Brian May+Roger Taylor-Live At Buckingham Palace (2002).

P.G.L.C. LOS 10 MEJORES DISCOS DE QUEEN...

Creo que esta es la entrada más arriesgada que he realizado desde que cree el blog, aunque la verdad tenía ilusión por hacerla. Para ello, he querido basarme solo en los álbumes de estudio, dejando el directo y los Greatest Hits, y demás recopilaciones ( “Queen Rocks”, “Queen at the BBC”…) apartados de esta locura, pues parten con la ventaja de encontrarse “con la mejores canciones” ya dentro del CD y los discos en vivo, sin duda les dan cien mil vueltas a los de estudio… ¿Cómo comparar el Live at Wembley 86, con cualquier álbum de estudio? Eso si sería mayor pecado y atrocidad a los que estoy cometiendo.

Decir también que “The Cosmos Rocks” estaba incluido en la terna de juicio, pero ha sido obviamente uno de los descartados, lo siento Paul Rodgers, lo haces bien, pero Freddie solo hubo uno… Partiendo de estas premisas y que personalmente nunca pondría en ese top 10 dos discos como “Flash Gordon”, gran B.S.O pero a su vez difícil definir a Queen cuando el 90% del disco son efectos sonoros y un Freddie que no canta y “Hot Space” que tiene maravillas como el “Under Pressure” con David Bowie, donde el grupo se embarca en un sonido disco con toques de funky, donde a mi parecer se desperdicia mucho la guitarra de Brian May, los demás que se quedan fuera de esta lista son una verdadera injusticia por mi parte. Por ejemplo “Jazz” es uno de los discos que más he escuchado del grupo con canciones como “Mustapha”, “Let Me Entertain You”, “Dead On Time” o una de sus mejores canciones “Don´t Stop Me Now”, tampoco aparece “The Game” o “Queen II”, verdadera “peccata minuta” para algunos y fallos imperdonables para mi…

En fin, vamos con el top 10:

10. MADE IN HEAVEN: Musicalmente hablando debería estar dentro de mi top 5, pero a la hora de juzgar he de ser más severo, pues este disco de 1995, cuatro años después de la muerte de Freddie, está hecho a partir de canciones que la gran voz dejo grabadas en vida, ya sea para colaboraciones en solitario de sus discos, como ayuda para el de Brian May, o en colaboración con “The Cross”, sin olvidar que en algunas tuvieron que arreglar la voz de Mercury para que encajase. Si dejamos de pasar eso, que a la postre algunos tomarían como motivo suficiente para que este álbum no se encontrase en esta lista, también hay que recordar que el resto del grupo (incluido John Deacon) estuvo durante tres años intentando sacar lo mejor para el disco, cambiando la música en las canciones, probando con miles de sonidos y muchísimas horas de estudio. Canción por canción es un disco inolvidable donde si me tuviera que quedar solo con tres para promocionarlo, seguramente serían: el propio “Made In Heaven” de Mercury, que pone los pelos de punta, la balada “I Was Born To Love You”, con ese “in crescendo” lleno de fuerza e intensidad y sin duda “Let Me Live”, canción que me parece muy peculiar, porque tanto Mercury, como May y Taylor cantan su parte de canción (estos no se dedican a hacerle los coros) , con una parte góspel sencillamente espectacular.

9. SHEER HEART ATTACK. Tercer disco del grupo publicado en 1974, y que dista mucho del tipo de música que había hecho el grupo en los dos anteriores. Se busca probar nuevos estilos y en mi opinión el disco es un popurrí de estos, una variedad inclasificable a nivel global… Pero en esa variedad se encuentran canciones como “Killer Queen”, “Now I´m Here” y “Brighton Rock”, donde para muchos empieza la leyenda de Brian May, pasando de ser un muy buen guitarrista a tener su propia legión de fans, y todo porque cree que en algunas canciones se necesita una segunda guitarra en el grupo e inventa el sistema “Echoes”. Con lo cual su guitarra termina sonando en eco de tal forma que mientras reverberan sus anteriores notas el sigue construyendo lo siguiente de la melodía que se entremezcla con la anterior, una especie de canon, que se le ocurre probarlo en un solo de casi 6 minutos para iniciar el disco y que tuvo tanto éxito que a partir de ese momento se hace un indispensable dentro de todos sus conciertos. Sin duda uno de los mejores solos de la historia de la música encubierto en un inicio de música de feria, aderezada con la voz de Freddie que juega con sus registros de voz, emulando un dialogo entre una mujer y un hombre.

8. A DAY OF THE RACES: También recordado por parecer una segunda parte de otro disco que ya comentaremos después con titulo de película de los hermanos Marx. Salió publicado en 1976, y la verdad que melódicamente es uno de los mas maravillosos del grupo y de la historia del Rock, el único pero es que el anterior disco le hizo una sombra tan alargada, que no pudo superar y por tanto mucha gente de hoy en día apenas conoce este álbum. Sin duda la canción más conocida de este trabajo es “Somebody to love” donde Freddie hace uno de sus mejores trabajos vocales a nivel de estudio. En el disco también encontramos una canción que se hizo mítica en los conciertos el “Tie your mother down” en un gran riff de Brian May, y con ese toque de rock poderoso que levanta el ánimo a cualquiera que haya ido a verlos. Quiero recordar dos canciones más que mucha gente no conocerá: “The Millonaire Waltz” donde la “red special” de May parece cualquier otro instrumento menos una guitarra y la voz de Freddie parece cualquier otra que no se haya dedicado precisamente al rock, melodías y coros típicos de los Queen de mediados de los 70 e inigualables en su estilo en su tiempo y “Good Old-fashioned Lover Boy”, puesto que si escuchas la anteriormente citada, no puedes dejar escapar esta opereta.

7. QUEEN I. Álbum confeccionado desde 1971 y que sale a la luz por problemas con la discográfica en 1973. Es el primer disco de Queen como tal, con mucha influencia de “Smile” grupo de May y Taylor en el que cantaba Tim Stafell y de los que era un fiel seguidor Freddie. Junto con su segundo disco, “Queen II”, el grupo hace una música con mucha destilación del heavy, incorporando esos juegos de voces que terminaron siendo una marca de la casa a través de su historia. El disco es sorprendente, pues muchos que encuadran la música del grupo con la trayectoria del mismo en los 80, no alcanzan a reconocerles y dudan si son ellos. Me gustaría resalta el “Keep Yourself Alive”, su primer single donde tiene bastante importancia de el trabajo de Taylor en la batería y donde ya sorprende May a la guitarra. Por supuesto también “Liar” con la que empezaron a tener grandes problemas por el tema de la duración (6:26), que en aquella época era demasiado larga para promocionarla en la radio, pero que es una de las mas cañeras del grupo y “My Fairy King” donde empiezan a dislumbrar los falsetes de Mercury y los coros de May y Taylor, muy inesperados para alguien que los escuchase por primera vez. Por cierto, me encanta como suena la guitarra de May en el comienzo de “Great King Rat”.

6. THE MIRACLE. Penúltimo álbum de Freddie en vida, que salió a la luz en 1989. La verdad es que este álbum fue especial para el grupo, no es casual la portada, donde se juntan las 4 cabezas en una sola. Tuvieron visos de separación en 1986, cuando decidieron no dar más conciertos y se tomaron un respiro sacando álbumes en solitario. Necesitaron este álbum para volver a ser una piña, tanto que ya no firmaba cada uno sus canciones, todas llevaban la estampa de Queen como tal. ¿Qué puedo decir de un disco que incluye “I Want It All”, “The Invisible Man”, “Breakthru” y “The Miracle? Solamente por esas canciones, ya debería estar dentro de este top 10, sobre todo con la versión de “I Want It All” con la intro de la guitarra de May, sumamente bestial. También tenemos una canción menos conocida y que yo si que metería en un hipotético top 10 de canciones de Queen, “Was It All Worth It”, canción que no entiendo como no llegó a salir como Cara A de alguno de los sencillos o incluso a estar dentro del “Greatest Hits 2”, porque como tal es una canción brutal, una obra de arte a la altura de alguno de los artistas que citan en la letra… Cuando la escuchéis seguramente se os clavará la melodía tan profunda en vuestro cerebro que no parareis de silbarla o tararearla…


5. NEWS OF THE WORLD. Álbum lanzado en 1977, que incluye los dos himnos más famosos del grupo por un lado el “We Are The Champions” de Freddie Mercury que con el paso del tiempo fue adoptando el deporte y que a día de hoy a todo ganador en competiciones conocidas, se le suele poner al recoger su premio. También tenemos el “We Will Rock You” creado por May, que poco a poco se introdujo entre el público y de alguna forma se identifica para animar al deportista o al músico de turno a que empiecen con la faena por medio del ritmo de palmas tan característico de la canción, sin duda ambas canciones a día de hoy son las más identificativas del grupo. Sin olvidar que el disco incluye canciones de la talla de “Spread Your Wings” o “My Melancholy blues” donde la voz de Freddie y el piano, hace una vez más que nos pongamos los pelos de punta. Me pareció curiosa la iniciativa de May creando una pequeña obra de teatro hecha canción “It´s late” dividida incluso en actos y que dura más de 6 minutos.

4. THE WORKS. Disco que sale en 1984 y que sirve para recuperar esa energía roquera perdida en “Hot Space”, el hecho que Brian tenga mucho más trabajo con la guitarra es el mejor signo del álbum. Canciones como “Radio Ga Ga” de Taylor e inspirada en unas palabras de su hijo pequeño “Radio caca” (no le gustaba la radio), “I Want To Break Free” de John Deacon que se convirtió en una de las canciones más importantes de la historia de Queen. Con esa leyenda negra de que era un canto de la homosexualidad de Freddie, aderezado con el videoclip donde todos iban vestidos de mujeres versionando una teleserie de la época y que mucha gente lo tomo como una provocación, lanzándoles hasta cuchillas de afeitar en los conciertos para que Mercury se afeitase el bigote, símbolo según ellos de homosexualidad. Además el disco incluye “Hammer to Fall” y “Tear It Up” canciones cañeras en su repertorio y una pequeña obra de arte como “It´s A Hard Life”, donde nos damos cuenta, una vez más, de la clase de voz que se perdió por el camino, única e irrepetible. No me puedo olvidar tampoco de “Is This The World We Created?” donde el grupo, nos hace pensar de hacia dónde nos dirigimos la humanidad, perdiendo nuestros valores, todo esto con una guitarra acústica a manos de May y la voz de Freddie en la moralina.

3. A KIND OF MAGIC. Y ya sin el 84 con “The Works” se reinventaron, su siguiente disco en 1986, fue una autentica obra de arte digna de enmarcar: “One Vision”, única canción del disco que no fue escrita para la película “Los Inmortales”, si no para “Águila de Acero” con una Intro rara donde las haya que precede a la guitarra de May y posterior canción inolvidable, “A Kind Of Magic” con un ritmo que nos transporta a los trucos de magía, “Friends Will Be Friends” otra especie de himno del grupo, “Who Wants To Live Forever”, para mí de las mejores baladas que ha escrito May acompañados de una orquesta, un deleite para los oídos, “Gimme The Prize” otra de las canciones más cañeras de la historia de Queen donde la “red special” juega con el sonido de las gaitas y “Princes Of The Universe”, una verdadera maravilla que no introdujeron en el “Greatest Hits II” y terminaron malmetiendo en ese disco que hicieron llamar “Greatest Hits III” . Sin duda, solo le falta un pequeño detalle al disco haber metido la cover de “New York, New York” que suena en la película mientras Kurgan conduce el coche alocadamente y que usan como enlace a “Don´t Lose Your Head”… ¿Por qué no sacaron esa canción nunca, ni siquiera en single?.

2. INNUENDO. Último disco de Freddie en vida, lanzado en 1991, y sinceramente todos opinamos que sabía que iba a ser el último y por eso lo dio todo en forma de legado. Para empezar la propia canción que da título al álbum “Innuendo”, solo es comparable por complejidad a “Bohemian Rhapsody” y con eso ya digo todo, una pieza inalcanzable para la mayoría de los grupos del planeta e irrepetible. El disco sigue con la paranoica “I´m Going Slightly Mad” totalmente distinta a todo su trabajo anterior, quizás por eso triunfó, por ser considerada una rareza. “Headlong” una canción rápida y que levanta el ánimo, muy al estilo de las canciones de Queen en los 80, “I Can´t Live With You” muy melódica y con contrapuntos, aunque curiosamente me gusta más en su versión “Queen Rocks”, “All God´s People”, muy góspel, un estilo que Freddie debió explotar más pues le da fuerza a su estilo de voz, “These Are The Days Our Lives” muy conmovedora que nos introduce en días del pasado donde todo fue mejor y donde parece que Freddie de alguna manera está dejando un mensaje encriptado de lo que va a ocurrir y por supuesto “The Show Must Go On”, otra obra que se queda para la eternidad y donde Mercury deja claramente un mensaje de despedida, hasta en la última frase que dice en el videoclip. Sin duda él estaba en fase terminal, pero su fuerza y su voz no lo notaron en el disco.

1. A NIGHT AT THE OPERA. Sacado en 1975 y de alguna manera, visto como la primera parte de “A Day At The Races” de 1976. Fue el álbum que les encumbro a la fama, de ser un grupo conocido a ser uno de los mejores a nivel mundial. El grupo cambio de discografía y les dio por pensar a lo grande. Freddie lo apostó todo a la canción “Bohemian Rhapsody” y sin duda le salió bien, la publicitó con el primer videoclip de la historia de la música y se obstino en que la promocionaran en la radio a sabiendas que eran reacios porque la duración estaba lejos de los límites de 3:30 que se solían poner en las mismas. Para mi es la mejor canción que he escuchado en la vida y su disco sin duda el más sorprendente de toda la historia del grupo, y no será por ser innovadores a lo largo de los años. Las canciones más conocidas del disco son, además de la ya citada, “Love Of My Live” su mejor balada de amor, “You´re my best friend” o el arreglo de May del “God Save The Queen” con el que acababan todos sus conciertos. Pero lo maravilloso de este disco son canciones menos conocidas como las operetas de “Lazing On Sunday Afternoon” o “Seaside Rendezvous”, escuchar a May mientras toca el ukelele o el banjo en “Good Company” o “39”, e incluso la maravilla de canción y más larga de su historia “The Prophet Song” con el juego de voces tan típico del disco. Sin duda un disco histórico que sorprendió a la música rock de mediados de los 70.

SOBRE LOS ORÍGENES DEL BLUES…

El Blues es un género musical originario de las comunidades afroamericanas de Estados Unidos que se desarrollo a partir de temas espirituales (oraciones al señor), canciones en el trabajo, gritos en el campo, rimas inglesas e incluso música irlandesa y escocesa. La temática de las canciones tiene que ver con la melancolía o tristeza, palabras que asimilaban a la definición de “Blues” y las canciones generalmente tenían un patrón repetitivo basado en doce compases.

Una de las primeras referencias a la palabra “Blues” viene recogida en 1798 cuando en Inglaterra el grupo de teatro de George Colman junior en su obra “Blue Devils” pronunciaba esta palabra haciendo referencia a los espíritus caídos de la depresión y la tristeza. Aunque en el Siglo XIX la palabra derivó en eufemismos de la policía y de Delirium Tremens.

Las primeras formas de música conocidas parecidas al blues tienes que ver con los gritos de llamada y respuesta, los cuales se definieron como “expresiones funcionales de un estilo con acompañamiento o armonía y alejados de la formalidad de cualquier estructura musical”. Este estilo anterior al blues se puede escuchar en los lamentos, o gritos de campo de esclavos, los cuales tomaron la forma de “canciones de un sólo intérprete con contenido emocional”. El blues de hoy es un compendio musical basado en una estructura armónica europea unido a la tradición de llamada y respuesta del África occidental y en el que interviene una interacción entre voz y guitarra, todo ello basado en una estructura mucho más rítmica que melódica.

La primera aparición del blues no está bien definida y suele datarse entre 1870 y 1900, en un periodo que coincide con la emancipación de los esclavos y la transición de la esclavitud hacia la agricultura a pequeña escala en el sur de Estados Unidos.

“Los instrumentos de cuerda (los preferidos por los esclavos procedentes de las regiones musulmanas de África), estaban generalmente permitidos ya que los dueños de los esclavos consideraban que dichos instrumentos se asemejaban a otros instrumentos europeos, como el violín. Debido a ello, aquellos esclavos que eran capaces de tocar un banjo, u otro instrumento de cuerda, podían hacerlo con mayor libertad. Este tipo de música solitaria de esclavo muestra elementos de un estilo árabe-islámico basado en la huella que el Islam ha impreso durante siglos en África Occidental”. Gehard Kubik

En los primeros años del siglo XX  pasó de ser un movimiento de un grupo de interpretaciones hacia un género más individualizado, argumentando que el desarrollo del blues está asociado con la nueva condición de libertad de los esclavos.

Los primeros blues solían tomar la forma de una narración que transmitía las penas personales en un mundo de cruda realidad: “un amor perdido, la crueldad de los agentes de policía, la opresión de los blancos y los tiempos difíciles”. Este tipo de música se denominó gut-bucket blues, que hacía referencia a un instrumento musical casero (con forma de bajo) fabricado a partir de un cubo de metal el cual era utilizado para limpiar los intestinos de los cerdos y preparar chinchulín (un tipo de comida que se asociaba con la esclavitud). Los blues gut-bucket solían ser depresivos y trataban acerca de las relaciones ásperas y difíciles, de la mala suerte y de los malos tiempos; debido a este tipo de canciones, y a las calles donde se interpretaban, la música blues adquirió mala reputación, llegando a ser criticada por predicadores y feligreses. Lo curioso del caso, es que la música Gospel, tan utilizada en los grupos corales de misa, también tiene sus orígenes en el Blues, aunque cambiaran la tristeza por canciones que transmiten ánimo y alegría.

Antes de la Segunda Guerra Mundial, las fronteras entre el jazz y el blues no estaban claras. Generalmente, el jazz utilizaba estructuras armónicas distintas a la estructura de doce compases del blues, sin embargo, el subgénero jump blues de los años cuarenta juntó ambos géneros. Tras la Segunda Guerra Mundial, el blues tuvo una gran influencia en el jazz.

Los géneros musicales del blues, sus estructuras, melodías y la escala blues han influenciado a muchos otros géneros musicales como el jazz, rock and roll y la música pop. Artistas renombrados del jazz, folk o rock and roll como Louis Armstrong, Duke Ellington, Miles Davis, Elvis Presley y Bob Dylan tienen en su haber varias grabaciones importantes de blues.

SOBRE LOS ORIGENES DE LOS ESTILOS MUSICALES…

Dejando atrás los sonidos prehistóricos e instrumentos tribales de aquella época, se han encontrado flautas de huesos de mamut y diferentes dibujos de danzas, quiero centrarme un poco en la historia de la música y en el origen de los diferentes estilos musicales que hoy conocemos. Para darle un poco sentido a todo debemos empezar por la antigua Grecia.

Y como la música es matemática pura, no es de extrañar que el sistema de octavas en la que se basa fuese descubierto por Pitágoras (580-495 a.c) considerado el primer matemático puro de la historia.

Sobre una base de madera, tenso en el aire un gran trozo de cuerda (monocordio) y se dio cuenta que a partir de la mitad del recorrido de la cuerda, sus sonidos se repetían con la peculiaridad de sonar más agudos, llegando a la conclusión que estaba ante una frecuencia de los mismos. Con el tiempo descubrió que la esa frecuencia se repite cada siete intervalos de sonido, siendo el octavo igual que el primero pero más agudo. También descubrió que la quinta coincidía con el tramo de 2/3 del total de la cuerda y a su vez la cuarta con 3/4 partes de la misma. De esta forma data el origen de la escala musical, del origen del monocordio, antecesor del clavicordio y a su vez de todos los instrumentos de cuerda (incluido el piano = cuerda percutida) que a día de hoy conocemos.

Debemos dar otro salto importante a la historia para llegar hasta Guido D’Arezzo (995-1050) que fue quien decidió poner nombre a cada una de las siete notas utilizando la primera estrofa del himno a San Juan Bautista:

Ut queant laxis                   Para que tus siervos

Re sonare fibris                 Con cuerdas amplias

Mira gestorum                   Hacer sonar puedan

Famuli torum                     Lo admirable de tus gestas

Solve polluti                      Quita del labio impuro

Labii reatum                      La mancha

Sancte Iohannes               Oh San Juan.

Aunque en el S XVIII, se decide que UT, no tiene la sonoridad necesaria a la hora de ser tocada y pasa a llamarse DO (de Dominus= Señor).

En inglés, las notas musicales utilizan las siguientes letras del alfabeto: 
Do – C  Re – D  Mi – E  Fa – F  Sol – G  La – A  Si – B 
A la hora de representarlas, con el fin de crear un lenguaje que se extendiese con el pao de los siglos, empezaron a hacerlo a partir de una línea horizontal, posteriormente en dos y con el tiempo pasaron de cuatro a cinco para definir mejor las diferentes alturas, de ahí nació el conocido pentagrama y con él también fueron variando los gráficos de las notas y sus silencios.

Ya puestos en vereda, pegaré otro salto gigante en el tiempo, porque esta nueva sección de entradas no va a hablar de la historia de la música (gregoriano, música clásica, etc): 

Mi idea más bien explicar brevemente los orígenes de diferentes estilos que en la actualidad escuchamos: SOUL, BLUES, JAZZ, POP, ROCK, HEAVY, REGGAE, ALTERNATIVO, GRUNGE o la OPERA. Con ellos no abarcaré todos los estilos, asi que habrá más entradas sobre los diferentes orígenes de la música en el mundo y quien esté buscando la electrónica, lo siento no me apetece hablar de ella, aqui los instrumentos no quiero que precisen de ordenador, a menos que se utilicen para mezclar las bases...

P.G.L.C: SOBRE 10 COVERS HISTÓRICAS... (2)

BOB DYLAN-ROLLING STONES: LIKE A ROLLING STONE

En 1965, tras una gira por el Reino Unido, un Dylan asqueado y saturado, escribe un poema de entre 10 y 20 páginas, sin meditarlas muchos, diciendo lo que le salía en ese momento de modo reivindicativo. Posteriormente le da forma y lo convierte en canción mientras se encuentra en Woodstock, pero la duración (más de seis minutos) y el sonido estridente hicieron que la casa discográfica la descartara. Eso hizo crear interés en la calle por ella y que los discjockeys la pincharan, asi que por fin accedieron a ponerla como Cara B de “Gates of  Eden”.  Mucha gente del mundillo musical se sintió identificada con la canción y la versionaron, los propios Rollings, no dudaron en hacer una cover de la misma, y mucha gente piensa que es de ellos.

EURYTHMICS-MARILYN MANSON: SWEET DREAMS (ARE MADE OF THIS)

En 1983, el grupo británico Eurythmics,  sacan a la luz una canción con temática sadomasoquista que da nombre también al álbum, convirtiéndose en una de las canciones de la década de los 80 y también en una de las mejores 500 canciones de la historia según muchas revistas de música.  En 1995, una controvertida figura del panorama musical llamada Marilyn Manson (todos los componentes de su grupo se forman a partir del nombre de bellas mujeres y de los mayores asesinos de la historia), se hace famoso por explotar su imagen en la MTV con un videoclip que le catapulta a la fama, la cover de “Sweet Dreams (Are Made Of This). Muchos jóvenes piensas que es suya la canción, no creo que a Annie Lennox le haga mucha gracia… 

THE ARROWS-JOAN JETT-BRITNEY SPEARS: I LOVE ROCK’N’ROLL

En 1975, el grupo The Arrows creó y grabó la canción, primero como Cara B, pero al final la discográfica decidió que fuese la Cara A del disco. Tras ver una actuación de ellos en directo, Joan Jetts en 1979 graba su primera versión de la cover con dos “Sex Pistols” (Steve Jones y Paul Cook), para posteriormente hacer una segunda con su propio grupo “The Blackhearts”, siendo número uno y consiguiendo que su álbum de idéntico titulo se convirtiese en número dos en las listas de EE.UU. La historia de la canción no acaba ahí, en 2002, una Britney Spears deja atrás su versión de lolita, provocando a todo el personal con su nuevo disco que incluye la canción como principal reclamo publicitario.

BOB DYLAN-GUNS’N’ROSES: KNOCKIN ON HEAVEN’S DOOR

En 1973 Bob Dylan compone esta canción como parte de la Banda Sonora Original de la película “Pat Garret & Billy the Kid” de Sam Peckinpah. Entre 1990-1991, unos Guns’N’Roses en el pleno apogeo de su carrera sacan la segunda parte de su “Use Your Illusion”, donde curiosamente encontramos esta canción. El disco vendió más de 18 millones de copias por todo el mundo y su cover se convirtió en uno de los estandartes del grupo con un Axl Rose pletórico a lavoz y un Slash dejando su firma con la guitarra.

EDNASWAP-NATALIE IMBRUGLIA: TORN

El grupo estadounidense de rock alternativo, Ednaswap, sacaba su disco debut, llamado igual que el grupo, en 1995, en el mismo se incluía la canción Torn. A Natalie Imbruglia le gustó la susodicha canción y también la utilizo para su álbum debut “Left of the Middle” dos años después. La versión de la boca de Imbruglia fue un éxito rotundo, siendo  una de las canciones del año y de la década de los 90, mientras Ednaswap, no tuvo tanta suerte y tuvo que separarse en 1999.