LAS MEJORES BANDAS SONORAS ORIGINALES DE LA HISTORIA DEL CINE

Esta semana me ha dado por resolver una pregunta que llevo haciéndome años, ¿si hiciésemos una lista con las 10 B.S.O. del cine cuáles estarían?. Es un tema muy difuso y complicado porque en otro tipo de listas musicales hay cierto consenso con las obras que pudieran entrar quedando algunas en diferentes posiciones y otras que pueden variar según quien las haga quedando dentro o fuera de esa lista.

Pero si a ti, estimad@ lector/a te pidiese que eligieras las mejores y a cualquier cinéfilo cercano le hicieses la misma pregunta, puede que incluso no coincidiera ninguno de los nombres y resultados.

Es algo tan subjetivo que me he propuesto repetir la fórmula que hice para encontrar LOS MEJORES SOLOS DE GUITARRA DE LA HISTORIA o LAS CANCIONES QUE MÁS FELICIDAD PRODUCEN.

Un nuevo método a base de la formula patentada y tras coger las listas más significativas sobre este tema que he encontrado por la red, para sacar al menos ese Top 10 en España según los críticos de cine - expertos musicales: Dod Magazin, Filmaffinity Spain, Espinof, Zinema y de Cine 21 son las elegidas para la coctelera que hemos batido a conciencia y de cuyo combinado os vamos a hacer partícipes a continuación.

10) CIUDADANO KANE Y TIBURÓN. MEDIA: 9

CIUDADANO KANE (1941)

Para muchos críticos de cine una de las mejores películas de la historia. Orson Welles sobresale en ambas faceta, la de dirección y la del papel protagonista, pero la película triunfó por muchas más piezas de puzzle que encajaban a la perfección: el guión de Herman Mankiewicz, el trabajo de Gregg Toland en la fotografía, el minucioso montaje de Robert Wise, la dirección artística de Perry Ferguson y la música de Bernard Herrmann.

Sin cualquiera de esas piezas ensambladas la película se hubiera desinflado bastante, pero su Banda Sonora era algo distintivo que engrandecía de por si el film. Fue la primera vez que el compositor neoyorquino se encargaba de la música en una película.

Tampoco lo tuvo nada fácil porque dispuso de doce semanas para crear la música, orquestarla y hacer encajara de forma perfecta en las imágenes del film, o así se lo pareció a él: "Tuve la sensación de que el filme se edificaba y de que mi música formaba parte de esa edificación". Orson Welles también se apoyó mucho en su trabajo y algunas de sus piezas le servían para imaginarse nuevas escenas de la película creando una simbiosis entre la música y la historia.

Los temas son muy melódicos con toques enigmáticos, sutiles o contundentes según fuesen requeridos en las escenas. Fue candidato a los Oscar como mejor B.S.O, pero Herrmann se lo quitó a sí mismo con su trabajo en "El Diablo y Daniel Webster o todo lo que el dinero puede comprar". No podía ser de otra forma porque en ese año sus obras cambiaron la historia de la música en el cine y si no, que se lo pregunten al director François Truffaut: "Antes de Kane, nadie en Hollywood sabía cómo poner música adecuadamente en las películas. Kane fue la primera, de hecho la única, gran película que usa las técnicas radiofónicas. Detrás de cada escena hay una reverberación que le da su color: la lluvia en las ventanas del cabaret El Rancho cuando el investigador visita a la cantante arruinada que solo puede trabajar en Atlantic City; el eco del mármol en la biblioteca Thatcher; las voces que se solapan cuando hay varios personajes. Muchos cineastas saben lo suficiente para seguir el consejo de Auguste Renoir de llenar los ojos con imágenes a toda costa, pero solo Orson Welles entendió que la banda sonora tenía que llenar los oídos de la misma forma".


TIBURÓN (1975)

Ahora toca hablar de uno de los pupilos de Herrmann y considerado por muchos el mejor compositor de bandas sonoras del cine, si, tenía que aparecer en la lista el que compuso los temas de todas las sagas de Star Wars, Superman, Harry Potter, Indiana Jones o Jurassic Park: John Williams, no será la última vez...

A principios de los 70 un joven Spielberg a punto de rodar su ópera prima "The sugarland express" (1974) se presentó al compositor con intenciones de contratarle, haciendo buenas migas con él y poniéndole después en contacto con su gran amigo George Lucas. Y si ya era historia del cine antes de conocerlos, habiendo ganado un Óscar por "El violinista en el tejado" en 1971, juntarse a ese par de directores le hizo ser el compositor más famoso pues su música aparecía en las pelis más recordadas de los setenta/ochenta.

Pero centrémonos en su segunda película juntos, Spielberg quería hacer una película de miedo basada en una novela de Peter Benchley donde un tiburón de dimensiones desproporcionadas metía miedo a los ciudadanos de Amity Island. Steven le encargó a Williams una banda sonora llena de tensión, de tal forma que antes de que sucediese cualquier escena de acción, los espectadores ya podían sentir el miedo a través de la música que estaban escuchando, un cliché que aparece desde entonces en todas las películas de terror como norma obligatoria.

Williams tenía la idea muy clara de cómo hacer las composiciones: "La música comienza de manera lenta y siniestra para marcarnos el despertar de los instintos de la bestia, y el tempo se acelera a medida que la criatura decide cargar hacia su presa".

De esta forma y con un tema principal que todos tenemos grabado a fuego en nuestro cerebro, el director de la B.S.O de Tiburón recogía la segunda de las cinco estatuillas de oro de los Oscars un año después.


9) PSICOSIS (1960). MEDIA: 9

Esta vez el pupilo no superó al maestro, nos volvemos a topar con Bernard Herrmann, y en el film en el que Williams se inspiró para hacer la banda sonora de Tiburón.

La relación de John con el dueto Spielberg/Lucas es comparable con la unión de Bernard con Hitchcock, es difícil recordar los mejores momentos de tensión en las películas del afamado director sin que estuviesen aderezadas con melodías compuestas por Herrmann, aunque todo acabaría en 1966 cuando hubo un desencuentro en el film de "La cortina rasgada". El director eligió otro tema distinto para una escena que el creado por el compositor, quebrando así esa libertad absoluta a la hora de escribir partituras a sabiendas que Alfred tenía fe ciega en lo que hiciese... y después de tantos éxitos juntos, todo se fue al garete por aquella decisión, siendo John Addison el que terminó firmando la B.S.O.

Seis años antes de ese incidente, la relación entre ambos alcanzó el punto culmen con Psicosis, siendo alabados por crear sendas obras maestras unidas en una sola. Herrmann se la jugó mucho, dejó de pensar en una música que agradase los oídos del espectador, buscaba algo inquietante, que causase mal rollo, a sabiendas que su trabajo sería examinado con lupa y podía darle muchos quebraderos de cabeza, explicar esas tomas de decisiones, pero a la crítica y a los espectadores les encantó, de nuevo daba en el clavo, como siempre, pero le costó la nominación a los Óscar, todo por el bien común del film.

Considerada como la banda sonora más terrorífica de la historia del cine, superando incluso a "Ave Satani" de La Profecía (1976). Esos 24 segundos de sonidos estridentes producidos por violines, violas y violonchelos en la mítica escena de la ducha titulados por el autor como "El Asesinato", fueron elegidos por los expertos como el tema que más miedo ha producido y produce en la industria del cine, por delante del tema de La Profecía, seguidos de "Samara's Song" de Hans Zimmer en La Llamada (2002), el tema principal de Andrew Lloyds Webber El fantasma de la Ópera (2004) o el "Tubular Bells" de Mike Oldfield compuesto para El exorcista (1973)


8) EL CREPÚSCULO DE LOS DIOSES (1950). MEDIA: 8,6

Y hablando de los compositores de Hitchcock, si con Herrmann tuvo su época más gloriosa, con el alemán Franz Waxman, el compositor que aparece en los créditos de éste largometraje, es con quien se inició en el cine en "Rebeca" (1940), aunque terminó siendo uno de los hombres de confianza de Billy Wilder. A ambos les unía la historia de huir a EE.UU. por culpa de Hitler, Wilder era polaco y Wachmann, aunque de origen alemán, era judío.

Franz se tiró todo el verano de 1949 trabajando para hacer la B.S.O de este film, muy influenciado por el jazz, el blues y la música clásica de Igor Stravinsky, aunque en el film dos temas puntales terminaron ser un tango y una pieza de ópera de Salomé de Richard Strauss. Wilder adornó mucho la banda sonora de la película con temas de música clásica, de él fue la idea de poner a Strauss, pero se tuvo que conformar con Salomé por culpa del canon a pagar, lo que hubiera supuesto un pastón si incluían más piezas del compositor, así que optaron por otros que no subieran los gastos para completar el trabajo de Franz.

El film estuvo nominado para un total de once estatuillas, eso tras unos arreglos previos de la cinta, pues la película empezaba en una morgue donde los cadáveres tenían una conversación sobre lo que fueron sus vidas. Éste inicio provocaba que la mayoría de la gente de la sala se levantase y se marchase del cine sin ver más allá de los cinco primeros minutos. Wilder quiso saber porqué ocurría esto, se levantó del asiento y fue a un aseo para poder escuchar las opiniones de la gente que todavía no habían salido del cine: "La gente empezó a levantarse e irse. Yo me fui también. Bajé por la escalera, hasta los aseos, y vi a una señora de unos sesenta años, con un sombrero, que se volvió hacia mí y me dijo: "¿Ha visto una mierda semejante en su vida?" Y yo respondí: "Francamente, no".

Suprimir el comienzo hizo que la suerte del largometraje cambiase y terminara con esas once nominaciones, de las cuales ganó tres: Mejor guión original, Mejor dirección artística y ambiental y, cómo no, Mejor banda sonora para una película no musical a manos de Franz.


7) LA LISTA DE SCHINDLER (1993). MEDIA: 8,6

Dieciocho años después el binomio Spielberg - Willams termina dando sus frutos.... por tercera vez, entremedias ganaron en el 82 otro Óscar de B.S.O por "E.T. el extraterrestre" . Y es que de los cinco máximos galardones que posee el compositor tres son con Steven, de otro ya hemos hablado previo a conocerle y el que queda es más ni menos que Star Wars con George Lucas, a quienes presentó también el afamado director.

Curioso que uno de los mejores compositores de cine de la historia tuviera miedo a este largometraje. Tras verlo quedó tan sumamente impresionado que le dijo a su amigo "Necesitas un compositor mejor que yo para esta película", y el director en tono jocoso le respondió: "Lo sé. ¡Pero están todos muertos!".

Williams tuvo claro que la banda sonora necesitaba muchas melodías de violín por la temática dramática e incluso plañidera de ciertas escenas , así que no dudó en contratar al israelí Ithzak Perlman, considerado uno de los más prestigiosos maestros de este instrumento. Perlman tuvo la misma sensación con la música de John que éste cuando vio el film, era todo maravillosamente perfecto y medido al detalle y tuvo miedo de no poder sacar el sentimiento preciso a modo de sonido para estar a la altura. Él mismo ha reconocido todo estos años que muchas de esas piezas son sus temas favoritos a la hora de tocar, porque encima tuvo la suerte que los originales tienen el sonido de su violín.

Todos los que conocen el tema tradicional judío "Oifen pripitchik" (En la cocina), piensan en los bemoles y sangre fría de John a la hora de hacerla cantar por un coro infantil e insertarla cuando un grupo de nazis liquidan a todo ser viviente del guetto que están desmontando... Imagina a unos pequeños niños judíos cantando al calor de la lumbre de la cocina mientras un rabino les enseña a lección mientras se hace la comida y por tus ojos estás viendo a los alemanes exterminarlo todo. Vellos de punta


6) CANTANDO BAJO LA LLUVIA Y BLADE RUNNER. MEDIA: 8,4

CANTANDO BAJO LA LLUVIA (1952)

Una película basada en los años 30-40 donde el cine empezaba a dejar de ser mudo y se querían implementar los musicales que arrasaban en los teatros. Gene Kelly es el co-director junto a Stanley Donell, así que se jugaba mucho más que el hecho de ser el protagonista.

La banda sonora está dividida entre el sonido ambiente del film a cargo de Lennie Hayton y las 26 canciones del musical compuestas por Nacio Herb Brown en la parte musical y Arthur Freed que se encargaba de las letras. También hay que decir que aprovecharon muchos temas musicales que no entraron en anteriores filmes para agilizar el trabajo y poder llegar antes a terminar acorde con la dirección a la película. El hecho que varias de esas letras estuvieran escritas en años próximos a los que se desarrolla la trama del largometraje ayudaron a esa integración musical.

Hay una leyenda urbana que dice que el tema principal que da título al film fue grabado en una sola escena porque Gene Kelly tenía 39º de fiebre y apenas se tenía en pie como para estar empapado por mucho tiempo, la realidad es que tardó en grabarse entre dos y tres días y gracias a los de producción los cortes no se notan tanto como en anteriores películas de la época.

Tres historias que si fueron ciertas es que esa escena bajo la lluvia en un principio la iban a interpretar los tres protagonistas, que Debbie Reynolds no tenía ni idea de bailar y fue el propio Gene Kelly su maestro ensayando hasta que quedase al detalle, lo cual recordaba con mucho esfuerzo y miedo de no pifiarla y que el tercero en discordia Donald O'Connor tuvo que irse al hospital tras grabar el mítico tema "Make'em laugh", ya que alguno de los muchos porrazos que se pega en broma mientras lo canta, debió salir mal.

Fue nominada a Mejor Orquestación para un musical en los Óscar, pero ganó "Con una canción en mi corazón" de Alfred Newman. Para el recuerdo quedan los dos temas nombrados y "Good Morning".


BLADE RUNNER (1982)

Vamos con la Banda Sonora favorita de otros compositores de la talla de Hans Zimmer y Michael Giacchino.

En este caso tenemos probablemente la mejor obra musical hecha para cine del griego Evangelos Odysseas Papathanassiou, más conocido como Vangelis. Quizás algunos ponen en duda esta afirmación y me recuerden el único Óscar que ganó con "Carros de fuego" (1981) por delante del Indiana Jones en busca del arca perdida de John Williams, pero algunos le quitan esa magia cuando se dan cuenta que el film cortó y reeditó los temas que presento el autor cuando éste, en contra de su propia voluntad, sacó el álbum a la venta al ver la productora que podía ser un filón de dinero.

Con Blade Runner no ocurrió eso, el álbum salió a la venta en el décimo aniversario de la película en el que se vendió una edición especial que incluía escenas eliminadas, así que en su tiempo sólo podías escuchar esa música si veías el largometraje. También puso en serios problemas a Ridley Scott, director del film, que tuvo que contratar a otro compositor, Jerry Goldsmith, al ver que el griego se retrasaba con los plazos de entrega y la película tenía un tope para ser presentada. Al final, Vangelis presentó el trabajo al que dedicó todo su tiempo de diciembre de 1981 hasta abril del 82, y tuvieron que editarla casi por completo para introducir su obra y reemplazar el trabajo de Goldsmith en ciertas escenas, y es que sus melodías oscuras aderezadas con sintetizadores futuristas eran de otro nivel. Eso si, la relación director - artista acabó con el rosario de la aurora, prohibiendo su obra fuera del film y por ello diez años tuvieron que esperar para poder escucharla sin tener que ver Blade Runner.

Se supo rodear de artistas de la talla como el saxofonista de jazz Dick Morrisey y las voces de Demis Roussos, Don Percival, Mary Hopkin y el coro English Chamber Choir. Música de diferentes culturas y estilos también proporcionaron ese aire futurista que vemos en imágenes a través de nuestros oídos y si bien sólo fue nominada a los premios Bafta y los Globos de Oro. Tampoco es que la película fuera premiada como la historia creemos que merece, solo dos nominaciones a los Óscar por la dirección artística y los efectos visuales.

La obra, en todo su conjunto, incluida su música, es de aquellas que triunfan a posteriori, quizás porque en aquel presente no tenían las mismas perspectivas o no supieron valorar de forma correcta una de las mejores películas de acción de la historia que dejó anonadados a todos tras verla por primera vez, dejando muy atrás el libro "¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?" de Philip K. Dick en la que está inspirada.


5) EL SEÑOR DE LOS ANILLOS: LA COMUNIDAD DEL ANILLO (2001). MEDIA: 7,8

Dicen que el canadiense Howard Shore no tiene más que tres Óscars (mejores Bandas Sonoras de El Señor de los anillos: La comunidad del anillo (2001), El Señor de los anillos: El retorno del rey (2003) y el tema "Into the west" incluido en este último film y que fue un homenaje a un amigo cineasta de Jackson que murió joven) por una absurda ley de los Óscar que se derogó en el 2002 que prohibía nominar Bandas Sonoras basadas en anteriores Bandas Sonoras, es por ello que El Señor de los anillos: Las dos torres (2002), no pudo ni siquiera presentarse a competición...

El compositor, tras ser contratado por Peter Jackson imaginó la música del film como una sinfonía compuesta por seis movimientos y en el que cada largometraje tuviera dos de ellos.

Tocada en su inmensa mayoría por la Orquesta filarmónica de Londres, la obra está basada en la estrategia de John Williams en la saga Star Wars, crear una serie de temas principales asociados a lugares y personajes principales en torno a los cuales se va variando el resto de piezas musicales de la trilogía. Para hacerlo más épico se incluyeron en los temas letras de canciones de las diferentes lenguas creadas por Tolkien: Quenya, Sindarin, Khuzdul y Adûnic.

Está tan sumamente bien hilada la música a cada escena que un youtuber llamado Nerdwriter (antes que nuestro Jaime Altozano), nos lo demostró: "En el mismo comienzo de la película, cuando vemos la pantalla en negro y escuchamos un coro inquietante de fondo. Es la canción de Lothlórien, el tema que representa a la elfa Galadriel, la narradora del prólogo de la historia del anillo único. Y entonces suena la canción del anillo.Bilbo Bolsón retoma la narración y la música nos traslada al mundo de los hobbits. Suena la canción de la Comarca. Viajamos al presente y la banda sonora nos emociona con el leitmotiv de la comunidad del anillo. ¡Y esto es sólo la introducción de la película...!. En 7 minutos, el vídeo consigue rascar la superficie de las partituras, que esconden significados más o menos evidentes. Por ejemplo, la canción de la comunidad del anillo empieza con Frodo y Sam en la imagen y el sonido de una humilde trompa y un corno inglés; luego añade los platillos cuando aparece Gandalf y llega a su máxima expresión cuando la comunidad del anillo crece".


Imaginaos algo así en los 683 minutos (11 horas y 23 minutos) que dura la trilogía en su versión extendida... Con cada personaje que aparece, suena su tema, si habla con alguien importante en ese tema se añade un instrumento particular o una leve variación musical, lo mismo pasa con cada ubicación importante y con quienes se encuentran en ella. Una obra de ingeniería musical que, en mi opinión, solo por el trabajo y por lo que opinan de ella los grandes críticos: "Imperecedera, evocadora, épica y magistral" debiera estar mucho más alta en el ranking, que menos que tocar podio.


4) EL PADRINO (1972). MEDIA: 7,8

Francis Ford Coppola tuvo una gran oferta de Paramount para realizar sus películas tras ganar el Óscar a Mejor guión original por "Patton" (1971), su idea fue llevar a la gran pantalla la novela homónima de Mario Puzzo, pero sus problemas de producción le llevaron a la cuerda floja en un total de cuatro ocasiones en las que la productora quiso despedirle y poner a otro director al frente del proyecto. Esos mismos son los que se ponían medallitas cuando la película se convirtió en un auténtico éxito con declaraciones tipo "yo siempre confíe...".

Y es que Coppola se tomó muy en serio el proyecto y no dudó en contratar para la Banda Sonora a Nino Rota, reconocido compositor italiano por ponerle música a la mayoría de las películas de Fellini. Rota fue un niño prodigio milanés nacido en 1911, que destacó en la música desde la tierna infancia que escribió música para piano, de cámara y sinfónica, además de tres sinfonías y varios conciertos, pero que no le hacía ascos a ponerle el sonido a largometrajes.

La verdad es que Nino no dio pie con bola en lo que buscaba el director que a su vez es hijo de otro afamado compositor musical Carmine Coppola. Se mantuvieron muy pocas ideas originales del músico italiano y Francis buscaba otras direcciones, también es verdad que quiso recauchutar sus propios temas de otros filmes como "Fortunella", "Los Clowns", "Daniele Cortis" o "Mysterium". Al final sustentó toda la Banda sonora en tres piezas claves sublimes ("The godfather's waltz", "The love theme" y "Apollonia's theme") que recogen el sonido siciliano de las familias del hampa y licenciando diez temas que ya existían previamente a las que se les dio un ligero lavado de cara por el que dirán, esto debido a la ley explicada en el punto anterior le sirvió perder el Óscar porque esa música ya había sonado en Fortunella (menos mal que se quedaron ahí y no indagaron más), después de haber sido anunciado erróneamente como ganador del mismo. Si lo levantó con "El Padrino II" donde lo debería haber compartido con Carmine ya que su hijo no se fiaba del todo del potencial de Nino, para la tercera parte el compositor milanés había fallecido y la música la firmó íntegramente el padre del director.

El hecho que la Banda Sonora se sustente en sólo tres temas excepcionales y que el resto fuera relleno, han creado siempre el dilema moral si debe estar entre las mejores Bandas Sonoras de la historia o si el copia y pega del mismo autor puede ser considerado un bluff, considerando fuera parte esos tres temas y no el conjunto de la obra y los mismo piensan en la segunda parte, algunos creen que Carmine ayudó a levantar la estatuilla pero éste nunca ganó ninguna, sindo únicamente nominado como Mejor canción por "Promise me you'll remember" pero la ganó "Sooner or later" de Dick Tracy.


3) CASABLANCA (1942). MEDIA: 7,6

Maximilian Raoul Walter Steiner, mejor conocido como Max Steiner es un compositor vienés nacido en 1888 que se mudó a Estados Unidos cuando estalló la Primera Guerra Mundial. Allí se ganaba el sueldo poniendo música a diferentes obras de teatro, entre ellas "Río Rita", la cual iba a dar un salto a la gran pantalla y le contrataron para hacer en el cine lo mismo que hacía en cada actuación teatral.

Hago una breve introducción de él porque, aunque tarde, no va a ser su única aparición en el post. De hecho fue contratado por el director Michael Curtiz porque en su currículum ya figuraba la otra B.S.O que más tarde aparecerá y porque ya tenía un Óscar reciente en este apartado. No por ello pensaron que el film llegaría a ser mayor cosa, porque el director grabó dos películas más ese año y Humprey Bogart participó en otras tres pero, simplemente no tenían esa magia que terminó haciendo que un largometraje más del montón terminara siendo uno de los mayores clásicos del cine.

Otra curiosidad es que el tema principal de la película y que nos viene a la mente al acordarnos de este largometraje, "As Time Goes By" fue compuesta por Herman Hupfeld para la obra de teatro en la que se basaba el film. Max no quería utilizarla, pensaba que era mejor idea hacer su propio tema, pero la protagonista, Ingrid Berman se había cortado el pelo para su próxima película y no podían repetir de nuevo la escena con Sam al piano y, curiosamente es el único tema que se nos viene a la cabeza cuando piensas en la película, siendo lo único que no pasó por manos del compositor. De hecho, es el segundo tema más reconocido en la historia del cine tras el "Over the rainbow" de el Mago de Oz cantado por Judy Garland.

Pese a las grandes críticas que tiene la Banda Sonora, no es el único punto negativo para Max pues en la decimosexta celebración de los Óscar, no revalidó la estatuilla (el año anterior se había impuesto por su trabajo en "Now, Voyager" y al siguiente lo volvería a ganar con "Desde que te fuiste"). Como spoiler decir que los tres Óscar que consiguió Max en su carrera, ninguno de ellos fueron con sus mejores obras y más recordadas.


2) GLADIATOR (2000). MEDIA: 7,4

Aunque en me falte en la lista Ennio Morricone, cosa que me choca un montón, si aparece por fin otro de los grandes el germano Hans Zimmer junto a la australiana Lisa Gerrard, de la que muchos se olvidan cuando hablamos de la composición musical de Gladiator, acordándonos sólo de su voz en los temas.

Ridley Scott y Zimmer ya habían coincidido previamente en "Black Rain" (1989) y "Thelma y Louise" (1991), después de este film volvieron a hacer lo una vez más en "Black Hawk derribado" (2001).

La música de la película es un compendio de diferentes etnias con temas que abarcan el sonido de guerra de los bárbaros, la guitarra española por el origen del protagonista, melodías orientales y africanas en el primer momento de su esclavitud y diferentes melodías de la época romana desde la más solemne a las más heroicas inspiradas en las óperas de Richard Wagner.

Los dos temas más recordados del film "Now we are free" y "Fuerza y honor" son las dos caras del protagonista, la primera es el tema de Máximo Décimo Meridio (el hombre, el marido, el padre) y la segunda suena en sus escenas de Gladiador (el que tiene que luchar para nivelar todo lo que le han quitado), por contra hay un tercer tema que pasa desapercibido por los espectadores y llega a sonar un total de 15 veces el titulado "Progeny" con el que inicia la película antes de presentar los créditos y que es el motivo de Cómodo, una especie de melodía serpenteante y sinuosa que en un principio parece tener miedo pero simplemente está esperando su momento para atacar a sabiendas que no lo hará de frente pues es un cobarde. La última vez que esta suena coincide con la conversación previa entre Cómodo y Máximo antes de salir a luchar a la arena y estando el héroe atado, le demuestra que no le tiene miedo, en ese momento el poder perverso de la melodía desaparece y esta se desvanece para no volver a sonar.

Es una pena que la voz de Lisa Gerrard no fuese recompensada con un Óscar, porque esta Banda Sonora se quedó en la nominación llevándose este galardón "Tigre y Dragón" de Tan Dun, algo que a día de hoy me sigue pareciendo un gran tongo sin desprestigiar al compositor chino o a John Williams y su labor en el Patriota pero... es que esta banda sonora es de lo mejor que se ha hecho en cine y Lisa tuvo la gran dificultad de poner la voz para unos temas compuestos para un Luciano Pavarotti que más tarde ha cantado en diversas ocasiones, pero que desestimo y lo que pudo ser un gran batacazo se convirtió en la pieza perfecta con la voz de la australiana.

A día de hoy, si preguntas a la gente sobre tres B.S.O. de películas, entiendan o no, la mayoría te pondrá en la lista Gladiator.

1) LO QUE EL VIENTO SE LLEVÓ (1939). MEDIA: 7,2

Y en el top nos encontramos de nuevo al austriaco Max Steiner e n uno de los films más recordados de la historia de cine que fue realmente agotador por exigencia y duración de la película. Hubo nada menos que tres directores para llevar a cabo esta superproducción, el director original fue George Cukor, al que terminaron despidiendo en las primeras semanas de rodaje para dar paso a Víctor Fleming que grabó la mayor parte de la película pero que se tuvo que ir por agotamiento debido el estresante trabajo que fue rodarla dando paso a Sam Wood que remató la faena.

Si dirigirla no fue nada fácil, el largometraje dura un total de 238 minutos, más o menos la duración de dos películas, imaginaos que es ponerle la música a todo eso acorde con los gustos de los directores de turno con solo un mes partiendo de cero. Steiner lo definió así: "Escribí 3 horas y 45 minutos de música original, así como la partitura de otra película, y supervisé la grabación de ambas; y todo en el espacio de cuatro semanas. Lo conseguí durmiendo tan sólo 15 horas en ese período y trabajando sin descanso el resto del tiempo. No puedes ser Beethoven en esas condiciones".

Steiner tenía un contrato exclusivo con Warner Bros de por vida desde "Cimarrón", sólo podía hacer obras para películas de esta productora, pero Selznick, productor del film lo quería y la Metro Goldwyn Mayer tuvo que negociar por sus servicios sólo para contentarle. Pero para que nos demos cuenta de la dimensión de esta película terminaron contratando hasta cinco directores de orquesta para tocar las partituras de Max: Hugo Friedhofer, Maurice de Packh, Bernard Kaun, Adolph Deutsch y Reginald Bassett. Un completo despilfarro como en el resto de campos...

Una de las cosas más curiosas del la banda sonora es que está sustentada en dos grandes temas de amor el de Ashley y Melanie y el de Ashley y Scarlett , que es el reconocido tema pasional "Tara" y sus diferentes variaciones. Lo más curioso es que muchos asocian esta obra con el amor de Rhett Butler, más si cabe por su icónico beso que forma parte de la historia del cine, pero la pareja no tiene su tema de amor.

También fue la primera película que utilizó el leit motiv de las piezas musicales asociadas a momentos o personajes que ha terminado siendo el abc de los grandes largometrajes a lo largo de la historia.

Tanto trabajo tuvo sus frutos y "Lo que el viento se llevó" tuvo 13 nominaciones a los Óscar (cuarta película más nominada de la historia tras: "Eva al desnudo" (1950), "Titanic" (1997) y "La la land" (2016) con 14), consiguiendo diez estatuillas (también la cuarta con más galardones tras Ben-Hur (1959), "Titanic" (1997) y "El Señor de los anillos: El retorno del rey" (2003)).

Uno de los tres premios que no consiguió alzar fue precisamente el de la costosa Mejor Banda Sonora, que terminó yendo a parar a "El Mago de Oz" compuesta por Herbert Stothart.

Me parece muy curioso que al final tanto ese título que le arrebató la estatuilla como Conan, Titanic y La la land no hayan entrado en esta curiosa selección, seguro que muchos hubieran apostado por alguna de ellas en sus cabalas.

LAS 5 LISTAS Y LA TABLA DE MEDIAS

DOD MAGAZIN

01. Tiburón (John Williams, 1975)

02. Lo que el viento se llevó (Max Steiner, 1939)

03. Casablanca (Max Steiner, 1942)

04. Blade Runner (Vangelis, 1982)

05. Cantando bajo la lluvia (Arthur Freed, Nacio Herb Brown y Lennie Hayton, 1952)
06. El padrino (Nino Rota, 1972)
07. Psicosis (Bernard Herrmann, 1960)

08. Interstellar (Hans Zimmer, 2017)

09. Hasta que llegó su hora (Ennio Morricone, 1968)

10. El Último Mohicano (Randy Edelman, 1992)

FILMAFFINITY

01. Gladiator (Hans Zimmer, 2000)
02. Amelie (Yann Tiersen, 2001)
03. Pulp Fiction (Varios, 1994)
04. El Padrino (Nino Rota, 1972)
05. El señor de los anillos: La comunidad del anillo (Howard Shore, 2001)
06. Braveheart (James Horner, 1995)
07. El Último Mohicano (Randy Edelman, 1992)
08. La lista de Schindler (John Williams, 1993)
09. Requiem por un sueño (Clint Mansell, 2000)
10. Forrest Gump (Alan Silvestri, 1994)

ESPINOF

01. Lo que el viento se llevó (Max Steiner, 1939)
02. Casablanca (Max Steiner, 1942)
03. El crepúsculo de los dioses (Franz Waxman, 1950)

04. Cantando bajo la lluvia (Arthur Freed, Nacio Herb Brown y Lennie Hayton, 1952)
05. El puente sobre el río Kwai (Malcolm Arnold, 1957)

06. Psicosis (Bernard Herrmann, 1960)

07. Lawrence de Arabia (Maurice Jarre, 1962)

08. La pantera rosa (Henry Mancini, 1963)

09. Hasta que llegó su hora (Ennio Morricone, 1968)
10. El Padrino (Nino Rota, 1972)

ZINEMA

01. El señor de los anillos: La comunidad del anillo (Howard Shore, 2001)

02. La lista de Schindler (John Williams, 1993)

03. Gladiator (Hans Zimmer, 2000)

04. La Guerra de las Galaxias (John Williams, 1977)

05. Memorias de África (John Barry, 1985)

06. Bailando con lobos (John Barry, 1990)

07. Harry Potter y la piedra filosofal (John Williams, 2001)

08. La misión (Ennio Morricone, 1986)

09. Jurassic Park (John Williams, 1993)

10. Piratas del Caribe: la maldición de la perla negra (Klaus Badelt, 2003)

DE CINE 21

01. Ciudadano Kane (Bernard Herrmann, 1941)
02. El gatopardo (Nino Rota, 1963)
03. Los mejores años de nuestra vida (Hugo Friedhoffer, 1946)
04. El señor de los anillos: El retorno del rey (Howard Shore,2003)
05. Blade Runner (Vangelis, 1982)
06. Chinatown (Jerry Goldsmith, 1974)
07. El crepúsculo de los dioses (Franz Waxman, 1950)
08. El padrino (Nino Rota, 1972)
09. Lawrence de Arabia (Maurice Jarre, 1962)
10. Psicosis (Bernard Herrmann, 1960)

	DOD MAGAZIN	FILMAFFINITY	ESPINOF	ZINEMA	DE CINE 21	MEDIAS
TIBURÓN	1					9 (10º)*
LO QUE EL VIENTO SE LLEVO	2		1			7,2 (1º)
CASABLANCA	3		2			7,6 (3º)
BLADE RUNNER	4				5	8,4 (6º)*
CANTANDO BAJO LA LLUVIA	5		4			8,4 (6º)*
EL PADRINO	6	4	10		8	7,8 (4º)
PSICOSIS	7		6		10	9 (9º)
INTERSTELLAR	8					10,4
HASTA QUE LLEGO SU HORA	9		9			10,2
EL ÚLTIMO MOHICANO	10	7				9,4
GLADIATOR		1		3		7,4 (2º)
AMELIE		2				9,2
PULP FICTION		3				9,4
EL SEÑOR DE LOS ANILLOS I		5		1		7,8 (5º)
BRAVEHEART		6				10
LA LISTA DE SCHLINDER		8		2		8,6 (7º)
REQUIEM POR UN SUEÑO		9				10,6
FORREST GUMP		10				10,8
EL CREPÚSCULO DE LOS DIOSES			3		7	8,6 (8º)
EL PUENTE SOBRE EL RIO KWAI			5			9,8
LAWRENCE DE ARABIA			7		9	9,8
LA PANTERA ROSA			8			10,4
LA GUERRA DE LAS GALAXIAS				4		9,6
MEMORIAS DE ÁFRICA				5		9,8
BAILANDO CON LOBOS				6		10
HARRY POTTER I				7		10,2
LA MISIÓN				8		10,4
JURASSIC PARK I				9		10,6
PIRATAS DEL CARIBE I				10		10,8
CIUDADANO KANE					1	9 (10º)*
EL GATOPARDO					2	9,2
LOS MEJORES AÑOS DE NUESTRA VIDA					3	9,4
EL SEÑOR DE LOS ANILLOS III					4	9,6
CHINATOWN					6	10

 NOTAS ACLARATORIAS: 1) hay canciones (la mayoría) que no están en las cinco listas, por lo que en ese vacío he sumado 11 en todos los casos, como si fueran la siguiente canción. Ejemplo: 6,3,4, -,8 = 6+3+4+11+8 / 5 (6,4 de media). 2) se puntuaran siempre las medias de menor valor, por encima del número de apariciones en las listas, por ejemplo: 4+11+11+11+11/5= 9,6 estará por encima en la lista de un 7+11+11+11+10/5= 10, aunque una aparezca en una lista y la otra en dos. 3) si las medias son iguales, en ese caso si se mira el número de listas en que aparecen (si una aparece en 4 y la otra en 3 ganará la de 4), y en caso de estar en el mismo número de listas, ganará el que tenga mejor posición en una de ellas ( si una aparece en el puesto 2 y 6 y la otra en el 3 y 5, la media será igual pero ganará la que ha conseguido el puesto 2 en una de las listas). 4) si todo es igual en el punto 3, en ese caso, ambas canciones ocuparan el mismo lugar en la lista, una posición "ex aequo"