7 PELÍCULAS INSPIRADAS EN CUADROS

No, el título no hace referencia a que en estos films se haya recreado una obra pictórica, más bien a que a la trama le faltaría algo icónico o algo tan básico que dejaría de ser como la conocimos.

A veces los cuadros dieron vida a personajes, otras a lugares e incluso a encontrar sentido al argumento, y ese es el fin que me ha llevado  a la creación de la entrada.

Del tema de representación de cuadros en un momento concreto dentro de la película hay cientos de casos que se pueden interpretar como un guiño a esas obras en un momento concreto y que no siempre el espectador es capaz de darse cuenta del mismo porque puede que no conozca dicho cuadro o que quedé tan sutilmente representado que nuestro subconsciente no se capaz de sentirse activado.

No buscaba un homenaje del film a una obra de arte, sino algo con mucho más peso, y me imaginé por lo que da origen a esta entrada que encontraría muchas más con cierto peso argumentario de tipo pictórico en el séptimo arte de lo que al final ha sido.

Todo comienza en una relación tan absurda como la de un Papa y un extraterrestre terrorífico y pensé que los guionistas de películas podían haber explotado las sensaciones que les provocan ciertos cuadros como parte originaria de su siguiente trama cinematográfica, un filón en mi cabeza que a grosso modo no se ha llegado aprovechar debidamente, o quizás no vean en ello una salida.

METRÓPOLIS (1927) 

El argumento de Metrópolis de Fritz Lang se centra en una ciudad futurista donde la clase intelectual tiene el poder frente a la masa obrera, a los que hacen trabajar y se les tiene prohibido salir de los límites de la misma.

El pueblo vive en las zonas terrenales mientras que los intelectuales viven en lo más alto de los edificios desde donde controlan a la plebe. La cosa se enreda con la figura de una mujer llamada María a la que los intelectuales temen porque creen que es la llave para que la masa de la población se subleven y acaben con su supremacía.

María no hace nada ilegal y su forma de rebelarse es pasiva, por tanto no puede ser castigada o apresada por saltarse las normas y la clase alta recurre a un robot metamorfo (puede transformarse en cualquier persona) que simule ser la protagonista y arengue de forma ilegal a los suyos para poder atrapar de este modo a la verdadera antes que el pueblo entienda que ella es el camino a seguir para acabar con este sistema.

En una película de cine en blanco y negro muda, la imagen es el mayor reclamo para entender el argumento y llenar de sensaciones al espectador. En este caso Metrópolis debía figurar como un protagonista más pues es el lugar donde se centra toda la trama.

El director austriaco Fritz Lang recurrió a tres grandes escenógrafos de la época para que a partir de dibujos dieran vida y realismo a esta megalópolis futurista para que no dejase indiferente a nadie.

Una de las directrices más difíciles de llevar a cabo fue reflejar la propia ciudad futurista como "un lugar donde la opresión y la explotación camparan a sus anchas".

Erich Kettelhut, uno de los tres diseñadores encargados de darle vida, tomó esta idea de la biblia, acordándose de la Torre de Babilonia una edificación donde los humanos buscaron llegar a las nubes para poder hablar con los dioses. Dios no permitió que tal desprecio se llevase a cabo e hizo que la gente del pueblo empezase a hablar diferentes lenguas, de modo que no se entendían y que la construcción fuera primer o una aberración y finalmente algo inacabado.

Kettelhut recordó entonces a uno de los más importantes pintores de la historia neerlandesa, Pieter Bruegel "El viejo" (1525-1569), fundador de la dinastía Bruegel y perteneciente al ducado de Bravante,  que representó ese pasaje de la biblia en su lienzo "La torre de Babel" de 1563.
 

RETRATO DE PIETER BRUEGEL "EL VIEJO" Y EL ESCENÓGRAFO ERICH KETTELHUT

En dicho cuadro Pieter quiso representar el caos y la desmesura empleada en la torre. El uso de arcos evoca al coliseo romano y con ello todo lo malo que ocurría dentro de aquel edificio, que para los romanos significaría juego y diversión pero en verdad era un lugar de muerte y destrucción.

Otro detalle curioso es que a simple vista la torre parece hecha a partir de círculos concéntricos siendo el más grande el de la base y empequeñeciendo en cada altura siendo el menor el de la cúspide.

Esto es un efecto óptico pues estos círculos no son paralelos  parecen mucho más un efecto espiral que un edificio de círculos en paralelo, dando esa sensación de lo que parece perfecto a primera vista, es un auténtico sinsentido si prestamos atención a los detalles.

Kettelhut se inspiró en este cuadro para hacer la pirámide/rascacielos que emergía del epicentro de la ciudad y que además de destacar, ponía en manifiesto la división entre las dos clases de Metrópolis.

PSICOSIS (1960)

El pintor neoyorquino Edward Hopper basa sus obras más reconocidas en imágenes urbanas y rurales que transmiten silencio, lejanía o soledad que a mucho de su público, no sabemos de forma subliminal o directa recibe como incomodidad o malas vibraciones, al no conseguir empatizar sus sensaciones con lo que ven sus ojos.

Voy a poner como ejemplo dos de sus obras más famosas, por un lado tenemos "Nighthawks" (Noctámbulos, 1933), en la cual se puede ver la esquina de un bar abierto en una noche cerrada donde las personas evocan una frialdad absoluta a la hora de interactuar, por su ropa, la distancia que hay entre ellos, o la austeridad de detalles del propio local. Este cuadro ha sido representado en el cine en varias películas, como "Scarface, el terror del hampa" (1932) o el "Hampa dorada", lo que nos hace pensar que el cuadro les evoca a los gangsters de los años 30 o el drama musical "Dinero caído del cielo" (1981).
 

NIGHTHAWKS (NOCTÁMBULOS)

 Un paso más allá fue el de Ridley Scott, del cual hablaremos más adelante, que pidió explícitamente a sus escenógrafos que el ambiente de "Blade Runner" (1982) que algunos llamaron "futuro noir", se inspirara justamente en las sensaciones que pudiera transmitir la obra de Hopper.

Por el otro lado tenemos "House by the railroad" (La casa por los raíles de tren, 1925), en donde se puede ver una mansión de estilo victoriano de color blanco y techado oscuro en la que el artista intentó plasmar la fealdad y la crudeza de la realidad de la sociedad estadounidense. Evoca a un paisaje antiguo por donde ya no creemos que pase ningún tren o, si l hiciera, fuera de muy vez en cuando y no de forma continuada. Si eso pensamos de las vías del tren, el estilo de la casa parece muy antiguo, dándonos esa percepción de estar deshabitada y en estado de putrefacción o abandono de décadas en su interior. Muy poca gente a primera vista desearía vivir en una localización así.

Alfred Hitchcock se inspiró en esta segunda obra pare crear el Bates Motel de Psicosis, que curiosamente es una mansión victoriana que recuerda a la del cuadro situada encima de las vías de una estación de tren. El director fue más allá y en lo que otros vimos un lugar abandonado donde no nos gustaría vivir, Alfred vio el local perfecto para hacer una película de terror cuyo dueño era uno de los peores psicópatas de la historia del cine.
 

EL PINTOR EDWARD HOOPER Y EL DIRECTOR ALFRED HITCHCOCK

Cualquiera que haya visto el film original de Hitchcock, no se olvidará con lo que le ocurre a la protagonista a mitad del mismo, algo inimaginable hasta entonces en el cine, y el mal rollo que producía el motel donde se desarrollaba gran parte de la trama. Sólo un tipo como Norman Bates y "su madre" podían no sólo vivir allí, sino crear un negocio del mismo.

El Motel Bates aún está intacto en Universal Studios, y se ha convertido en una atracción del mismo.

ALIEN (1979)

El guionista Dan O'Bannon, especializado en las películas de terror y ciencia ficción, se unió al proyecto de Alejandro Jodorowsky para la adaptación de la novela "Dune", junto a otros especialistas en sus campos como el ilustrador H.R. Giger, cuya obra está basada en el elemento biotecnológicos y criaturas espaciales. La cosa no se llevó a cabo al no contar con el presupuesto necesario y su llegada el cine se pospuso hasta 1984 siendo el director David Lynch.

O'Bannon se centro en un guión terrorífico ambientado en el espacio, cosa que hasta entonces no había sucedido y tuvo fe en un director novel, Ridley Scott para llevar a cabo su film, ya que a él se le ocurrirían muchas ideas más para crear a través de las palabras de Dan el ambiente necesario y una trama fundamentada en "hacer una Matanza de Texas en el espacio". Para ayudarle más le puso en contacto con H.R. Giger, creyendo que podía crear todos los escenarios posibles que necesitará Scott.

El director también había hecho un guiño al arte en su ópera prima "Los duelistas" (1977) donde representó el cuadro de Napoleón Bonaparte meditando en la isla de Santa Elena de Robert Haydon (1876) y ya hemos visto que se inspiró en otro cuadro para el ambiente de "Blade Runner".
 

EL LIENZO PRESENTADO EN "LOS DUELISTAS"

Ridley y Giger enseguida conectaron, y el director vio en una de sus obras titulada "Necronomon IV" (1976) a su Alien. Un cráneo sumamente alargado,  unos ojos de insecto y una boca carente de labios o carne que la oculte parcialmente.  Uno brazos humanos, un cuerpo en el que se nota todo el costillar y del que nacen mangueras en la espalda, todo acabado en una larga cola que no sabemos si forma parte del monstruo o en definitiva es su aparato reproductor, pues la obra de Giger está cargada de sexualidad.

Los principales rasgos daban miedo, pero Scott le pidió algunos cambios para incrementarlo, lo primero fue hacer desaparecer los ojos, ya que el director pensó que una criatura sin ellos produciría mayor terror al público y lo segundo hacer que la boca de por si fuera menos humana y más típica de un depredador justo antes de morder a sus víctimas.

En este retoque facial H.R. Giger se fijó en otra obra de arte que poco o nada tiene que ver con el monstruo espacial o cualquier otro animal: "Estudio del Papa Inocencio X" de Francis Bacon (1953), una performance del cuadro original de Velázquez cuya obra dicen los expertos que denota "frío, horror y el silencio del universo".
 

FRANCIS BACON Y UNA FOTO DE H.R. GIGER CON RIDLEY SCOTT EN ALIEN

Detalles a priori del elegido por muchos el alienígena mas terrorífico del universo de la ciencia ficción, mucho más que un Predator invisible  o que se quita la máscara para mostrar su cara.

El binomio entre el monstruo y la piloto Ellen Ripley interpretada por Sigourney Weaver, sustentaron una saga icónica en el cine y la culpa fue toda de dos cuadros.

EL QUINTO ELEMENTO  (1997)

En este caso la culpa no tiene que ver directamente con el director del film Luc Besson, sino con el estilista que contrató para hacer los diseños de los trajes futuristas que a aparecen en él, el afamado diseñador de moda Jean Paul Gaultier.

Le enfant terrible, el rebelde de la moda francesa, nunca ha ocultado la admiración por la vida y obra de la pintora mexicana Frida Kahlo e incluso un año después de la película que nos atañe organizó para la "Paris fashion week" un desfile de modelos inspirados en dicha artista, la colección ready-to-wear, que reflejaba una unión simbólica entre la cultura pop noventera y la cultura clásica mexicana.

Gaultier también participó años más tarde en un altar/ofrenda de muertos haciendo una performance del muralista Diego Rivera (esposo de Frida) en honor a Kahlo que se expone en el museo Anahuacalli. El modisto declaró en la inauguración: "me apasioné por la obra de Kahlo, tan perturbadora y, a la vez, llena de vitalidad".

Y así funcionan los artistas, Luc Besson, uno de los grandes directores franceses de acción, le pide a uno de los más prestigiosos e irreverentes diseñadores de ropa que cree prendas de vestir para un futuro distópico del siglo XXIII y Gaultier que en ese momento está ensimismado en la pintora azteca, decide que la protagonista del film Leeloo interpretada por Milla Jovovich, salga con un modelito icónico en la historia del cine que está inspirado en la obra "La columna rota" (1944), acordándonos de esa vestimenta al pensar en el film, pese a haber 953 trajes más que llevan su firma y que tardó casi siete años en confeccionar.

LA ARTISTA FRIDA KAHLO Y EL DISEÑADOR JEAN PAUL GAULTIER

La obra de Frida fue pintada después de ser operada de las antiguas lesiones de columna vertebral sufridas en un accidente de 1925 y por las cuales era habitual verla llevar un corsé de acero. En el cuadro se ve un autorretrato de la artista que representa su columna vertebral y el corsé ortopédico rodeando su cuerpo. También se observan bastantes clavos en su rostro y lágrimas saliendo de sus ojos, que representan el dolor que le podía causar una lesión de este tipo y las consecuencias de un accidente que le dejó secuelas de por vida.

Sí, nos podemos acordar de la camiseta sin mangas naranjas de Bruce Willis o algunos de los modelitos de mujer que porta Chris Tucker, aunque yo recuerdo mucho más sus pelucas..., pero el recuerdo imborrable de esta película está en el modelo inicial de Jovovich y la interpretación de "Il dolce suono" versión libre de la obra de "Lucia di Lammermoor" de Gaetano Donizetti. Me cuesta recordar hasta el argumento y el final de la película pese haberla visto un par de veces, pero esos dos detalles permanecen en mi memoria.

EL LABERINTO DEL FAUNO (2006)

La película une los dos mundos de una niña que se encuentra atrapada en la Guerra Civil Española. Mientras en el mundo real su vida es auténticamente deprimente, se escuda en un mundo imaginario en el que debe superar una serie de pruebas para ser digna. En este mundo existen las hadas y los monstruos del bosque y es conducida a lo largo de él por un fauno que le va explicando lo que debe hacer en todo momento.

Una de las misiones que debe completar Ofelia en su mundo imaginario es adentrarse en la cueva del Hombre pálido y robarle una daga. Esta criatura maligna tiene sus ojos en la palma de la mano en vez de la cara y por tanto, si quiere ver debe poner sus manos en donde las personas tenemos los ojos y si no lo hace, sus manos quedan libres de dejarlos donde quieran, pero el personaje se vuelve ciego y debe recurrir a otros sentidos para percatarse de lo que está sucediendo.

Para que el monstruo diera más miedo a Guillermo del Toro, director de la película no se le ocurrió otra cosa que el hombre pálido se alimentara de las adorables hadas que acompañan a la protagonista, viendo como una de ellas es vorazmente engullida por el Hombre pálido que de un sólo mordisco le arranca la cabeza. Esta escena recuerda mucho a la etapa oscura de Francisco de Goya (1746-1828) concretamente a uno de sus cuadros más demoledores: "Saturno devorando a su hijo" que fue dibujado entre 1819 y 1823.
 

EL PINTOR FRANCISCO DE GOYA Y EL DIRECTOR GUILLERMO DEL TORO

En este lienzo elude a la mitología griega donde el dios Cronos, tras ser avisado por Gea que sería derrocado por uno de sus hijos en el futuro, los devoraba según nacían para asegurarse que ningún descendiente suyo cumpliría la profecía.

Sin embargo, las pinturas negras de Goya van más allá, reflejando el estado de ánimo del pintor en esa época que el psicólogo Sigmund Freud catalogó de melancolía y destrucción y lo compara con otra obra de este tiempo del autor con referencias bíblicas en este caso "Judit matando a Holofernes" en la que se muestra la cabeza decapitada del segundo, pes era la mutilación y la crudeza lo que realmente Goya quería reflejar en esta etapa, más allá de interpretar momentos religiosos de diferentes culturas y tiempo.

Para completar el círculo entre el pintor y la película consiguió hacerse con 7 premios Goya, además de ser nominada a 6 Óscars de los cuales ganó 3, "Mejor fotografía", "Mejor dirección artística" y "Mejor maquillaje".

AVATAR (2009)

Como ocurre en Metrópolis en el primer ejemplo, hay otras películas donde la localización es un personaje más dentro de la trama y dudo que nadie que haya visto Avatar no quedase prendado del planeta Pandora, tanto de su flora como de su fauna.

Y es que el film de James Cameron es una alegoría fascinante, un cuento contemporáneo con una moraleja directa, cuidemos más el planeta porque sólo vivimos para destruirlo, más si cabe si esto nos proporciona dinero. Pandora es eso, un planeta virgen para el hombre, bien cuidado, un paraíso donde todas las especies se comunican y tienen su lugar. Ahora bien cuando el hombre descubre que el planeta es rico en un mineral que podría dar muchísimo dinero, poco duran en pensar en sus pacíficos habitantes y en todo en el que él habita, si tienen que acabar con el planeta llevándose todo por delante, que así sea.

Esa misma lección parece ser que no la tuvo en cuenta el propio Cameron al negarle créditos en la película a William Roger Dean, diseñador, arquitecto, publicista, inventor e ilustrador británico famoso por hacer muchas portada de grupos de rock progresivo y psicodélico de los años 70, en especial las del grupo "Yes" y también de videojuegos.

Una de las características de la obra pictórica de Dean son sus "Islas flotantes", sacadas del tercero de los viajes de Gulliver que acaba recluido en un castillo que flota en el aire, pero no sólo eso aparece en Pandora, los Ikran, esa especie de dragones domesticados por los Na'vi, aparecen en las obras de Dean y la vegetación, ciertos animales y escenarios recuerdan mucho a su obra. de hecho el propio Roger dice sin tapujos que 14 de sus obras están incluidas de alguna manera en el film.
 

EL ILUSTRADOR ROGER DEAN ACABÓ DEMANDANDO A JAMES CAMERON

Avatar tuvo dos juicios por plagio, ambos referidos al planeta Pandora, el primero de la película de animación Delgo (2008) en la que hay varias escenas que si las comparamos con las del largometraje son casi calcadas y otro el de Dean por lo que hemos comentado con anterioridad.

Curiosamente de ambas James Cameron y su película salieron indemnes y no tuvieron que pagarles a los denunciantes. En el caso que nos concierne en este post, el juez del tribunal del distrito de EE.UU. Jesse M. Furman desestimó la demanda del pintor alegando que "las reivindicaciones de Dean “equivocadas”, señalando que como evidencia, el artista incluyó imágenes de “libros sobre o derivados de Avatar” en lugar de la película, además de variar sus obras originales para que se pareciesen más a imágenes del film".

INCEPTION (2010)

"Siempre me ha encantado el trabajo de M.C. Escher porque algunas de sus impresiones hacen un maravilloso trabajo que expresa la paradoja y el infinito que quería probar y mirar el concepto de los pasos del Penrose. Hay una escalera infinita y pensaba cómo podría construirlo en el mundo real... ¿hay algún momento equivalente en el mundo real...? Y lo que encontramos a través de una gran cantidad de modelos de construcción, al igual que la construcción física, es que hay diferentes maneras de lograr esa ilusión, pero todas son engañosas. Obviamente es algo que no podemos encontrar en el mundo real, así que ideé una secuencia por la cual al presentarla desde un ángulo, el ángulo de la óptica donde la ilusión funciona, parece real".

Esas son las palabras de Christopher Nolan director de Inception (Origen) sobre uno de los trucos imposibles que nos muestra su película, y es que de un modo u otro, siempre le gusta mostrarnos retos en sus proyectos, desde "Memento" basado en un pequeño escrito de su hermano Jonathan y que lleva implícita en la trama una espectacular fórmula matemática que nos trastorna el cerebro., el paradigma de "Insomnia" donde el malo ve como un error fatal del bueno le termina condenando y pese a querer taparlo se ve sobornado, cebando la duda de que es real y que no, pasando por la guerra entre dos magos en "The prestige" (El truco final) llevada hasta el extremo para ser el mejor y metiendo a Tesla por medio, la locura irreal de "Inception" (Origen) abordada desde la escalera de Penrose, la busqueda científica de cómo se vería en realidad un agujero de gusano en "Interstellar" (Interestelar) o su visión bélica en Dunquerque. Siempre tiene un punto de partida extremadamente extraño que le da vueltas en la cabeza y desde el cual termina creando la película o integrándolo en la misma.

El artista neerlandés Maurits Cornelis Escher (1898-1972) basó su obra en figuras imposibles y mundos imaginarios creando entre ellos el paradigma de la escalera Penrose en su obra "Escaleras arriba, escaleras abajo" (1960), una escalera infinita que en realidad no existe, simplemente que dibujada desde la perspectiva y el ángulo concreto te hacen percibir que está perfectamente ensamblada y quien esté en sus peldaños, subirá o bajará infinitamente.
 

EL ARTISTA MAURITS CORNELIS ESCHER Y CHRISTOPHER NOLAN

Esta escalera recibe el apellido de una familia matemática que a mediados del siglo XX explicó el porqué es imposible que exista en la vida real y el truco de la perspectiva.

A LA IZQUIERDA COMO SE VE EN LA PELÍCULA Y A LA DERECHA COMO ES EN REALIDAD

Pero la obra de Escher no se quedó sólo en una escalera infinita, le gustaba jugar con imágenes de edificios tridimensionales en los que jugaba con las paradojas de espacio tiempo y el origen de Nolan nos va recorriendo en su trama a través de este mundo de una forma mucho más realista que David Bowie en los años 80 en "Dentro del laberinto" y sin quedarnos muy claro con un movimiento de peonza final si lo que vimos era real en la trama o como la obra de Escher otra ilusión...