LAS 10 MEJORES PELÍCULAS DE TODOS LOS TIEMPOS

Uno de los últimos Para Gustos Los  Colores que hice fue el  de LAS MEJORES PELÍCULAS ESPAÑOLAS DE TODOS LOS TIEMPOS y ahora toca ir un poco más allá y ampliarlo a todo el mundo.

Si hay buenas listas para empezar este post son las de IMDB, Fotogramas y Hollywood Reporter que se atrevieron a catalogarlas y sacar sus propias conclusiones, obviamente vamos un poco más allá y las juntaremos con otras siete páginas web que decidieron hacer lo mismo desde su propia visión.

Algunos datos curiosos sobre la lista definitiva es que:

 - Sólo aparece un largometraje rodado en el siglo XXI, habiendo seis anteriores a que servidor naciese, por tanto sigue teniendo más peso el cine clásico que contemporáneo.

- Hay dos películas que fueron un auténtico fracaso en taquilla, curiosamente una de ellas es de mis favoritas y un film que ni siquiera conocía.

- Ninguna de la lista está entre las diez más taquilleras de todos los tiempos, algo usual a la hora de consumir cine o cualquier arte, lo comercial vende pero no quiere decir que lo valoren como lo mejor.

- Se rompe el mito de nunca las segundas partes fueron buenas, repitiendo un film con su continuación dentro de este top 10.

- Tres de esos largometrajes son en blanco y negro, pero uno de ellos es porque el director así lo quiso, apareciendo de vez en cuando ciertos símbolos en color rojo que representan algo.

- Si pensamos en grandes directores de cine de la historia nos salen nombres como: Spielberg, Ford Coppola, Kubrick o Tarantino por ello no es casualidad que en esta lista figuren películas suyas.

Y sin más, vamos al grano...

10. PULP FICTION (QUENTIN TARANTINO, 1994)

"El camino del hombre recto está por todos lados rodeado por las injusticias de los egoístas y la tiranía de los hombres malos. Bendito sea aquel pastor que en nombre de la caridad y de la buena voluntad saque a los débiles del valle de la oscuridad, porque él es el verdadero guardián de su hermano y el descubridor de los niños perdidos. ¡Y os aseguro que vendré a castigar con gran venganza y furiosa cólera a aquellos que pretendan envenenar y destruir a mis hermanos! ¡Y tú sabrás que mi nombre es Yahvé, cuando caiga mi venganza sobre ti!"

Aunque fuera su tercera película tras debutar como director con "Reservoir Dogs"(1992) y figurar únicamente como guionista en "Amor a quemarropa" (1993), Tarantino ya tenía hilado el guión de "Pulp Fiction" incluso antes de que se filmasen ambas, el único problema es que solo tenía completadas dos de todas las historias que figuran en el largometraje, ayudándole Roger Avery a completar el guión.

También tenía claro quiénes iban a ser algunos de sus actores haciendo los guiones de ciertos personajes específicamente para ellos. Por ejemplo Jules ya estaba predestinado para Samuel L. Jackson porque éste había participado para el casting de Reservoir Dogs y en última instancia, pese a sorprender muy gratamente al director, quedó fuera, pero no os preocupéis ha participado en seis  de las nueve cintas del director aunque en dos de ellas apenas se note su presencia porque en una, Kill Bill, hace un cameo y en otra, Malditos Bastardos, simplemente presta su voz . Otros personajes creados para actores fueron los de Honey Bunny y Pumpkin pensando en Amanda Plummer y Tim Roth y el de Lobo para Harvey Keitel. Sólo le falló Michael Madsen que iba a repetir su papel de Vic Vega, también conocido como Señor Rubio, pero no pudo. El actor es íntimo amigo de Quentin y padrino de uno de sus hijos, pero en ese momento estaba rodando Wyatt Earp y por problemas de fechas no pudo aparecer en el film , así que se cambió un poco el personaje y crearon a su hermano Vincent Vega interpretado por John Travolta.

La película apuesta por una estructura singular formada por un prólogo (escena en la cafetería y la presentación de Jules y Vincent), tres episodios:"Vincent Vega y la esposa de Marcellus Wallace", "El reloj de oro" y "la situación con Bonnie" y un epílogo donde se resuelve la escena de la cafetería. No se sigue un orden cronológico de los acontecimientos, utilizando saltos temporales y elipsis narrativas.

La película fue nominada a siete Óscars: "Mejor película", "Mejor dirección", "Mejor actor" (John Travolta), "Mejor actor de reparto" (Samuel L. Jackson), "Mejor actriz de reparto" (Uma Thurman), "Mejor montaje" y el de la única estatuilla recibida: "Mejor guión original"

9. CASABLANCA (MICHAEL CURTIZ, 1942)

"Si ese avión despega y no estás con él lo lamentarás. Tal vez no ahora, ni hoy ni mañana, pero sí más tarde, durante el resto de tu vida. Siempre tendremos París. No lo teníamos, lo habíamos perdido hasta que viniste a Casablanca, pero lo recuperamos anoche".

Michael Curtiz, un oriundo de familia judía originaria de Hungría, ya tenía una dilatada carrera detrás de las cámaras en el momento de rodar Casablanca. En su momento se quería llevar a la gran pantalla la obra teatral "Todos vienen al café de Rick" la cual no se había estrenado todavía ni encima de un escenario.

A Stephen Karnot especialista literario de la Warner Bross le pareció una tontería sofisticada y pese a ese ambiguo mensaje le dio el visto bueno para que la rodase la compañía, así que pagaron 20.000 dólares de la época por los derechos y por ello nunca se estrenó en teatro.

El largometraje se sustentó en unas memorables interpretaciones, un brillante guion, música sublime y una realización hecha al detalle (no olvidemos que la escena final con el avión, no era un aeropuerto, se contrataron a extras de baja estatura para que el el medio aéreo pareciese más grande cuando en realidad era simplemente una maqueta de cartón a escala). 

Hay que recordar que Marruecos era un lugar donde llegaban los judíos para refugiarse de  los alemanes en la Segunda Guerra Mundial y el film es tan sumamente detallista que no dudó en contratar a muchos extras de dicha religión. Sin olvidarnos que en el momento de grabarse dicho largometraje todavía se estaba produciendo dicho conflicto bélico.

El film fue un auténtico éxito también por el marketing del estreno el 26 de noviembre de 1942, haciéndolo coincidir en la fecha con la toma de posesión de las tropas aliadas de la costa Norte de África incluida la ciudad de Casablanca.

Al año siguiente la película ganó tres estatuillas de las ocho a las que estaba nominada en los Óscars: "Mejor banda sonora", "Mejor montaje", "Mejor fotografía", "Mejor actor de reparto" (Claude Rains como el capitán Louis Renault) y "Mejor actor" (Humprey Bogart como Rick Blaine) no consiguieron su objetivo, pero sí lo hicieron las tres más importantes "Mejor película", "Mejor director" y "Mejor guion adaptado" (Hermanos Epstein y Howard Koch)

8. EL SEÑOR DE LOS ANILLOS: EL RETORNO DEL REY (PETER JACKSON, 2003)

“Y así fue el comienzo de la Cuarta Edad de los Hombres. La Comunidad del Anillo, aún eternamente unida por la amistad y el cariño, llegó a su fin. Trece meses desde aquel día, en que Gandalf nos enviara a tan largo viaje, nos descubrimos ante una imagen familiar. Estábamos en casa. ¿Cómo se retoma el hilo de toda una vida? ¿Cómo seguir adelante, cuando en tu corazón empiezas a entender que no hay regreso posible, que hay cosas que el tiempo no puede enmendar, aquellas que hieren muy dentro, que dejan cicatriz?”

La idea de hacer una saga de películas sobre estos libros del maestro J.R.R. Tolkien, comenzó en una sala de cine en 1978. Un joven neozelandés de diecisiete años llamado Peter Jackson entró a ver la película "El señor de los anillos" de Ralph Bakshi y al salir de allí comentó a sus allegados que "había disfrutado y quería saber más al respecto". Al poco tiempo leyó los libros de Tolkien en un viaje en tren de veinte horas entre Wellington, su ciudad natal, y Auckland y quedó fascinado con el universo del escritor.

En 1995, tras rodar "Agárrame esos fantasmas" con Michael J. Fox como protagonista y, a sabiendas de los grandes logros tecnológicos que había conseguido Spielberg para el cine con el estreno de "Jurassic Park", quiso llevar el largometraje al cine y no entendía como nadie lo había hecho desde hace tantos años.  Antes que Bakshi, los Beatles lo intentaron financiando una película que rodaría Stanley Kubrick, pero el final el proyecto era muy complejo  se quedó en agua de borrajas, consiguiendo que Ralph la hiciese una década después pero de una manera más terrenal.

Jackson tuvo que comprar los derechos del los libros de Tolkien que poseía Saul Zentz, un afamado miembro de una discográfica forrado de dinero y que tuvo el capricho de comprar las obras de Tolkien treinta años antes. El director y el productor musical se pusieron de acuerdo  y a Peter solo le faltaba que una compañía cinematográfica le costara el proyecto y allí entro Miramax con la que tenía estrecho contacto y el resto ya es historia en forma de una trilogía, estrenando cada film en años consecutivos.

Lo curioso de las dos primeras películas es  lo mal que les trataron los premios Óscar, dos grandes superproducciones cuidadas al dedillo, un deleite visual, grandes escenas de acción y una obra cinematográfica que no hubiera soñado el propio maestro al escribir sus novelas. "La comunidad del anillo" fue nominada a 13 estatuillas, pero sólo consiguió cuatro: "Mejor maquillaje", "Mejor Banda Sonora", "Mejor fotografía" y "Mejores efectos visuales", un auténtico bluf para un film que aspiraba a todo lo grande y se quedó con premios menores. Lo de "Las dos torres" aún fue peor, pero era entendible al tratarse de la trama central de la película, no teniendo esta ni un principio ni un final preestablecido, optó "solo" a 6 estatuillas , llevándose las de "Mejor edición de sonido" y repitiendo con la de "Mejores efectos visuales".

Gracias a dios el colofón que es la que nos compete, recogió lo sembrado en las anteriores después de tener un aura negra sobre sus cabezas al pensar que un film de ciencia ficción que basa mucho del mismo en efectos por ordenador, no podía ser galardonado con los mejores premios del cine, ay que no era algo puro... "El retorno del rey" estuvo nominado a 10 estatuillas, pero las ganó absolutamente todas: "Mejor dirección de arte", "Mejor vestuario", "Mejor director", "Mejor montaje", "Mejor maquillaje", "Mejor película", "Mejor Banda Sonora", "Mejor canción original" (Into the West), "Mejor guion adaptado", "Mejor sonido" y "Mejores efectos visuales". Una pena que actores como Ian McKellen o Viggo Mortensen, no fueran nominados ni rascasen algún premio simplemente por el tipo de film en el que estaban.

Una pena que Peter Jackson quisiera repetir la fórmula décadas después haciendo una trilogía de "El Hobbit" que no le llega a la suela de los zapatos a ésta, un símbolo para varias generaciones que crecimos leyendo los libros de un hombre que nos llevó a transportarnos a otros mundos detallados al dedillo, incluyendo crear sus propios lenguajes, mapas y de más, e induciendo a la creación de los juegos de rol de mesa.

7. LA LISTA DE SCHINDLER (STEVEN SPIELBERG, 1993)

"Un hombre roba algo, le conducen ante el emperador, se echa el suelo ante él, le implora clemencia... él sabe que va a morir, pero el emperador le perdona la vida a ese miserable, y deja que se vaya.  Poder es cuando tenemos justificación para matar, y no lo hacemos. Eso es poder, Amón, eso es poder"

Poldek Pfefferberg, uno de los judíos de Schindler quiso que el mundo supiera la historia de su salvador intentando que la productora Metro Goldwyn Mayer hiciese una película sobre lo sucedido en la Segunda Guerra Mundial y cuando estaba todo atado, incluso el guionista de la misma iba a ser Howard Koch, el acuerdo terminó rompiéndose. Lo único que consiguió el polaco-estadounidense, otrora prisionero de los nazis en Cracovia durante el holocausto, fue que el escritor australiano redactara la historia en su novela "El arca de Schindler" en el año 1980, pero la idea de llevarlo al cine cayó en saco roto.

Oskar Schindler, un empresario alemán, consiguió salvar la vida de mil doscientos judíos durante el holocausto con la excusa de necesitar mano de obra para fabricas utensilios de cocina y munición. Pese a pertenecer al régimen nazi y servir a Hitler nunca entendió lo que estaban haciendo en los campos de concentración y  las masacres humanas que había día sí y día también en aquellos lugares y empleó su empresa como tapadera para poder liberar a cuanta más gente mejor de una muerte cruel, dejándose toda su fortuna por el camino.

Steven Spielberg de origen judío, se interesó por la historia y quiso llevarla al cine después de leer la reseña del libro trece años antes en el New York Times, comprar la novela y fascinarse con la historia de su religión, aunque al principio no creyó que fuera una historia real: "Me sentí atraído por la naturaleza paradójica del personaje. ¿Qué podría llevar a un hombre como este a coger todo el dinero que tenía y destinarlo a salvar esas vidas". Estuvo años queriendo llevar esa historia a la gran pantalla, pero él no se sentía preparado para rodarla y se la ofreció en 1988 a directores de la talla de Sidney Pollack o Martin Scorsese, aunque al final nada se concretó y en 1993 decidió dirigirla y mostrarla al mundo.

Toda la filmación, salvo pequeños detalles muy significativos y alegóricos que se muestran en color rojo, está hecha en blanco y negro, intentando introducir al espectador en la historia real como si fuese un documental. Un drama histórico, duro, a veces con tomas muy crudas, pero con un final bonito y esperanzador ya que Schindler no consiguió salvar a todos, pero si fue una cifra de personas considerable para los medios de los que dispuso. A mitad del rodaje Spielberg da más realismo al mismo incluyendo a modo de epílogo como 128 supervivientes se acercan a la tumba de Schindler tras su muerte en 1974 para darle un sentido homenaje.

La película estuvo nominada a 12 Óscars de los cuales levantó siete: "Mejor película", "Mejor dirección", "Mejor guion adaptado", "Mejor fotografía", "Mejor banda sonora", "Mejor montaje" y "Mejor dirección artística".

6. 12 HOMBRES SIN PIEDAD (SIDNEY LUMET, 1957)

En este caso en vez de una frase mítica del film, pongo su leyenda del título: "La vida en sus manos, la muerte en sus mentes".

La ópera prima de Sidney Lumet y una de las películas favoritas de su actor principal Henry Fonda, la cual pone en el podio junto a "Las uvas de la ira" y "El incidente en Ox-Bow", también ambas de carácter ilustrativo. En este caso se basa en un capítulo de la serie televisiva Studio One con homónimo nombre "Twelve angry men" y misma historia que fue galardonada con tres premios Emmys en el año 1955: Mejor dirección, mejor guión y mejor actor. A Lumet le gustó mucho la trama de ese capítulo y decidió darle su toque artístico convirtiéndola en película.

La premisa parece clara, un chico ha matado a su padre y se le juzga por dicho asesinato, teniendo la deliberación del caso un jurado popular compuesto por doce hombres. En Estados Unidos la votación de dichos jurados debe ser unánime, con lo cual el caso puede alargarse varios días si entre ellos no se ponen de acuerdo.

Lo que parecía un veredicto sencillo, todos le creen culpable, se complica cuando el miembro número ocho empieza a dudar sobre la sentencia que quieren sus compañeros y les empieza a explicar su punto de vista. Desde ese momento siembra la duda entre el grupo y cada uno demuestra su forma de ser y de pensar a través del caso, a sabiendas que la vida del muchacho depende de la decisión de todos.

Como en todos los grupos, la forma de pensar no es homogénea y mientras unos quieren llegar hasta las última instancias para dar un claro veredicto, a otros les importa verdaderamente un comino, ya que se encuentran allí porque se lo exige la ley y lo que quieren es que aquello acabe cuanto antes para volver a su hogar y vida normal.

Solo el prólogo y el epílogo de la trama no están centrados en la sala de deliberación donde se encuentran estos doce tipos y, a menudo que van pasando los minutos la trama se va complicando hasta tener cierto aroma claustrofóbico que hace mella en la psicología de las personas encerradas en esa sala.

Es curioso que no se sepan los nombres de cada uno de ellos durante el largometraje, llamándose por los números del 1 al 12 que les han asignado en el jurado o por sus profesiones, lo que hace que el film parezca un experimento social que trata de empatizar con el espectador que una simple película. En realidad te permite después del visionado reflexionar que clase de personas somos y hacia dónde vamos y quizás que te hagas ese tipo de preguntas hace que sea o que tenga ese algo especial.

Lumet recibió numerosos premios por su primer film, pero pinchó en hueso en las tres nominaciones a los Óscar que tuvo: "Mejor película", "mejor director" y "mejor guion adaptado".

5. EL PADRINO, PARTE II (FRANCIS FORD COPPOLA, 1974)

“Yo creo en mi familia. Creo en ti y en los hijos que podamos tener. No confío en la protección de la sociedad, y no tengo intención de poner mi destino en manos de unos cuantos tipos cuyo único mérito reside en habérselas ingeniado para conseguir los votos de la gente. Eso por el momento. La época de mi padre ya ha pasado. Y las cosas que él hizo ya no pueden hacerse, pues el riesgo es ahora mucho mayor que antaño. Nos guste o no, la familia Corleone debe integrarse en la sociedad. Pero cuando lo haga, quiero que tengamos un gran poder, basado, entre otras cosas, en el dinero. Quiero asegurar el futuro de mis hijos, y cuando lo haya conseguido, el destino de la familia Corleone se unirá al destino general.”

Mario Puzo ya estaba escribiendo la segunda novela de El Padrino incluso antes de estrenar la primera parte de la saga cinematográfica, sin saber la repercusión que esta pudiese llegar a tener. El nombre inicialmente iba a ser "La muerte de Michael Corleone", y Coppola tras asegurase que habría segunda parte también en la gran pantalla quiso adaptarla como una antítesis a la que vivió su padre Vito creando un imperio de la mafia siciliana empezando desde lo más bajo, mientras Michael lo hereda en el punto más álgido mostrando como todo poco a poco se desmorona al no tener el mismo carácter que su progenitor: "yuxtaponer el ascenso de la familia bajo Vito Corleone con el declive de la familia bajo su hijo Michael... Siempre había querido escribir un guion que contara la historia de un padre y un hijo en la misma edad. Ambos tenían treinta y tantos años y yo integraría las dos historias... Para no volver a hacer El padrino I simplemente, le di a El padrino II esta doble estructura al extender la historia tanto en el pasado como en el presente"

Coppola además no quería dirigirla, quería que fuese Martin Scorsese el encargado de este proyecto, pero Paramount Pictures se negó queriendo que continuase él en la dirección, no les importaron los costos, ya que el film fue en un principio presupuestado con seis millones y al acabar se disparó hasta los quince, pero querían una segunda parte digna.

Marlon Brando iba a salir en algunas escenas de flashbacks donde celebraban su cumpleaños, pero se sintió maltratado por la productora y no se presento en sus días de filmación, lo mismo ocurrió con Richard Castellano, que hacía el papel de Peter Clemenza en la primera parte, así que tuvieron que ajustar varias veces el guion por dichos imprevistos. También hubo problemas con James Cagney al que se le había hecho un papel a su medida que rechazó y James Caan si aceptó rodar una escena de flashback con la condición que le pagaran por la misma el mismo sueldo que percibió en el primer rodaje.

También se vieron obligados por la Paramount a rodar casi todas las escenas en la República Dominicana porque Charles Bluhdorn decía que allí estaba el futuro a la hora de rodar largometrajes a bajo coste, sólo aparece la localidad Forza D'Agro en unas pocas escenas como lugar puramente italiano dentro del film.

Pese a que siempre dicen que segundas partes no son buenas y las pegas previas hacían presagiar que podía ser un desastre, la película fue la más taquillera de la productora ese año y la séptima más vista en los cines en todo el mundo, pero económicamente no superó a la primera parte.

Fue seleccionada para once estatuillas y, aunque se quedaron como nominadas en cinco: "Mejor actor" (Al Pacino), dos en la categoría "mejor actor de reparto" (Michael V. Gazzo y Lee Strasberg), "mejor actriz de reparto" (Talia Shire) y "mejor diseño de vestuario", recogieron seis galardones: "Mejor película", "mejor director", "mejor actor de reparto" (Robert De Niro), "mejor guion adaptado" (Puzo-Coppola), "mejor diseño de producción" y "mejor banda sonora".

4. CADENA PERPETUA (FRANK DARABONT, 1994)

“La primera noche es la más dura, no cabe la menor duda, te dejan desnudo como el día que naciste con la piel quemada y medio ciego por el asqueroso desinfectante y cuando te meten en la celda y te cierran los barrotes en las narices es cuando te das cuenta que es de verdad, en un abrir y cerrar de ojos toda tu vida se a ido al carajo, no te queda nada excepto todo el tiempo del mundo para reflexionar. Muchos pescaditos casi enloquecen la primera noche siempre hay más de uno que rompe a llorar, siempre.”

No todo es siempre llegar y besar el santo, hace relativamente poco en el post de PELÍCULAS ICÓNICAS QUE FRACASARON EN SU ESTRENO, hablábamos de dos largometrajes que aparecen en esta misma entrada siendo el film de Darabont el primero de ellos.

 Como no quiero repetir lo que anteriormente habéis leído, voy a hacer un pequeño resumen aportando cosas nuevas de este peliculón basado en la novela "The Shawshank redemption" de Stephen King, la cual vendió a su amigo Frank en 1987 por un cheque de mil dólares por los futuros derechos cinematográficos, que le devolvió encuadrado en forma de regalo "por si un día necesitara dinero para una fianza".

Parece que el aura de Darabont es tan especial como la del protagonista de la historia Andy, un hombre acusado de un homicidio que nunca cometió y encarcelado de por vida en Shawshank a mediados de los años cuarenta. Pese a su horrible situación, el hombre se las apaña con sus conocimientos en revertir la situación viendo todo desde un prisma diferente a las reglas que se usan en prisión. Al director le pasó algo parecido, buscaba por darle lo mejor a su obra, pero se encontró que al tener poco bagaje a sus espaldas, todo lo que tenía en mente se desplomaba teniendo que adaptarse a las circunstancias y estás soplaron a favor.

Para el papel protagonista  quiso a Tom Hanks que tuvo que declinar la propuesta al coincidir con el rodaje de "Forrest Gump", a Tom Cruise que le rechazó por su escasa experiencia tras las cámaras, a Kevin Costner que prefirió rodar "Waterworld" y otros tantos como Nicolas Cage, Johnny Depp o Charlie Sheen que tampoco pudieron, al igual que ocurrió lo propio para otros papeles con Brad Pitt, James Gandolfini, Gene Hackman y Robert Duvall.

Al final el papel principal fue a parar a Tim Robbins porque a Frank le gustó su papel en la película de terror psicológico "La escalera de Jacob" cuatro años antes y os aseguro que nadie de los antes citados pueden superar dicha actuación. Robbins también le aconsejó que fichara al director de fotografía Roger Deakins, llevándose un combo que hizo crecer la película avanzando a pasos agigantados.

Otra curiosidad es que el narrador "Red" en la novela es un blanco irlandés con dicho color de pelo, pero la directora de casting fichó a Morgan Freeman para ese papel porque se salió en "Brubaker" (1980), otro drama penitenciario. Ni que decir que la fisionomía del actor no se adapta justamente al papel literario y el director hace una mofa de ello cuando Andy conoce a Red y le pregunta por su mote y el responde "No sé, quizás es porque soy de ascendencia irlandesa"

La película fue nominada a siete Óscar y no consiguió ninguno: "Mejor película, "mejor actor" (Morgan Freeman),  "mejor guion adaptado", "mejor banda sonora", "mejor montaje" y "mejor sonido".

Y como hemos dicho antes, en este caso es el paso de los años la que la alzan ha dicho puesto siendo muy valorada por los espectadores desde su estreno, aquí un servidor os la recomienda pues es una de mis películas favoritas.

3. 2001. UNA ODISEA EN EL ESPACIO (STANLEY KUBRICK, 1968)

"Al sexto tripulante no le preocupaban los problemas de la hibernación, porque él es lo último en inteligencia artificial: el ordenador HAL 9000, que puede reproducir, aunque algunos expertos prefieren la palabra "imitar", la mayoría de las actividades del cerebro humano y con mucha más rapidez y fiabilidad. [...] Hola, HAL, ¿cómo va todo?

- Buenas tardes, Sr. Amer. Todo va perfectamente"

Arthur C. Clarke publicó un relato llamado "El centinela" en 1951 que narraba la historia de cómo una civilización inteligente plata en la luna una especie de monolito antes incluso de que apareciese el hombre en La Tierra, con el fin de avisarnos en el futuro a nosotros que existen otros tipos de vida en otros planetas y animándonos a explorar el universo para encontrarnos.

Dicha historia, e incluso las publicaciones del escritor, pasaron bastante desapercibidas hasta que un joven director de cine de apellido Kubrick que acababa de rodar su primera película en Hollywood se acercó a él con una propuesta: realizar un largometraje sobre "la relación entre el hombre y el universo".

Clarke le envió diferentes relatos suyos abordando dicho tema  con el fin de decidir cuál de ellos quería adaptar y aquel escrito del  año 51 fue el favorito como punto de partida para el cineasta, formando el segundo acto del largometraje.

Stanley se citó también con un profesor de matemáticas de la Universidad de Oxford, Irving John Good, para poder hacer un superordenador lo más realista posible que a fin de cuentas sería el verdadero enemigo de la historia al poseer inteligencia propia. El nombre de HAL no fue casualidad, pues son las letras anteriores de cada sigla de IBM, una empresa top de informática en aquellos tiempos. HAL abrió un nuevo campo de hipótesis e ideas tanto dentro como fuera del cine a la hora de pensar sobre la idea de cómo una IA pudiera rebelarse en contra de su propio creador, traicionando así el primer principio de la robótica.

Otra curiosidad de HAL es que no vemos  a un antagonista como tal campando a su anchas y haciendo fechorías, pues éste está representado por un botón rojizo que parpadea mientras habla, haciendo que el miedo se traslade en lo que puede llegar a hacer y no en lo que en realidad visualmente hace.

El largometraje recibió cuatro nominaciones a los Óscar: "Mejor dirección", "mejor guion original", "mejor dirección artística" y "mejores efectos visuales", recogiendo únicamente este último.

2. CIUDADANO KANE (ORSON WELLS, 1941)

 "Solo hay una persona que puede decidir lo que voy a hacer, y soy yo mismo."

En el mismo contexto que "Cadena perpetua", un film incomprendido en su tiempo que con el paso de los años ha sido considerada una de las mejores películas de todos los tiempos incluso para algunos la mejor.  Buena parte de culpa que este largometraje casi cayera en el olvido es de William Randolph Hearst, el personaje real  en el que está basado el protagonista del film Charles Foster Kane, un magante de la prensa con gran poder e influencia pero que ansia dos cosas en las que todavía no ha triunfado: la política y el amor.

El gran éxito de la película se sustenta en cuatro pilares:

1. El guion: nadie sabe hasta donde llegó el propio Orson Wells en el mismo pero no hay que olvidar  que no lo escribió solo, Herman J. Mankiewicz fue un verdadero mago  a la hora de escribir obras para cine en aquella época. Un revolucionario que conseguía sacar las reacciones del público utilizando argumentos transgresores como saltos en el tiempo, múltiples narradores o perspectivas diferentes aliñadas con frases para la historia, una visión distinta y un mundo interior dentro del protagonista. Todo ello enmarcado perfectamente en un contexto dramático ante el cual es imposible que en el primer visionado no reacciones ante las distintas situaciones a las que te va sometiendo.

2. La mezcla de géneros: Obviamente el film lo podemos catalogar como drama, pero en el visionado este se une a momentos de terror, comedia, e incluso surrealistas que te hacen dudar sobre cuál es el género de la película o si es simplemente una suma de muchos, pese a que desde un principio parecía estar claro. Otra forma de transmitir sensaciones y no sólo mediante los giros de guion.

3. Una revolución en la forma de rodar: El historiador de cine George Sadoul, de origen francés calificó de esa forma a la película al saltarse todos los canones de lo que se hace en un rodaje, "jugar con la cámaras, las luces, los enfoques, en definitiva con las reglas que habían marcado hasta ese entonces las leyes rígidas de la cinematografía hollywoodense".

4. Orson Wells: el propio director, guionista y protagonista del film tenía una forma de ver el cine totalmente diferente a lo que se había mostrado hasta la fecha, sólo a una persona como a él se le pudo ocurrir la idea de aterrorizar a todo Estados Unidos por la radio haciéndoles creer que nos estaban invadiendo los alienígenas en ese preciso instante, todo ello para publicitar la película de "La guerra de los mundos". Una mente adelantada a su tiempo y de la cual queda constancia en ésta, su obra maestra.

La película fue nominada a nueve Óscar: "Mejor película", "mejor director", "mejor actor", "mejor música de película dramática", "mejor fotografía en blanco y negro", "mejor montaje", mejor dirección artística", "mejor sonido" y el único que consiguió llevarse "mejor guion adaptado".

1. EL PADRINO (FRANCIS FORD COPPOLA, 1972)

“Voy a hacerle una oferta que no podrá rechazar”.

En enero de este año 2022 se ha celebrado el cincuenta aniversario de este mítico film y su director no dejaba de tener palabras de agradecimiento antes todos esos espectadores que generación tras generación, la siguen degustando: “Estoy muy orgulloso de El Padrino, que ciertamente define el primer tercio de mi vida creativa. También resulta muy gratificante celebrar este hito junto a Paramount y los maravillosos seguidores que se han mostrado tan apasionados con esta obra durante décadas, con las generaciones más jóvenes que siguen considerando que es relevante en la actualidad, y con aquellos que la descubrirán ahora por primera vez”.

Pocos saben que a mediados de los años sesenta el escritor Mario Puzo estaba al borde de la quiebra con más de 45 años, cinco hijos y una deuda de 20.000 dólares de la época. Sus editores le dieron un ultimátum en su trabajo, crear una narrativa sobre gangsters a sabiendas que estaba de moda ese estilo entre los lectores o arriesgarse  con una novela por su propia cuenta y cargar con las consecuencias del futuro de la misma. Puzo se vio obligado a tirar hacia delante y a escribir sobre la mafia siciliana a través de la familia Corleone, sus editores le apretaron las tuercas pero a su vez le hicieron famoso y le sacaron del atolladero económico para el resto de sus días y que Coppola fuera el encargado de llevar la saga al cine ya de por si es historia.

Aunque entre medias existe un enlace entre Puzo y el director, Peter Bart, productor de la Paramount Pictures que se obsesionó con llevar la novela a la gran pantalla y hacerse con los derechos de la misma incluso antes de estar concluida la primera parte por el escritor.

Albert S. Ruddy, productor de la película no sabía cómo hacer entender a los posibles financiadores de la cinta porque debían apostar su dinero por un largometraje de un autor de novelas semidesconocido y un director prácticamente novel como Francis. Al final una frase al ejecutivo Charles Bluhdorn lo cambió todo: "Se trata de una película aterradora y fría sobre las personas que amas”. El director se obsesionó tanto por la película que el presupuesto inicial fue irrisorio en comparación con el coste total, obligando a ir a todos a diferentes ciudades en Italia y ambientarlas con todo lujo de detalles a la década de la historia o para la boda de Connie Corleone se usaron 350 extras como invitados y hubo un catering especializado en bodas que dispuso comida como para 500 personas en los cuatro días que duró el rodaje de esas escenas o los cuidados en los detalles ínfimos, como la caricaturización de Vito en algo parecido a un Bulldog para demostrar su fiereza, por la que Marlon Brando trabajo con prótesis y algodones escondidos en su boca, como los periódicos de la época, los álbumes de fotos, o el diseño de colores para cada escena para expresar ciertos sentimientos al espectador, causas que terminaron por convertir  una pequeña película violenta en una gran superproducción.

El público ítalo-americano se opuso a su estreno por miedo a que el resto de los ciudadanos norteamericanos les vieran como potenciales miembros de las mafias, pero gracias a dios su recurso no llegó a buen puerto a sabiendas que Coppola tocaba puntos al límite durante el largometraje e incluso el gran Frank Sinatra se sintió furioso al verse reconocido en el personaje Johnny Fontaine, por hechos que sucedieron de forma similar en la realidad.

El director dio una orden explicita a todos los actores del proyecto: mientras se encontraran en el plató no podían dejar de actuar sin salirse de su personaje, incluso eran normales las cenas en grupo de trabajo y Francis les obligaba a los presentes a improvisar en las mismas como si fueran sus papeles, pudiendo añadirse algunas de esas frases al guion del film.

Tuvo once nominaciones a los Óscar: "Mejor director", tres candidaturas a "mejor actor secundario" (James Caan, Robert Duvall y Al Pacino), "mejor Banda Sonora", "mejor montaje", "mejor sonido" y "mejor diseño de vestuario", levantando los de  "mejor película", "mejor actor" (Marlon Brando) y "mejor guion adaptado".

LAS LISTAS

1. IMDB Y FOTOGRAMAS

1. CADENA PERPETUA (FRANK DARABONT, 1994)

2. EL PADRINO (FRANCIS FORD COPPOLA, 1972)

3. EL PADRINO, PARTE II (FRANCIS FORD COPPOLA, 1974)

4. EL CABALLERO OSCURO (CHRISTOPHER NOLAN, 2008)

5. 12 HOMBRES SIN PIEDAD (SIDNEY LUMET, 1957)

6. LA LISTA DE SCHINDLER (STEVEN SPIELBERG, 1993)

7. EL SEÑOR DE LOS ANILLOS: EL RETORNO DEL REY (PETER JACKSON, 2003)

8. PULP FICTION (QUENTIN TARANTINO, 1994)

9. EL BUENO, EL FEO Y EL MALO (SERGIO LEONE, 1966)

10. EL CLUB DE LA LUCHA (DAVID FINCHER, 1999)

 

2. FOTOGRAMAS (SEGÚN LA CRÍTICA)

1. VÉRTIGO (ALFRED HITCHCOCK, 1958)

2. CIUDADANO KANE (ORSON WELLS, 1941)

3. CUENTOS DE TOKIO (YASUJIRO OZU, 1953)

4. LA REGLA DEL JUEGO (JEAN RENOIR, 1939)

5. AMANECER (F.W.MURNAU, 1927)

6. 2001. UNA ODISEA EN EL ESPACIO (STANLEY KUBRICK, 1968)

7. CENTAUROS DEL DESIERTO (JOHN FORD, 1956)

8. EL HOMBRE DE LA CÁMARA (DZIGA VERTOV, 1929)

9. LA PRISIÓN DE JUANA DE ARCO (CARL THEODOR DREYER, 1928)

10. OCHO Y MEDIO (FEDERICO FELLINI, 1963)

 

3. THE HOLLYWOOD REPORTER

1. EL PADRINO (FRANCIS FORD COPPOLA, 1972)

2. EL MAGO DE OZ (VICTOR FLEMING, 1939)

3. CIUDADANO KANE (ORSON WELLS, 1941)

4. CADENA PERPETUA (FRANK DARABONT, 1994)

5. PULP FICTION (QUENTIN TARANTINO, 1994)

6. CASABLANCA (MICHAEL CURTIZ, 1942)

7. EL PADRINO, PARTE II (FRANCIS FORD COPPOLA, 1974)

8. E.T. EL EXTRATERRESTRE (STEVEN SPIELBERG, 1982)

9. 2001. UNA ODISEA EN EL ESPACIO (STANLEY KUBRICK, 1968)

10. LA LISTA DE SCHINDLER (STEVEN SPIELBERG, 1993)

 

4. FILMAFFINITY

1. EL PADRINO (FRANCIS FORD COPPOLA, 1972)

2. EL PADRINO, PARTE II (FRANCIS FORD COPPOLA, 1974)

3. 12 HOMBRES SIN PIEDAD (SIDNEY LUMET, 1957)

4. LA LISTA DE SCHINDLER (STEVEN SPIELBERG, 1993)

5. TESTIGO DE CARGO (BILLY WILDER, 1957)

6. LUCES DE LA CIUDAD (CHARLES CHAPLIN, 1931)

7. CADENA PERPETUA (FRANK DARABONT, 1994)

8. EL GRAN DICTADOR (CHARLES CHAPLIN, 1940)

9. PULP FICTION (QUENTIN TARANTINO, 1994)

10. TIEMPOS MODERNOS (CHARLES CHAPLIN, 1936)

 

5. E-CARTELERA

1. EL PADRINO (FRANCIS FORD COPPOLA, 1972)

2. EL SEÑOR DE LOS ANILLOS: EL RETORNO DEL REY (PETER JACKSON, 2003)

3. LA VIDA ES BELLA (ROBERTO BEGNINI,1997)

4. LOS VENGADORES (JOSH WHEDON, 2012)

5. LA LISTA DE SCHINDLER (STEVEN SPIELBERG, 1993)

6. FORREST GUMP (ROBERT ZEMECKIS, 1994)

7. EL CABALLERO OSCURO (CHRISTOPHER NOLAN, 2008)

8. SOY LEYENDA (FRANCIS LAWRENCE, 2007)

9. EL PADRINO, PARTE II (FRANCIS FORD COPPOLA, 1974)

10. PULP FICTION (QUENTIN TARANTINO, 1994)

 

6. ESQUIRE

1. VIRIDIANA (LUIS BUÑUEL, 1961)

2. EL GATOPARDO (LUCHINO VISCONTI, 1963)

3. TE QUERRÉ SIEMPRE (ROBERTO ROSSELLINI, 1954)

4. ROMA, CIUDAD ABIERTA (ROBERTO ROSSELLINI, 1945)

5. STALKER (ANDREI TARKOVSKI, 1979)

6. ORDET (CARL THEODOR DREYER, 1955)

7. MULHOLLAND DRIVE (DAVID LYNCH, 2001)

8. DESEANDO AMAR (WONG KAR-WAI, 2001)

9. LOS CUENTOS DE LA LUNA PÁLIDA (KENJI MIZOGUCHI, 1953)

10. CUENTOS DE TOKIO (YASUJIRO OZU, 1953)

 

7. TIMEOUT

1. 2001. UNA ODISEA EN EL ESPACIO (STANLEY KUBRICK, 1968)

2. EL PADRINO (FRANCIS FORD COPPOLA, 1972)

3. CIUDADANO KANE (ORSON WELLS, 1941)

4. EL APARTAMENTO (BILLY WILDER, 1960)

5. EN BUSCA DEL ARCA PERDIDA (STEVEN SPIELBERG, 1981)

6. LA DOLCE VITA (FEDERICO FELLINI, 1960)

7. LOS SIETE SAMURÁIS (AKIRA KUROSAWA, 1954)

8. CANTANDO BAJO LA LLUVIA (GENE KELLY Y STANLEY DONEN, 1952)

9. UNO DE LOS NUESTROS (MARTIN SCORSESE, 1990)

10. CON LA MUERTE EN LOS TALONES (ALFRED HITCHCOCK, 1959)

 

8. COSMOPOLITAN

1. EL PADRINO (FRANCIS FORD COPPOLA, 1972)

2. FUERA DE ONDA (AMY HECKERLING, 1996)

3. TITANIC (JAMES CAMERON, 1998)

4. CIUDADANO KANE (ORSON WELLS, 1941)

5. EL SEÑOR DE LOS ANILLOS: EL RETORNO DEL REY (PETER JACKSON, 2003)

6. INTERSTELLAR (CHRISTOPHER NOLAN, 2014)

7. SIN NOVEDAD EN EL FRENTE (LEWIS MILESTONE, 1930)

8. CANTANDO BAJO LA LLUVIA (GENE KELLY Y STANLEY DONEN, 1952)

9. CAROL (TODD HAYNES, 2015)

10. LA LEY DEL SILENCIO (ELIA KAZAN, 1954)

 

9. PREMIERE

1. EL PADRINO (FRANCIS FORD COPPOLA, 1972)

2. OCHO Y MEDIO (FEDERICO FELLINI, 1963)

3. LOS SIETE SAMURÁIS (AKIRA KUROSAWA, 1954)

4. 2001. UNA ODISEA EN EL ESPACIO (STANLEY KUBRICK, 1968)

5. CADENA PERPETUA (FRANK DARABONT, 1994)

6. CIUDADANO KANE (ORSON WELLS, 1941)

7. CON LA MUERTE EN LOS TALONES (ALFRED HITCHCOCK, 1959)

8. CUENTOS DE TOKIO (YASUJIRO OZU, 1953)

9. ALGUNOS HOMBRES BUENOS (MARTIN SCORSESE, 1990)

10. LA LISTA DE SCHINDLER (STEVEN SPIELBERG, 1993)

 

10. ELLE

1. CASABLANCA (MICHAEL CURTIZ, 1942)

2. 12 HOMBRES SIN PIEDAD (SIDNEY LUMET, 1957)

3. 2001. UNA ODISEA EN EL ESPACIO (STANLEY KUBRICK, 1968)

4. TRES COLORES: ROJO (KRZYSZTOF KIEŚLOWSKI, 1994)

5. HISTORIAS DE FILADELFIA (GEORGE CUCKOR, 1940)

6. APOCALYPSE NOW (FRANCIS FORD COPPOLA, 1979)

7. METRÓPOLIS (FRITZ LANG, 1927)

8. EL PADRINO (FRANCIS FORD COPPOLA, 1972)

9. EL ACORAZADO POTEMKIN (SERGUÉI M. EISENSTEIN, 1925)

10. BLUE VELVET (DAVID LYNCH, 1986)

 

 

	IMDB	FOTO	HOLL	FILM	ECAR	ESQU	TIME	COSM	PREM	ELLE	MEDIAS
CADENA PERPETUA	1		4	7					5		8,3 (4º)
EL PADRINO	2		1	1	1		2	1	1	8	3,9 (1º)
EL PADRINO 2	3		7	2	9						8,7 (5º)
EL CABALLERO OSCURO	4				7						9,9
12 HOMBRES SIN PIEDAD	5			3						2	8,7 (6º)
LA LISTA DE SCHINDLER	6		10	4	5				10		9 (7º)
ESDLA: EL RETORNO DEL REY	7				2			5			9,1 (8º)
PULP FICTION	8		5	9	10						9,8 (10º)
EL BUENO EL FEO Y EL MALO	9										10,8
EL CLUB DE LA LUCHA	10										10,9
VÉRTIGO		1									10
CIUDADANO KANE		2	3				3	4	6		7,3 (2º)
CUENTOS DE TOKIO		3				10			8		9,8*
LA REGLA DEL JUEGO		4									10,3
AMANECER		5									10,4
2001. ODISEA EN EL ESPACIO		6	9				1		4	3	7,8 (3º)
CENTAUROS EN EL DESIERTO		7									10,6
EL HOMBRE DE LA CÁMARA		8									10,7
LA PRISIÓN DE JUANA DE ARCO		9									10,8
OCHO Y MEDIO		10							2		10
EL MAGO DE OZ			2								10,1
CASABLANCA			6							1	9,5 (9º)
E.T. EL EXTRATERRESTRE			8								10,7
TESTIGO DE CARGO				5							10,4
LUCES DE LA CIUDAD				6							10,5
EL GRAN DICTADOR				8							10,7
TIEMPOS MODERNOS				10							10,9
LA VIDA ES BELLA					3						10,2
LOS VENGADORES					4						10,3
FORREST GUMP					6						10,5
SOY LEYENDA					8						10,9
VIRIDIANA						1					10
EL GATOPARDO						2					10,1
TE QUERRÉ SIEMPRE						3					10,2
ROMA CIUDAD ABIERTA						4					10,3
STALKER						5					10,4
ORDET						6					10,5
MULHOLLAND DRIVE						7					10,6
DESENADO AMAR						8					10,7
LOS CUENTOS DE LA LUNA						9					10,8
EL APARTAMENTO							4				10,3
EN BUSCA DEL ARCA PERDIDA							5				10,4
LA DOLCE VITA							6				10,5
LOS SIETE SAMURÁIS							7		3		9,8*
CANTANDO BAJO LA LLUVIA							8	8			10,4
UNO DE LOS NUESTROS							9				10,8
CON LA MUERTE EN LOS TALONES							10				10,9
FUERA DE ONDA								2			10,1
TITANIC								3			10,2
INTERSTELLAR								6			10,5
SIN NOVEDAD EN EL FRENTE								7			10,6
CAROL								9			10,8
LA LEY DEL SILENCIO								10			10,9
METROPOLIS									7	7	10,2
ALGUNOS HOMBRES BUENOS									10		10,9
TRES COLORES: ROJO										4	10,3
HISTORIAS DE FILADELFIA										5	10,4
APOCALYPSE NOW										6	10,5
EL ACORAZADO POTEMKIN										9	10,8
BLUE VELVET										10	10,9

NOTAS ACLARATORIAS: 1) hay películas (la mayoría) que no están en las cinco listas, por lo que en ese vacío he sumado 11 en todos los casos, como si fueran la siguiente canción. Ejemplo: 6,3,4, -,8 = 6+3+4+11+8 / 5 (6,4 de media). 2) se puntuaran siempre las medias de menor valor, por encima del número de apariciones en las listas, por ejemplo: 4+11+11+11+11/5= 9,6 estará por encima en la lista de un 7+11+11+11+10/5= 10, aunque una aparezca en una lista y la otra en dos. 3) si las medias son iguales, en ese caso si se mira el número de listas en que aparecen (si una aparece en 4 y la otra en 3 ganará la de 4), y en caso de estar en el mismo número de listas, ganará el que tenga mejor posición en una de ellas ( si una aparece en el puesto 2 y 6 y la otra en el 3 y 5, la media será igual pero ganará la que ha conseguido el puesto 2 en una de las listas). 4) si todo es igual en el punto 3, en ese caso, ambas canciones ocuparan el mismo lugar en la lista, una posición "ex aequo"