvieron que poner 10 kilos de pelo en la cabeza, unas incómodas uñas largas tan de moda ahora, que le impedía coger bien cualquier objeto, multitud de collares que te hacen recordar a "las mujeres jirafa" , unas estrambóticas lentillas, una forma peculiar de pintarse los labios y un icónico kimono. Luego la foto se pasaría por el ordenador para darle ese efecto caleidoscópico y llamativo...
10. RADIOHEAD - OK COMPUTER (1997)
El 21 de mayo de 1997, la banda publicaba su tercer álbum que estaba marcado con la idea de hacer algo distinto a los anteriores, sin duda acertaron al menos con la crítica especializada: "Nada desde 1967, con el lanzamiento de Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, tuvo tantos grandes críticos de acuerdo de inmediato, no solo en los méritos de un álbum, sino en su significado a largo plazo, y en su capacidad para encapsular un punto particular de la historia". El público les dio la razón convirtiéndose en el disco más vendido de la banda con 7,8 millones de ventas aproximadamente, algo que sorprendió mucho a su productora EMI ya que creían que el álbum tendría escasas ventas pues los temas estaban muy lejos de lo considerado comercial en ese momento.
El título tiene su historia, durante uno de los viajes promocionales de Radiohead a Japón, la banda se encontraba dentro de una tienda de discos, probablemente publicitándose y firmando a sus seguidores. De repente un chico gritó: “Ok computer”, sin venir a cuento y casi las 500 personas que había en la tienda y alrededores empezaron a gritar dicha frase, los músicos sintieron esa reacción como un poco aterradora y sorprendente debido a la situación y que no entendían nada... Un hecho que les debió marcar tanto que le pusieron el nombre al que sería su siguiente trabajo. Leander Kahney de Wired, sugiere que se trata de un homenaje a los ordenadores Macintosh, como "built-in del Mac reconocimiento de voz software responde al comando 'OK Computer', como una alternativa a golpear un botón Aceptar en la pantalla ".
Stanley Donwood fue el encargado, como siempre desde que les hiciera la imagen del EP My Iron Lung, del apartado visual de la banda. La mecánica es simple Thom Yorke, vocalista y líder de la banda, le comenta lo que tiene en mente y Donwood (amigo personal de Yorke desde la Universidad y que en los discos aparece con diferentes seudónimos “Tchock”, “Tchocky”, “Dr. Tchock”, o “The White Chocolate Farm”), se encarga de plasmarlo con el hándicap añadido que su trabajo visual de algún modo es una equivalencia al sonido del disco.
En la portada se puede ver como una especie de carretera con cambios de sentido, dos figuras humanas y una especie de dibujo que de alguna forma prohíbe una acción determinada. Durante 20 años los fans del grupo estuvieron estrujándose la cabeza para saber cual era esa carretera, siendo un fuerte rumor que se trataba del cruce de autopistas entre la número 84 y la 91 en Harford en el estado de Maryland. Si fuera así, dedujeron que fue una fotografía tomada desde el Hotel Hilton donde la banda se alojó en agosto de 1996 durante la gira de The Bends. Fue en el 2017 cuando el usuario de Reddit con nick Jordan117, siendo un fan apasionado del grupo, decidió que con motivo del vigésimo aniversario se iba a pegar el capricho de ir al hotel y alojarse en la misma habitación donde sus ídolos habían estado. Entonces se acercó a una de las ventanas y comprobó que la imagen que se veía desde allí era muy parecida a la del disco, aunque tuvo que hacer varias fotografías desde diferentes ángulos hasta que consiguió que se superpusieran y seguidamente lo publicó en un foro de la red social. Obviamente se hizo viral tal descubrimiento y fue un auténtico regalo para el Hilton de Harford que al enterarse hicieron publicidad, una de las portadas más icónicas de la historia, había sido tomada desde su hotel.
A parte de la historia, Donwood trabajó la foto a forma de collage, casi imperceptible conjugando las imágenes con texto en esperanto e inglés y confirma que el dibujo que aparece prohibiendo algo, fue hecho por él. Yorke por otro lado explicó la portada de esta manera: "Alguien está vendiendo algo que realmente no quiere, y alguien está siendo amable porque están tratando de vender algo. Eso es lo que significa para mí. Es muy triste, y muy divertido también. Todas las obras de arte, etc ... optamos por seguir después (de el álbum terminado).... Era todo lo que yo no había dicho en las canciones"
Juró que tras su explicación entiendo mejor a los japoneses que dieron lugar al título del álbum que lo que representa la portada según las palabras de su cantante.
Que bueno. Que grandes recuerdos me han traído algunas portadas. Genial información.
ResponderEliminarMuchas gracias por leerlo y por el comentario, si te ha gustado y quieres leer más, tienes enlaces a las entradas anteriores de esta sección.... ;P
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