Ya no creo que se trate de cual te dejas y cual no, simplemente de ir recopilando eso que es lo que te llama a la hora de comprar un disco antes incluso de su escucha, haciendo válida esa estrategia de marketing que dice que la gente compra primeramente por los ojos, otra cosa es que nuestra vista posteriormente lleve razón o no...
Lo más bonito es que muchas de esas portadas tienen su historia detrás, y un conjunto de cosas que por alguna razón la hicieron especial y estos post sirven para recordar aquellos discos y conocer todo aquello que tiene que ver con esa imagen que tenemos de ellos.
Seguramente os pase lo que a mí que hay algunos de estos discos de los cuales no conocemos ni una sola canción, pero por alguna extraña razón su portada nos resulta familiar o nada más verla, se muestre el nombre de la banda o no, ya lo relacionamos con el grupo en cuestión. No os voy a mentir, en otros casos igual no habéis visto nunca el protector del mismo, pero estoy seguro que la historia que hay detrás de él os resultará apasionante y comprenderéis el porqué se hizo famoso el año de su publicación...
1. PARALLEL LINES (BLONDIE, 1978)
Lo que sí está claro es que fue una evolución dentro del grupo que se había presentado con sus dos discos anteriores como un grupo punk, siendo uno de los referentes de la época junto a los Sex Pistols o The Stranglers, siendo ídolos en Reino Unido o Australia, pero unos auténticos desconocidos en su propio país.
Quizás por ello, en vez de seguir por esa línea marcada donde habían conseguido adeptos, apostaron fuerte por un cambio de rumbo con melodías más suaves influenciadas por el pop, letras más elaboradas, pero sin dejar atrás ese toque corrosivo que tanto caracterizaba al punk de finales de los setenta.
Este disco, como hemos dicho, fue uno de los precursores del género posteriormente llamado new wave del cual se nutrieron bandas tan importantes como los Talking Heads.
Lo curioso de su icónica portada fue que se hizo sin la aprobación de la propia banda.
El productor del grupo Richard Gottehrer, presenta al grupo a quien será su nuevo manager, Peter Leeds, que no es de buen gusto recibido por la banda y menos por la cantante Debbie Harry: "Era el único que llevaba un traje, tenía buenos zapatos y una buena casa...", algo que de por sí ya le hacía desconfiar.
Leeds decide hacer cambios agresivos dentro de las decisiones de la banda sin tomar mucho en cuenta lo que quería el grupo, se mete de lleno en la producción y en la elaboración de este nuevo trabajo, les hace cambiar de discográfica pasando de Private Stock a Crishalis y decide tener una idea para la portada donde todos los miembros masculinos sonríen mientras una Debbie seductora se encuentra en medio de todos con mirada fría retando al espectador.
Para ello llama a la fotógrafa Roberta Bayley que pide contratar de paso al suizo Edo Bertoglio para que le ayude, ambos después serían unas eminencias en lo suyo creando portadas para gente como Madonna. Citan a la banda y les hacen una sesión de fotos y, haciendo caso a la idea de Leeds pide a los chicos que sonrían pero ninguno estaba por la labor de salir en portada sonriendo, pero al final acceden a una única instantánea con esa pose para terminar con la sesión y no tener líos.
Fue entonces cuando a Leeds se le ocurrió jugar con el nombre del disco y proponer unas líneas que dividieran la portada en blanco y negro y se lo comenta al grupo que no están muy convencidos pero quieren ver la idea antes de descartarla y por ello hace vestir en la sesión a los miembros con traje y corbata negros y camisa blanca, mientra Harry, con la que Peter estaba obsesionado que fuese el centro de atención de la misma, posaba con un vestido blanco.
La sorpresa llega cuando el grupo entra en el despacho de Leeds para una reunión y se encuentran inesperadamente con una polaroid de lo que sería la portada final y preguntan que era aquello, Debbie recuerda lo siguiente: "Estábamos ofendidos porque la portada se había hecho sin nuestra aprobación y la decisión se había tomado sin tener en cuenta al grupo".
Chris Stein, el guitarrista, fue en la misma línea de Harry: "Todos enloquecimos y empezamos a gritar que no queríamos aquella imagen. Había muchas fotos que nos gustaban para la portada, incluso las elegimos pero él escogió otra y siguió adelante con ella. Todos estábamos enojados porque trabajamos muy duro para tener una imagen más relacionada con el Rock and Roll".
2. BRITISH STEEL (JUDAS PRIEST, 1980)
En un principio la banda se mostró reticente, ya que las cuchillas de afeitar se relacionan con la estética punk y ellos eran un grupo heavy y no querían de algún modo confundir con ello a sus seguidores o a futuros compradores de su sexto álbum pudiendo pensar que o que habían cambiado de estilo musical, o hacer creer a otros futuros compradores del disco que ellos eran un grupo punk por dicha portada. El bajista y cofundador del grupo Ian Hill lo resume así: "Hubo un poco de debate, porque una cuchilla de afeitar era un emblema del punk rock, aunque finalmente la decisión fue unánime".
El pintor, fotógrafo y diseñador de portadas de discos polaco Roslaw Szaybo fue el encargado de plasmar esa cuchilla de afeitar en la portada del disco de una manera muy inquietante por las proporciones de la misma respecto a la mano que la sostiene y la fuerza que hace ésta apareciendo desde un fondo oscuro y terminando de agarrar el objeto cortante con una fuerza desmesurada sin que el filo provoque heridas.
El ex guitarrista del grupo KK Downing expresaba la primera reacción de la banda tras ver por primera vez la carátula: "Tan pronto como lo vimos pensamos: ‘Esto es tan afilado como nosotros’. Es totalmente apropiado. Obviamente, somos conscientes del simbolismo detrás de la imagen. Era un fabricante popular de cuchillas de afeitar, y algo que habíamos visto desde siempre cuando estábamos pasando el rato con nuestros abuelos. Parecía muy británico. Y la forma en que fue retratado, con la hoja de afeitar entrando en los dedos, pero sin sangre; lo que está diciendo es que es seguro escuchar nuestra música".
Además del éxito del disco y de la portada, hubo dos anécdotas que hicieron que se volviese más mítica si cabe: 1) El fallecido guitarrista de Pantera, Dimebag Darrell, le gustó tanto la idea de la cuchilla de afeitar que empezó a llevar un collar portando unas cuantas. Recordemos que Darrell fue asesinado en pleno concierto por un ex marine con esquizofrenia paranoide, Nathan Gale, que por aquel entonces tenía 25 años, llegó a creer que Darrell le había robado la letra y música de sus canciones y por ello lo acribilló con 15 balas. 2) El agente de London PR, empresa de relaciones públicas, Tony McBrian corrió el rumor entre febrero y marzo que las pistas del disco habían sido robadas y que sin ellas la banda no haría una gira. Una falacia estratégica para crear expectación sobre el disco y con ello más ventas, pero de poco mete en un lio a la propia banda que no sabían nada sobre dicha mentira.
Al final el disco de "British Steel", el sexto álbum de estudio de la banda, fue lanzado el 14 de abril de 1980, llegando al cuarto puesto en los UK Album Charts, la producción más alta hasta la actualidad para una producción de la banda en su propio país.
3. POWER, CORRUPTION & LIES (NEW ORDER, 1983)
La banda británica de música electrónica New Order, vió en aquello una oportunidad para bautizar su segundo trabajo. La portada también va ligada al arte, dejaron al cargo de la misma a Peter Saville, un afamado portadista de álbumes musicales de Manchester.
Saville preguntó por el nombre del disco y tras conocerlo buscó inspiración y la encontró en la National Gallery en un pintor del siglo XIX y principios del XX: Henri Fantin-Latour. El artista francés se especializó en retrato femenino, retrato colectivo, temas musicales y sobre todo en bodegones con flores.
Uno de estos bodegones es "A Basket of Roses" (1890) y Peter vió en esta obra la portada que estaba buscando, vendiéndoselo al grupo como una simbiosis entre el uso de las rosas, las cuales suelen servir para seducir, y lo que son capaces de simbolizar y ahí, pueden ser usadas como un distintivo de poder, de corrupción y de mentiras.
Una vez más, el trabajo de Saville huía de lo convencional y lo usual, buscando en muchas ocasiones el minimalismo y lo contemporáneo consiguiendo una rara coalición entre sus obras y la música que representan.
Del disco podemos decir que también fue importante para ser el segundo trabajo de New Order, llegando a ser número uno en la lista de la UK Indepent Albums, cuarto en la UK Albums, tercero en Nueva Zelanda y elegido uno de los 100 mejores trabajos de la década de los ochenta tanto en la revista Rolling Stone como en Pitchfork Media.
4. SHE'S SO UNUSUAL (CYNDY LAUPER, 1983)
Ella, mejor que nadie, sabía que la fama en una carrera musical podía ser efímera y que en un momento puntual cualquiera era capaz de tocar el cielo dando la tecla adecuada, como en el momento siguiente encontrarte sin dinero esperando que algún alma caritativa se acuerde de ti y te llame para tocar en un escenario.
Esto le había pasado anteriormente con su banda "Blue Angel". Tras ser una prometedora cantante de Brooklyn, en 1977 se quedó prácticamente sin voz debido a una lesión en sus cuerdas vocales. No fue hasta 1980 cuando pudo volver a dedicarse a su gran sueño, cantar y junto a un multiinstrumentista como John Turi crearon el grupo.
Steven Massarsky fue el mánager que los contrató, quedándose con los derechos de Blue Angel por sólo 5.000 dólares, lo vió como una inversión, ya que la música era horrible pero sabía que la voz de Lauper iba a dar algún momento dinero. Consiguieron sacar un álbum, pero la discográfica con la que firmaron puso un alto precio, o conseguían un tema que llegase a la gente o automáticamente se finiquitaba el trato, como finalmente fue por el número de ventas, si bien el grupo tenía cierto carisma entre la gente joven.
Tras ello rompieron con la discográfica y despidieron a su mánager que terminó demandándolos por 80.000 dólares, dejándoles prácticamente a ambos en la quiebra y Cyndi cogiendo multitud de trabajos extra para poder pagar la deuda y dedicarse a lo suyo. Un par de años más tarde su carrera en solitario comenzaba con un gran sencillo, pero... ¿cómo iría el álbum?
Con ese miedo intrínseco se enfrentaba la neoyorquina a su primer álbum, no dejando de lado su idiosincrasia de no tener miedo al ridículo, su estética punk ochentera y esos aires feministas edulcorados en grandes letras y una peculiar voz. Esta vez no podía fallar y todo debía estar medido a la perfección.
A Cyndi le pareció muy importante la portada del disco y por ello, siendo una enamorada de la fotografía del "Born in the USA" de Bruce Springsteen pidió que contrataran a Annie Leibovitz para que sacase lo mejor de ella.
Y vaya que si lo sacó tanto en la portada como en la contraportada, poniendo la artista "pelirroja" también su granito de arena. Su icónica instantánea dentro de un museo de cera clausurado para la ocasión, con un vestido rojo y rosa de segunda mano con medias de rejilla comparado en la tienda donde solía trabajar "Screaming Mimi", adornada con muchos kilos de bisutería barata, que sólo podría combinar una artista como ella para hacer contraste a una pared azul. Su pose bailando descalza con los tacones al lado y una sombrilla tirada en el suelo es parte de la historia de la música.
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| CONTRAPORTADA |
El álbum fue votado como el undécimo mejor del año por The Village Voice y todo el mundo dio un reconocimiento a una de las primeras mujeres empoderadas con su letra y estilo propio, había nacido una estrella muy disfrutable en la década de los ochenta y noventa.
5. MASTER OF PUPPETS (METALLICA, 1986)
En plena gira europea en el otoño del 86, el disco salió a la venta el 3 de marzo, el grupo se encontraba en Suecia viajando en su autobús privado. Eran las 6:15 de la mañana del día 27 de septiembre y los miembros de la banda descansaban en sus respectivas literas. Curiosamente Burton había ganado una apuesta al guitarrista Kirk Hammett y como pago de la misma, cambiaron de cama. Justo a esa hora el autobús volcó y aunque los otros tres miembros no sufrieron daños preocupantes, Burton salió despedido por la ventana falleciendo en el acto. Tras ello, la gira se suspendió, pero ésta ya iba atrasada por una pequeña cirugía de muñeca a James Hetfield en un accidente con su tabla de skate que le impedía tocar su guitarra. Parecía que toda la maravilla que portaba el disco, se cernía en desgracia contra el grupo a la hora de disfrutarlo y sacarlo adelante.
En cuanto a la portada, no hay que ser fanático de la banda para reconocerla, ya que su imagen lo dice todo y muchos relacionan la misma directamente como algo icónico del grupo.
La ilustración estuvo a cargo de Don Brautigam, el cual nos dejó un pequeño juego en ella al estilo ¿Dónde está Wally? escondiendo sus iniciales en la misma "D.B.", consta de un cementerio representado por un campo de cruces blancas e idénticas de las cuales salen diferentes hilos que van hacia un cielo enrojecido, para terminar siendo agarradas por unas manos que los controla.
Para dejar más claro el mensaje de la portada se incluye en una de las cruces un casco militar que muchos creen que hace referencia directa al tema del disco "Disposable Heroes", aunque Brautigam dice que es mera coincidencia porque cuando diseñó la portada no conocía los temas ni había leído siquiera el nombre de los mismos. Sea o no esta referencia, lo que sí está claro es el mensaje de que en toda guerra hay muchas muertes porque alguien previamente ha decidido que todo eso ocurra.
La idea de la portada proviene del cantante James Hetfield, que ya la había dado forma con anterioridad en forma de sketch, según sus propias palabras: "Quería representar como todos, ya sean soldados o adictos, están en una manipulación constante. Por eso era importante que las manos que mueven los hilos que controlan las tumbas, estuvieran manchadas de sangre".
6. TRUE BLUE (MADONNA, 1986)
Otro punto en común con la artista de Michigan y la de Brooklyn, es que este tercer trabajo titulado "True Blue", es posiblemente su disco más femenino y cada single que lanzaba la ponía más en el candelero y por ende en el estrellato, consiguiendo un status que desde entonces ha tenido que mantener y eso que su segundo álbum fue "Like a Virgin" (1984)
Dicen que todas las canciones están dedicadas de alguna forma a su entonces marido, el famoso actor Sean Penn con el que estuvo casada en el periodo de 1985 a 1989: "Esto está dedicado a mi marido, el chico más genial del Universo". Las letras hablan de diferentes conceptos como el amor, los sueños, el trabajo e incluso las decepciones, así que no tenemos muy claro si se refiere al concepto del álbum o verdaderamente nos está abriendo las puertas a su historia de amor porque Madonna participó activamente en la composición de todos los temas.
Lo que sí sabemos es que el disco pasó de llamarse "Live to Tell" a "True Blue" porque era una expresión que le encantaba a Penn y que la canción homónima sí que habla directamente de él.
En cuanto la portada, es una de las más reconocibles de la larga discografía de Madonna. Una instantánea tomada por Herb Ritts, que por aquel entonces era conocido como el fotógrafo de modas estadounidense por excelencia, abusando del blanco y negro, además de gustarle representar con sus imágenes la escultura griega.
Ritts le tomó una sesión fotográfica completa a la cantante, de la cual se aprovecharon otros tantos retratos para los sencillos y el trabajo. A partir de ahí confió en la magia de Jeri Heiden, directora de arte de Warner Bros que ya había trabajado con ella en "Like a Virgin" . Su trabajo fue tan minucioso que trabajó con 60 rollos de fotografías de 35 mm y eligió de todos ellos un total de 30 ó 40 fotos que mandó imprimir al estudio de Ritts.
A partir de ahí eligieron las más adecuadas para cada caso, llamando la atención que para la portada se decantasen por una imagen de la cantante de perfil tapada por los hombros por una cazadora de cuero y adornada con un collar fino de plata, en la que se le puede ver con el cuello totalmente estirado y mirando con los ojos cerrados en dirección al cielo. La imagen se convirtió en algo tan icónico que algunos la compararon con el pop-art de Andy Warhol.
El único cambio realizado sobre la original es que al llamarse el disco "azul verdadero" se decidió darle un toque de color usando éste como fondo, en vez de la escala de grises de Ritts, además de recortarla y reducirla al tamaño de un cuadrado, respetando la idea original del artista en la que Madonna recordara a una diosa griega de alabastro.
7. LIVE THROUGH THIS (HOLE, 1994)
También podemos hacer referencia a que, aunque es considerado el segundo álbum de estudio de la banda, tras "Pretty on the Inside" (1991), el propio grupo consideraban en parte el primero, porque el nombrado para ellos era inescuchable, calificándolo como violento desesperado y angustiante, eso que consiguió críticas muy positivas y llegó a vender más de 200.000 copias: "Ese disco era postureo por mi parte en varios sentidos. Era la verdad, pero también me estaba poniendo al día con todos mis colegas modernos que me iban de indies, y que se burlaban de mí porque me gustaban R.E.M. y The Smiths".
Ellen Von Unwerth, fotógrafa y directora alemana especializada en el erotismo femenino, fue la encargada de tomar la instantánea de la modelo Leilani Bishop, en una actitud que previamente había descrito Love: "Quería capturar la cara de una mujer cuando le están poniendo la corona, ese éxtasis; lápiz de ojos azul corrido, en plan... 'Soy, soy... ¡He ganado! Tengo crema hemorroidal debajo de los ojos y cinta adhesiva en el culo, tuve que arañar y follar para llegar a la cima ¡pero gané Miss Simpatía!'. La esencia enfermiza de esta cultura".
Para completar la carátula ya sólo faltaba poner el nombre de la banda y el título del álbum, creyendo que lo más adecuado para sintonizar con la imagen era poner ambos con la tipografía de Barbie.
Todos acusaron a Courtney de la muerte de su marido y cargaron contra el disco como si hubieran usado aquello como una estrategia de marketing. Además llegaron a decir que el disco lo había escrito completamente el malogrado cantante de Nirvana y no su mujer.
El estrés y los excesos de Love, aunque hasta entonces tampoco nunca se había privado de nada, casi hace que pareciera dar la razón a sus enemigos, si bien, el disco era mil veces mejor que el primero y era todo gracias a ellos y no a su viudo. Era un álbum que se estuvo gestando durante tres años, únicamente interrumpido por el nacimiento de Frances Bean Cobain y la crítica lo cebó con críticas muy positivas, convirtiéndose en álbum del años para la prensa especializada como Rolling Stone, Spin y The New York Times.
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| FOTO 20 ANIVERSARIO |
8. READY TO DIE (THE NOTORIOUS B.I.G, 1994)
Aunque acudió al instituto Westinghouse con gente tan famosa después como Jay-Z y Busta Rhymes, ya desde los doce años traficaba con drogas y dejó los estudios con diecisiete para convertirse en camello a tiempo completo.
Ese mismo año, en 1989, fue arrestado por cargos de armas y condenado a cinco años de prisión de los cuales sólo cumplió uno y el resto los hizo en libertad condicional, siendo arrestado de nuevo un año después en Carolina del Norte.
Al dejar embarazada a su novia, decidió encontrar un trabajo menos problemático para dar un futuro a su hijo y se metió de lleno en el rap. Una de sus demos cayó en manos de Sean "Puffy" Combs, empleado por aquel entonces de la Uptown Records y el 13 de septiembre de 1994 ya estaba haciéndose archifamoso con su primer disco "Ready to die".
A partir de aquí compite por popularidad con Tupac Shakur que, casualmente pertenece a una banda rival de su barrio. Después de salir de fiesta por Las Vegas con sus amigos en 1996, Tupac es acribillado a balazos junto a su gente cuando su vehículo estaba parado en un semáforo en rojo. Muchos lloran su muerte, pero su banda reclama venganza y piensan que en el tiroteo ha participado directamente The Notorious B.I.G. que desde ese instante es consciente que tiene una diana en la espalda al ser eliminado su rival directo por miembros de su banda.
El 9 de marzo de 1997 se cumple la trágica noticia, saliendo de unos premios y de forma idéntica, su coche para en un semaforo en rojo de Los Angeles y otro coche llega al lugar y acribillan el vehículo. Pese a que cuatro tiros habían atravesado el cuerpo de B.I.G., dándole por muerto en el acto, consiguió llegar vivo al Cedars Sinai Medical Center donde fue declarado muerto tran una toracotomía media hora después del incidente.
Su familia y amigos llegaron a culpar a un policia de su asesinato pero nadie acabó pagando su fallecimiento cuando sólo contaba con 24 años.
Contada su historia se entiende mejor que su único álbum de estudio en vida se llamase "Preparado para morir", pero vamos a centrarnos mejor en su icónica portada en la que podemos ver a un Wallace bebé (ya fuera el cantante o su hijo) sobre un fondo blanco, aunque esto no es del todo cierto parece ser.
Keithroy Yearwood reclamó ser el niño pequeño de aquella portada y hoy en día nadie le puede desmentir, pues al creador de la misma le pasaron la fotografía y pensó que pertenecía a algún trabajador de la discográfica mientras montaba uno de los tantos trabajos que se sacaban allí.
Fue la madre de Yearwood quien certificaba la versión de su hijo advirtiendo que tuvo que ir a un casting de fotos de bebés siendo Keithroy el (o uno de los) elegido(s) y cobrando por ello un miser cheque de 150 dólares. El propio protagonista dejaba sus impresiones acerca de ser la carátula de uno de los discos más famosos de todos los tiempos: "Cuando por primera vez me enteré que era yo, no fue una gran cosa, pero ahora con el tiempo, ¡por supuesto que es una gran cosa para mí!".
La otra gran ironía del disco, además del nombre sabiendo su posterior historia, fue el hecho de que la imagen tierna que produce su portada, no hace indicar para nada las increíbles barbaridades que soltó por su boca en cada tema.
9. TRAGIC KINGDOM (NO DOUBT, 1995)
Al respecto a este último punto el guitarrista Tom Dumont fue contundente: "Bien, hay una razón por la que nuestro sonido ha cambiado. Para mí es muy fácil decirlo. Eric, nuestro tecladista, era el que escribía la mayoría de las canciones. Fue la principal fuerza creativa de la banda por muchos años. Y hasta cierto punto cuando salió ese primer álbum se notaron aquellas cosas personales suyas, como que no le gustaba viajar. A él le gusta sentarse y escribir canciones. Tenemos un estilo más simple. No estamos muy a gusto con él, este álbum fue nuestro primer intento, fue la primera vez que Gwen escribía las canciones y que trataban sobre ella. En el pasado, Eric escribía sobre sus experiencias y Gwen las cantaba. Ahora es ella la que escribe sobre sus experiencias y eso hace que sea más natural. Creo que esa es la razón porque nuestro estilo ha cambiado".
Aunque el nombre hacía alusión al sinónimo de Disneyland, también conocido como Magic Kingdom (Reino Mágico), parecía que ese "Tragic Kingdom" (Reino Trágico), podía ser un presagio en los futuros devenires de la banda. Nada más lejos de la realidad, fue sacar el tercer single "Don't Speak" y el mundo se puso a sus pies.
Algunos creen que No Doubt son el típico grupo One Hit Wonder, reconocibles y haciendo carrera en la música con un único tema; yo discrepo de dicha afirmación, tienen canciones muy buenas, pero si es verdad que a partir de "Don't Speak" se hicieron mundialmente famosos y "Tragic Kingdom" comenzó a venderse como churros: diez millones de discos en EE.UU. y diecisiete en todo el mundo.
Para la portada contrataron al artista plástico Daniel Arsenault, dueño de todas las fotografías que aparecen en el álbum. La idea conceptual fue tomar instantáneas de la banda en un campo de naranjos, apareciendo en las mismas el propio Eric convencido por su hermana al sentir que también formaba parte importante del trabajo aunque no fuera miembro de la banda. Rodeados e incluso encerrados en un círculo que preside desde el exterior una preciosa Stefani con un traje rojo que nos muestra con su sonrisa una naranja en su brazo levantado, sólo con esa idea ya representa la idea del reino, ahora había que darle el toque trágico que viene impregnado en dos detalles: todas las naranjas están podridas y la implementación de varias moscas en la carátula.
Como curiosidad el llamativo traje rojo que luce la cantante fue robado del Museo de Fullerton (California) el 11 de julio de 2005, mientras era presentado en una exposición de objetos icónicos de la historia de la música.
10. IS THIS IT (THE STROKES, 2001)
Los neoyorquinos formaron la banda en 1999, aunque Juan Casablancas (cantante) y Albert Hammond Jr. (guitarrista), ya se conocían previamente estudiando en un internado en Suiza donde el primero fue llevado por su padre debido a su mala conducta. Años después coincidieron casualmente en Nueva York ya que vivían en dos apartamentos de la misma calle, retomaron la amistad y decidieron formar un grupo, no sin antes compartir apartament y ahorrar gastos.
Convencer a Nikolai Fraiture como bajista, Nick Valensi como guitarra y Fabrizio Moretti a la batería, fue fácil porque eran amigos de la infancia de Juan. Su popularidad creció muy rápido en poco tiempo y de empezar a tocar como todo el mundo en garitos, pronto estaban en la reputada Sala Lounge de Manhattan que regentaba Ryan Gentles.
A éste le gusto tanto el sonido del grupo que decidió dejar su trabajo de encargado de los compromisos de la sala para ser su representante y en octubre de 2001 ya habían firmado con la productora RCA para grabar su primer disco, tras sacar previamente un EP.
Y de este modo llegamos al "Is This It" (¿Esto es todo?) que consiguió vender medio millón de copias en los Estados Unidos, trescientas mil en Inglaterra, cien mil en Canadá y setenta mil en Australia.
La portada del disco fue encargada al fotógrafo Colin Lane, realizándola de la manera más inesperada y absurda que podemos llegar a pensar. Su novia de entonces salió de la ducha y Colin se vino arriba haciéndole una sesión de fotos desnuda, para más casualidad, una estilista se había dejado en su casa un guante negro de cuero, y empezaron a jugar con él en las fotos.
Obviamente no sabemos como acabó esa sesión de instantáneas, pero a Colin se le ocurrió la brillante idea de coger una de ellas, revelarla en blanco y negro y presentarla en aquel encargo, no sabiendo muy bien si todo fue una obra maestra de un prestigioso fotógrafo al que le vino la musa o simplemente un, "se me echa el tiempo encima, ¿qué les mando para cumplir el expediente?". Sea cómo fuere, la portada se hizo tan famosa como el mismo disco.
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