Quiero decir que los que vengan esta semana a leer mi entrada no se van a quedar con la idea que es un refrito continuista sino más bien una especie de redención con una lista de títulos que deberían haber estado en las anteriores.
Créeme querido lector cuando te digo que al ir recopilando las historia de estos álbumes me he quedado en plan: "Menudo delito que he cometido para los amantes de la música, especialmente en los frikis como yo que nos fijamos hasta en estos detalles".
Está claro que alguno no podría haber estado en otro post en concreto porque o bien habíamos hablado de esos grupos, o no me acordé de esa portada e incluso con más delito busque alguna que pudiera rellenar la entrada de tal forma que sumasen diez. Lo que queda claro es que cualquier amante de la música entenderá que estas portadas e incluso la historia que tienen detrás son muy relevantes en la música refiriéndonos a la imagen en concreto sin meternos de lleno en el contenido de su trabajo, si bien algunas portadas se hicieron relevantes directamente por ello.
Vamos con una buena redención...
1. RICHARD RODGERS AND HART: "SMASH SONGS HITS" (1938)
Y qué mejor que empezar con la historia de la primera portada para un álbum de música. hasta entonces los discos de vinilo iban dentro de una bolsa de papel con un agujero en el medio donde se podía leer la información de la pegatina del álbum. En dicha bolsa a veces iba impresa el título del disco, los intérpretes/bandas y detalles suplementarios como el nombre de la discográfica el precio de venta al público, el año de publicación, etc.
El resultado era más bien soso y tenía muchas quejas por parte del consumidor pues la bolsa de papel después de haber pasado por varios lugares y diferentes manos terminaba estando rota o rasgada y el producto rayado por la misma razón y los clientes aun así debían pagar el dinero que valía el disco sin importar el estado si se lo querían llevar a su casa.
Alex Steinweiss un joven trabajador de la productora Columbia Records (quien aparece en el dibujo de portada de este post), enseñó una idea a sus jefes de cómo solucionar dichos problemas e incluso generar más ventas partiendo de una plancha de cartón de tamaño donde cabía perfectamente el vinilo de 78 rpm, en la cual iba impresa en la cara principal una caratula vistosa con el nombre del artista y el trabajo, y en el otro lado la contraportada donde aparecerían las canciones del disco y todo lujo de detalles como el tiempo de cada tema, quien lo había compuesto y todos los datos que la productora quisiera meter. Según Alex : "La manera de vender los discos es ridícula... cubiertas de papel marrón, verde o crema que carecen de atractivo. Amo tanto la música y tenía tal ambición que estaba deseoso de ir mucho más allá de lo que diantres me pagaran. Quería que la gente mirara la obra artística y escuchara la música".
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| ANTIGUAMENTE SE VENDÍAN ASÍ, DESPUÉS LA BOLSA DE PAPEL SE INTRODUJO DENTRO DE LA DE CARTÓN INVENTADA POR STEINWEISS |
Un éxito de ventas que multiplicó la tirada del trabajo hasta unos números insospechados, porque los clientes comienzan a comprar un producto por los ojos y el nuevo empaquetado al que se sumaba una vistosa carátula dieron lugar a que la gente lo comprase por ser diferente y no por el trabajo musical que pudiese haber en su interior, es por ello que Columbia empezó a sacar todos sus vinilos en planchas de cartón con carátulas y hoy en día en pleno siglos XXI los vinilos siguen conservando el formato.
2. THE BEATLES: REVOLVER (1966)
En el post original metí las carátulas de "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" (1967) y "Abbey Road" (1969) dejando en el tintero el resto de las portadas de The Beatles porque buscaba una globalización y no una hegemonía de un sólo grupo.
Si se lo merecen o no es una mera opinión de cada uno, pero siendo esta la cuarta entrada que dedico al tema sería una injusticia no hablar de la imagen que presenta su séptimo álbum "Revolver" por toda la historia que tiene detrás.
El pintor y bajista alemán Klaus Voormann, amigo del grupo, fue el encargado de diseñar esta carátula repleta la de curiosidades, la primera es que al igual que en su anterior disco “Rubber Soul", no aparece el nombre de la banda ni en la portada, ni en la contraportada. El grupo era tan sumamente conocido en todo el mundo que con sólo sacar un nuevo trabajo y ponerle título, la gente se mataba por comprarlo sin necesidad de tener el distintivo de The Beatles.
El nombre del álbum, aunque parezca que se están refiriendo al arma de fuego, en realidad no es cierto, "revolving" en inglés hace alusión a las vueltas que da un vinilo en el tocadiscos para que suene la música y "los tiros" (permitidme la broma), van por ahí.
El diseño de la portada en un principio iba a ser para Robert Freeman, como los anteriores cinco discos del grupo, proponiendo una foto en blanco y negro de los integrantes en forma de collage en círculo en el que se superponían sus caras 150 veces y al dar vueltas en teoría parecían ser infinitas, pero esta vez no les terminó de convencer su idea y guardaron el trabajo para su antología.
El primer boceto de la portada según Klaus fue así: “Yo quería poner el diseño más allá de lo normal, hice un borrador en una gran hoja de papel A2, con un montón de diferentes bocetos de las pequeñas cabezas en pluma. Yo no hice una gran representación. Yo fui a verlos con ese pedazo de papel doblado en mi bolsillo y eso fue suficiente, dibuje las caras de memoria“.
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| BOCETO ORIGINAL |
A partir de este dibujo de
memoria comienza a crear su surrealista obra: los ojos de los componentes del
grupo los toma de diferentes entrevistas que les han hecho, y además añade
fotografías que han aparecido en diferentes periódicos y revistas a modo de
collage, casi todas obras de Freeman e incluso hay una instantánea de George
Harrison sacada de la contraportada de “Rubber
Soul".
Existen diferentes versiones de la portada original, generalmente con variaciones casi imperceptibles sino nos fijamos con detenimiento, salvo en la extinta Unión Soviética que, sin saber la razón tuvo una carátula con un collage diferente al orígenes.
3. LED ZEPPELIN: LED ZEPPELIN I (1969)
El 3 de mayo de 1937 el dirigible de Hindenburg se disponía a hacer el primero de los diez viajes con pasajeros entre Europa y Estados Unidos, saliendo desde Frankfurt (Alemania) al aeropuerto de Newark en New Jersey.
Herbert Morrison y su ingeniero técnico Charlie Nehlsen fueron enviados por la Cadena WLS de Chicago a cubrir la llegada del dirigible, grabando, echando fotos y retransmitiendo en vivo lo que estaba sucediendo.
A las 7:25 de la tarde cuando se disponía a aterrizar sobre la base militar de Lakehurst, empezó a arder en llamas, perdiendo el control en un accidente en el que terminaron falleciendo 13 pasajeros, 22 tripulantes de la nave y otro tripulante que se encontraba en tierra. Herbert echó fotos al inesperado acontecimiento, y tan legendaria es su instantánea del Hindenburg en llamas mientras estaba en el cielo como su narración, llegada a todos los estadounidenses por radio: "¡Explota en llamas! Explota en llamas y está cayendo, se está chocando… ¡Quítense de en medio, quítense de en medio!.¡Graba esto, Charlie [Charlie Nehlsen, el ingeniero que le acompañaba], graba esto, Charlie!. ¡Está ardiendo y se está chocando!. ¡Se está chocando, terrible!.¡Oh, mi …! ¡Quítense de en medio, por favor!. ¡Está ardiendo, explotando en llamas y está cayendo sobre el mástil de amarre, y la gente alrededor!. Oh, esto es terrible. ¡Esto es la, una de las peores catástrofes en el mundo!. ¡Oh, Jesús mío!… Oh, entre 400 y 500 pies de alto [entre 120 y 150 metros]. Es una caída terrible, señoras y señores, hay humo y está en llamas, ahora, y la estructura está cayendo al suelo, no muy lejos del mástil de amarre. ¡Oh, la humanidad, y todos los pasajeros gritando alrededor!. No puedo hablarle a la gente… no puedo, señoras y señores. Escúchenme, voy a tener que parar durante un minuto porque esto fue lo… lo peor que he visto nunca".
Los reporteros acudieron al accidente intentando ayudar a todas las personas que se encontraban en el vehículo.
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| FOTO ORIGINAL DE HERBERT MORRISON Y EN ROJO LO QUE USARON PARA LA PORTADA |
El bajista de The Who, John Entwistle, siempre ha tenido otra versión de la historia tanto del nombre del grupo como de la famosa portada: "Hace unos cuatro años empecé a estar harto de los Who, así que hablé con un tío que ahora es jefe de producción de Led Zeppelin. Estuve hablando con él en un club, en Nueva York, y le dije “Sí, estoy pensando en dejar el grupo y formar el mío. Lo voy a llamar Led Zeppelin. Y como portada del disco voy a poner el Hindeburg en llamas, ya sabes, todo este asunto...” Y unos dos meses después, empezó a trabajar con Jimmy Page, y como estaban buscando un nombre, él sugirió Led Zeppelin, a Page le gustó y salieron con la misma portada de disco que yo había planeado"
La idea casi acabó mal pues la sucesora del creador de estos dirigibles aéreos, la baronesa Eva Von Zeppelin, se negó a que la banda actuara bajo el nombre del apellido de su familia al menos en suelo danés, después de ver la portada de su primer álbum que recordaba el día más nefasto de la historia de la compañía, además de considerarles "unos monos gritones". Y así fue como el grupo en suelo danés tuvieron que actuar con el nombre de "The Nobs".
La contraportada del disco debut de la mítica banda está tomada por Chris Dreja, ex componente del grupo The Yardbirds que dejó la música para realizar carrera como fotógrafo.
4.THE WHO: TOMMY (1969)
Pete Townshend estaba obsesionado con crear un álbum conceptual basado en una ópera rock y al final lo consiguió con el cuarto trabajo del grupo el 23 de mayo de 1969: "Tommy". En "A Quick One" (1966), el segundo disco de la banda, ya había dejado retazos de ello tras una breve conversación del guitarrista con el representante del grupo ,Kit Lambert. Pete estaba hasta las narices que las canciones estándar en el rock duraran dos minutos y cincuenta segundos como máximo para poder ser emitidas por radio o televisión, mientras él quería hacer temas de más de diez minutos. Lambert por su parte le dijo que los hiciese y los condensará en dos minutos y cincuenta segundos como máximo y así nació "A Quick One, While He´s Away" seis temas que en realidad son partes de una misma canción, de alguna forma este es el preludio de lo que iba a ser Tommy, al que seguiría "Rael" en el tercer trabajo de The Who.
Townshend estaba en ese momento ensimismado con las enseñanzas de Meher Baba, un gurú indio del que saca la historia para hacer el nuevo álbum.
El padre de Tommy , el Capitán Walker deja a su mujer embarazada para partir con las Fuerzas Armadas Británicas, pero ella no vuelve a saber de él durante años y decide rehacer su vida con otro hombre que pueda mantener y hacer las veces de padre con la futura criatura. Tommy es feliz en esa familia, creyendo que la pareja de su madre es su verdadero padre, pero el Capitán Walker aparece mientras él es niño y al ver la nueva situación familiar mata a su "sustituto" haciéndole prometer al crio que nunca vio ni escucho nada lo que hace que entre en un estado catatónica en el que termina quedándose sordo, mudo y ciego, pero en su interior hay una música que le guía y que sólo puede escuchar él. Ese es el argumento de la denominada mejor ópera rock de la historia (ocupa el puesto número 96 de los 500 mejores discos de la historia para la revista Rolling Stone) que terminó convirtiéndose en película en 1975.
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| EL DISEÑO COMPLETO DE LA PORTADA EN FORMA DE TRÍPTICO |
5. JANIS JOPLIN: PEARL (1971)
La mezzosoprano de Port Arthur (Texas) nos dejaba el 4 de octubre de 1970 siendo una integrante más del selecto grupo de los 27, grandes artistas del panorama musical que morían con esa edad. La cantante visitó ese mismo día el estudio de grabación en Sunset Sound Records en Los Ángeles para escuchar la parte instrumental del "Buried Alive in the Blues" y poder dar el visto bueno para poner su voz al tema al día siguiente, cuando fue informada por teléfono que su prometido estaba jugando al billar con varias chicas en su propia casa. Ella expresó su enfado porque él no había aparecido la noche anterior, pero estaba contenta por el trabajo que se había realizado en el estudio. Por la noche junto con un miembro de su banda, el organista Kean Pearson, salió de Sunset Sound Records rumbo a un bar en el que estuvieron hasta medianoche y luego la llevó a su casa mientras que él se marchó al Landmark Hotel donde estaba alojado.
El domingo a las cuatro por la tarde Janis no asistió al estudio para cantar el tema y el productor comenzó a preocuparse, mandando a un hombre de su confianza, John Cooke, a la casa de Joplin para ver lo que había ocurrido, encontrándosela sin vida en su habitación. La causa oficial fue una sobredosis de heroína tomada bajo los efectos del alcohol, creyendo que la concentración de la misma estaba por encima de lo habitual, si bien muchos tienen dudas sobre lo que realmente ocurrió creyendo que la versión legal fue para tapar otro tipo de cosas más turbias.
Unos meses después, el 11 de enero de 1971, Columbia sacaba un álbum póstumo de la cantante recopilando sus últimas grabaciones, el único grabado junto a su grupo la Full Tilt Boogie Band, considerado el mejor de la cantante como solista y catalogado en el 2003 en la posición 122 de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.
Lo que hubiera sido su segundo álbum de estudio llevó de nombre "Pearl" (Perla) apodo con el que era conocida la cantante además de Bruja cósmica o la Dama blanca del Blues.
La portada del álbum está sacada de una sesión del prestigioso fotógrafo Barry Feinstein en Los Ángeles, donde la cantante se mostraba sentada sobre un sofá de dos asientos de estilo victoriano para el que se puso diferentes camisas y chaquetas respetando su pantalón y zapatos rojos y su tocado de plumas. En todos sus posados ese día la cantante sale con una cara de felicidad inusitada y una copa en la mano, el estudio decidió que era el mejor homenaje posible para ser recordada para la posteridad.
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| PARA EL REPORTAJE ORIGINAL, FEINSTEIN ELIGIÓ 9 FOTOGRAFÍAS DEL POSADO DE LA CANTANTE |
6. KISS: DESTROYER (1976)
El cuarto álbum de la banda fue lanzado el 15 de marzo de 1976 siendo el segundo disco consecutivo que llegaba al Top 20 en Estados Unidos. Como curiosidad es el primer trabajo donde el grupo recibe ayuda de músicos extra como la New York Philarmonic-Symphony Orchestra, o el guitarrista Dick Wagner, por aquel entonces en la banda de Alice Cooper que tuvo que sustituir a Ace Frehley en algún tema como "Sweet Pain", porque las horas de grabación coincidían con su día de póker y antepuso jugar a las cartas al trabajo.
Para la carátula Gene Simmons quiso entrevistarse con el dibujante de fantasía Ken Kelly del cual era un ferviente fan y le propuso hacer un dibujo del grupo para la portada del nuevo trabajo. El artista aceptó con la condición de verles actuar en un concierto en directo para poder inspirarse pues desconocía bastante la música del grupo más allá de su popularidad, así que fue invitado a verles entre bastidores quedándose "pasmado" con la actuación.
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| KISS BROWN, LA VERSIÓN ORIGINAL QUE FUE CENSURADA EN EL 76 |
El trabajo de Kelly gustó tanto que fue contratado de nuevo para la portada de "Love Gun" (1977), además de abrirle al dibujante un nuevo mercado laboral ya que es él quien dibujó muchas de las míticas portadas de Manowar, la portada de Raibow "Raising" (1976), o el disco en solitario de Ace Frehley "Space Invader" (2014)
Para hablar de este disco debemos ubicarnos primero en
la historia del grupo, tras la muerte de mítico cantante Bon Scott en 1980 y el
disco de despedida al mismo por parte de la banda “Back in black” con las voces de Brian Johnson que terminó siendo
un auténtico éxito, era el momento de refrendar el nuevo rumbo de la banda.
El título del álbum es una broma de Angus Young “For those about to rock (we salute you)”,
parafraseando la mítica frase de los
gladiadores del circo dirigida a Julio César “Ave, Caesar, morituri te
salutant” (Ave César, los que van a morir te saludan) que el guitarrista
convirtió en “Los que van a rockear, te
saludan”.
La portada en realidad era sencilla, un dibujo de un
cañón en negro acompañado con el logotipo de la banda y el nombre del trabajo
del mismo color en contraposición con un fondo dorado que hacía que la imagen
destacase mucho más.
La historia del grupo con los cañones data de la boda
entre el Príncipe Carlos de Inglaterra y Lady Di, Angus la vio en directo por
la televisión y se quedó pasmado por el sonido de los cañones al dispararse en
modo de celebración y no dudó en querer incluirlos en los conciertos: “Quería algo fuerte. Algo masculino y
rocanrol. Qué algo más masculino que los cañones. Se cargan, se disparan y eso
destruye”.
Por otro lado, Bob
Defrin fue el encargado de diseñar las portadas del grupo durante muchos
años: "Si tenía
un concepto que quería usar, llamaba a Malcolm o a Angus y se lo describía. Siempre estuvieron involucrados
en las portadas, pero no estaban todo el rato encima de mí diciéndome lo que
tenía que hacer. No te dabas cuenta de que estabas hablando con algunos de los
artistas más grandes del mundo. Era maravilloso trabajar con ellos, me
encantaba hacer portadas para AC/DC". Sin embargo a comienzos
de los 80 tuvo sus más y sus menos con los hermanos Young puesto que Back in
Black tuvo una portada negra al estar de luto y en ésta querían que saliese
únicamente un cañón: "Yo habría hecho algo distinto... pero lo que hace el
director de arte siempre es único. Estás empaquetando el talento de alguien,
así que no puedes dejar que tu ego se cuele por en medio. De todas formas
siempre está el miedo que una buena portada no va a ayudar a que un disco sea
mejor, pero una mala puede matarlo”.
Lo curioso del caso es que la portada se hizo sumamente famosa por un error de imprenta en España, haciendo que los colores de la misma quedaran invertidos, fondo negro en el que resalta un cañón dorado y las letras del logotipo y el título en dorado. El típico error que puede costar el puesto a un trabajador, terminó siendo uno de los mayores coleccionables de los discos de música, matándose a nivel mundial por conseguir esa primera edición salida en España, siendo hoy en día un disco codiciado entre coleccionistas, mientras que muchos otros compradores de la época lo tendrán en sus casas sin saber la joya que tienen entre sus manos.
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| LA PORTADA ESPAÑOLA QUE SE HA CONVERTIDO EN EDICIÓN COLECCIONISTA |
El álbum terminó vendiendo siete millones de discos en todo el mundo, cuatro de ellos en Estados Unidos, convirtiéndose en uno de los trabajos más vendidos del grupo, que la primera entrega llevase uno llavero del cañón como regalo y que la original en nuestro país cambiase los colores ayudaron en parte a que se registrasen esas cifras, si bien es un discazo de por sí.
En diciembre de 1985 con motivo de su noveno año dentro
de la industria de la música iniciada con el álbum “Portfolio” (1977), la polifacética modelo jamaicano-estadounidense
decidió que era momento de sacar un recopilatorio con los mejores éxitos de sus
trabajos bajo el sello de Island Records.
Grace siempre tuvo claro que su rompedora imagen, color
ébano con una altura de casi dos metros y unas facciones en el rostro andróginas
que hacían dudar a la gente sobre su sexualidad, no ayudadas en demasía por sus
imposibles cortes de pelo, era su manera de ganar dinero en cualquier sector que
se preciara y no dudaba a la hora de sacarla partido llevándola hasta los extremos
de la provocación en todos los sentidos de la palabra.
Como todo lo que tocaba en esa época, cine, modelaje, merchandising
de su imagen…, el disco se convirtió en un éxito de ventas, quedando muchos prendados
de la foto de la portada, donde Grace posaba con un minúsculo top y una pose imposible
para que nadie viese sus órganos femeninos al descubierto más allá de unas increíbles
posaderas.
El autor de la foto fue el francés Jean-Paul Goude, famoso muchos años después
por la instantánea viral de Kim Kardashian echándose champán sobre su gran trasero
operado (si, es la segunda frase seguida que termino hablando de nalgas femeninas,
pero es que el autor basa su obra en este tipo de aspectos).
Aunque todos los que habíamos visto alguna vez la caratula
de “Island Life”, nos hemos preguntado
sobre la capacidad elástica de Jones, siento deciros que la fotografía tiene truco
y que el autor tiende hacer collages a partir de muchas fotografías para crear esa
esencia tipo comic que tanto llama la atención.
No sabemos la flexibilidad de la cantante en aquel tiempo,
pero sin duda no podía hacer esa pose que nos dejó tan desconcertados sino, no hubiera
pasado esto:
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| OS ACABO DE FASTIDIAR UN MITO... ¿A QUÉ SI? |
Meses antes esta extraña pareja a la que le gustaba llamar
la atención en su trabajo habían hecho la portada del séptimo disco de la cantante “Slave to the Rythm”, donde la cabeza de
Jones se alargaba hasta límites insospechados:
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| "SLAVE TO THE RYTHM" PRIMER TRABAJO GOUDE-JONES |
9. PRIMAL SCREAM: SCREAMADELICA (1991)
O como un grupo de rock se atrevió a fusionar su música con el “acid
house”.
En 1988 el productor Alan McGee
volvía de un viaje de Ibiza loco por la nueva música que había invadido la
isla y se lo hizo saber a varios de sus colegas músicos, entre ellos Bobby
Gillespie: "Recuerdo que estaba bastante fascinado,
pero no veía qué podía conseguir de eso". Pese a la negativa inicial, la banda pronto se sintió
fascinada por esa nueva música y empezaron a incorporarla en los ensayos, tanto
que su tercer disco Screamadelica mezclaba ambos géneros lo que supuso que les
colocaran dos etiquetas: la de adelantados a su tiempo y la de habérseles ido
la olla por completo.
Para el nuevo disco incorporaron al DJ Andrew Weatherall, que curiosamente consiguió entender lo que sus
nuevos compañeros querían creando un disco disparatado y según las críticas de
la época maravilloso.
Para la portada el diseñador de cabecera de la discográfica Creation, Paul
Cannell, creó lo que para él era un
smiley impresionista, mientras para el resto del mundo es un sol con ojos
pintado y coloreado por un niño de cuatro años. La verdad es que algo de eso
tiene, pues Cannell se obsesión en su momento con infantilizar sus obras al
dibujarlas con la derecha, cuando era zurdo cerrado y a la vista del espectador
se pensaba que detrás de ellas estaba un preescolar o un demente de
psiquiátrico pasado de vueltas. No sabemos que se le pasaba por la cabeza al
diseñador, pero terminó suicidándose en el 2005 cuando todas esas pequeñas
discográficas para las que trabajaba terminaron desapareciendo.
Mientras que el guitarrista de la banda
Andrew Innes calificaba la portada del nuevo álbum con la siguiente frese: “Parecía que el sol se hubiera tomado una
pastilla”, la discográfica estaba encantada con el trabajo incluso bastantes
años después: “El artista había entendido perfectamente como el grupo se había adueñado
de treinta años de música rock para lanzarla al futuro. Aquella ilustración ha acabado
por revelarse tan icónica y contemporánea hoy en día como lo fue entonces”. Ya saben, el arte está en los ojos de quien lo mire...
10. SPIRITUALIZED: LADIES AND
GENTLEMEN WE ARE FLOATING IN SPACE (1997)
Al buscar información sobre el disco me he quedado atónito con la historia que tiene detrás este trabajo. Spiritualized es una banda que combina la música psicodélica con el blues y el indie formada por miembros de tres antiguas bandas muy diferentes. Ellos llaman a su estilo de música Space Rock teniendo casi en exclusiva esa etiqueta musical.
En sus inicios llamaron la atención de Richard Aschcroft, cantante de
The Verve, y ambas bandas estuvieron girando juntas durante años.
El líder y cantante del grupo Jason Pierce se enamoró en los inicios de
la banda de una chica llamada Kate Ridley que no dudó en incorporar al grupo
para tocar los teclados y hacer coros con algunas filigranas extraídas del
instrumento. Así estuvieron durante dos álbumes y un lustro, donde el
vocalista, aficionado al consumo de la heroína termino dejando las drogas a un
lado para centrarse en su chica, inclusive dedicándole temas del grupo.
La historia idílica de Pierce da un giro radical cuando Aschcroft,
siendo hasta ese momento uno de sus mejores amigos termina casándose con Ridley
y ésta encima se niega a dejar la banda pese a que su líder sigue enamorado de ella.
En este punto es donde el grupo se pone a trabajar en su tercer álbum: “Ladies and gentlemen we are floating in space”
con Jason enganchado de nuevo a la heroína para superar la depresión y encontrando
sus mejores temas musicales, lejos de los dos primeros discos que no ayudaron a
dar el salto que le correspondía a la fama.
A Pierce se le fue tanto la olla en este trabajo que invirtió parte de sus
futuros derechos de autor en una edición limitada del disco con un formato muy particular
que no se quedaba únicamente en la portada.
Contrató a una empresa farmacéutica de Portsmouth para empaquetarlo como si se tratase
de una caja de pastillas: cada uno de los doce temas fue grabado en un disco
compacto de tres pulgadas y posteriormente introducido en dos blísteres, como
si se tratasen de píldoras, la portada hacía las veces de caja del fármaco que incluía
su propio prospecto con su principio activo, los consejos para su uso correcto
y los posibles efectos secundarios.
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| SIN DUDA UNA EDICIÓN DE COLECCIONISTA IRREPETIBLE |
La idea de Pierce fue llevada a cabo por Mark Farrow que llevó al extremo
la idea de que la música cura: “Querían transmitir que un disco puede alterar
la mente, hacer que te olvides de los problemas de la vida cotidiana y ayudarte
a salir adelante, en contrapunto con la vida que en ese mismo momento llevaba el
vocalista que consumía bastantes drogas y el álbum era puro fetichismo
narcótico”.
No sabemos si la intención de Jason era la de terminar de autodestruirse
en todos los sentidos, incluido el económico, pero la jugada le salió bien y la
edición especial fue un éxito de ventas, lo mismo que el disco que contiene hasta
el día de hoy los mejores temas del grupo siendo el que más dinero les reportó.
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